Kategorie: Phänomene und Popkultur

Der Ursprung des Begriffs „Yandere“ liegt in Japan. Dort tauchte er erstmals in einem Anime auf. Als Anime wird ein japanischer Zeichentrickfilm beschrieben. In gedruckter Form werden sie als Manga bezeichnet. Dabei leitet sich der Begriff „Anime“ vom englischen „Animation“ ab, was so viel bedeutet wie „animiert“. Die Figuren in einem Anime erkennt man anhand ihrer übergroß dargestellten Augen.

Was bedeutet „Yandere“? Bedeutung, Erklärung, Definition

Das Kofferwort Yandere besteht aus den Worten „yanderu“ und „dere“. Würde man dies ins Deutsche übersetzen, könnte man es vereinfacht gesagt als „krankes Verliebtsein“ bezeichnen. Meistens werden nur weibliche Personen als Yandere bezeichnet. Besitzt jemand diesen Charakter, so ist er besonders liebevoll und zärtlich, kann zugleich aber auch eine gefährliche Besessenheit entwickeln. Diese richtet sich dann gegen die Person, in die sie verliebt ist.

In vielen Geschichten zeigt sich der Yandere-Charakter am Anfang als der ideale Lebenspartner. Sie erscheinen mit unzähligen positiven Eigenschaften, die kaum jemand widerstehen kann. Deshalb wäre es auch zunächst für den Angebeteten des Yandere-Charakters völlig abwegig, die Gefühle dieser Person nicht zu erwidern. Er wird nämlich so sehr umschwärmt und so hoch oben angesiedelt, dass der Liebende gar nicht anders kann, wie den Yandere-Charakter zu mögen. Für Liebesbeziehungen ist es typisch, dass sie sich verändern und weiterentwickeln. Stellt sich eine Weiterentwicklung bei den Paaren beziehungsweise bei der Beziehung nicht ein, würde jeder rational denkende Mensch erkennen, dass diese Beziehung besser beendet werden sollte. Diese Erkenntnis allerdings stellt sich bei Yandere-Charakteren nicht ein. Eher im Gegenteil: Die Yandere-Charaktere empfinden diese Miss-Entwicklung als Eingriff von außen. Sie machen andere Menschen dafür verantwortlich, dass die Beziehung nicht so läuft wie gewünscht. Sie werden förmlich aggressiv.

Schon früh im Jahre 1985 war der Yandere-Charakter im Anime-Bereich zu finden. Jedoch etablierte er sich erst so richtig im Zeitalter des wachsenden Internets im Jahr 2000 auf der ganzen Welt. So gelang es, den Begriff mehr Leuten näherzubringen. Es gibt sogar einige bekannte Filme auf dem Markt, in denen Yandere-Charakter zu finden sind. Hierzu gehören unter anderem Filme, wie beispielsweise „Misery“ von Stephen King oder „Eine verhängnisvolle Affäre“.

Ist Yandere gefährlich?

Wie eingangs schon erwähnt, setzt sich der Begriff aus zwei Wörtern zusammen: „Kranksein“ und „Verliebtsein“. Kurz gesagt würde man diesen Charakter also als extrem liebende Person bezeichnen, die für ihren Partner über Leichen gehen würde. Oftmals entwickelt sich dieser Charakter auch erst im Laufe einer Beziehung als sehr gewalttätig. Mit Zurückweisungen können sie nicht umgehen. Trotz, dass dieser Begriff keinem Geschlecht zugeordnet ist, werden jedoch vermehrt weibliche Personen damit in Verbindung gebracht. Übrigens ist das Gegenteil von Yandere, Tsundere. Ein sehr friedlicher Charakter.

In Japan war der erste Yandere-Charakter Kotonoha Katsura. Dieser entspringt einer Anime-Serie. Ebenso ist der Begriff seit 2017 auch in der Spiele-Szene bekannt. Grund hierfür war das Spiel „Yandere-Simulator“. Yandere ist mittlerweile so weit verbreitet, dass es aus dem Internet und der Meme-Kultur nicht mehr wegzudenken ist.

Gibt es Yandere auch im realen Leben?

Es gibt einige Menschen, die ähnlich handeln wie ein Yandere-Charakter. Grund hierfür kann zum Beispiel eine unerwiderte Liebe sein. Menschen, die ihre große Liebe immer wieder mit Aufmerksamkeiten und Geschenken förmlich zuschütten, könnte man als Yandere bezeichnen. Geht man noch weiter, könnte man beispielsweise Stalker als Yandere bezeichnen. Sie empfinden eine starke Zuneigung gegenüber einer bestimmten Person und möchten diese permanent überwachen. Sie würden sogar für diese Person gewalttätig werden. Ebenfalls aus dem realen Leben kommen die Charaktereigenschaften „besitzergreifend“ oder „eifersüchtig“. Hierbei geht beispielsweise die Eifersucht des einen Partners so weit, dass der andere immer mehr in seinen Freiheiten eingeschränkt wird. Sie wird also regelrecht eingesperrt. Dieses Phänomen könnte man demnach als Yandere bezeichnen.

Es gilt also festzuhalten, dass es zwei verschiedene Formen der Yandere-Charakter gibt. Die eine Form empfindet so stark für ihren Schwarm, dass sie dafür sogar gewalttätig oder gar morden würde. Die andere Form handelt zunehmend aggressiv und würde ihren Angebeteten zuletzt umbringen, da sie es nicht ertragen kann, dass ihre Liebe nicht erwidert wird. Viele dieser Charaktere der zweiten Form begehen danach sogar Selbstmord, um wenigstens auf einer anderen Ebene mit dem Angebeteten zusammen sein zu können.

Die Anime-TV-Serie namens „Tokyo Ghul“ gilt als die Geburtsstätte vieler, namhafter Figuren, wie beispielsweise „Himedere“, die über die Serie hinaus an Berühmtheit erlangten. Im Falle von „Himedere“ handelt es sich um eine weibliche, fiktive Figur, die durch eher negative Charaktereigenschaften auffällt. „Himedere“ kann als „verwöhntes, reiches Mädchen“ bezeichnet werden, die abwertend auf andere Menschen hinabblickt und deren Unterstützung ausnutzt. Sie ist oft mindestens mit zwei weiteren Menschen unterwegs, die diese als ihre Gefolgsleute betrachtet.

Die japanische Anime-Serie „Tokyo Ghul“ wird unter Jugendlichen momentan stark gehypt, weil die darin enthaltenen Figuren einen gewissen Style und teilweise erstrebenswerte Eigenschaften aufweisen. Im Falle von „Himedere“ ist dies allerdings nicht der Fall – sie gilt als eine der weniger beliebten Charaktere innerhalb der Serie, wenngleich sie durch ihre Schönheit auffällt. Was „Himedere“ genau ausmacht und wie sich der Begriff ins Deutsche übersetzen ließe, dazu sollen im folgenden Artikel weitere, spannende Informationen folgen.

Begriffsdefinition von „Himedere“

„Himedere“ ist an sich ein japanischer Name, der sich innerhalb der japanischen Sprache jedoch aus den beiden Wörtern „hime“ (zu Deutsch: „Prinzessin“) und „dere“ (zu Deutsch „verliebt sein“) zusammensetzt. Kombiniert könnte man „Himedere“ daher mit sowas wie „selbstverliebte Prinzessin“ übersetzen. Diese Bezeichnung passt perfekt auf die fiktive Figur „Himedere“, die selbst sehr von sich überzeugt ist und andere gern für ihre Zwecke arbeiten lässt. Sie verfügt über ein attraktives Äußeres, gepaart mit einem eher düsteren Charakter, der dem Aussehen quasi stark antithetisch gegenübersteht. Neben der reinen Verwendung als Namen innerhalb der japanischen Anime-Serie „Tokyo Ghul“ hat sich der Begriff „Himedere“ mittlerweile auch als geläufiger Begriff in derartigen Situationen etabliert – beispielsweise wenn jemand als eine „Himedere“ beschimpft werden soll. Die Serie an sich ist vergleichsweise oft der Geburtsort neuer, derartiger Begrifflichkeiten.

Herkunft und wörtliche Bedeutung von „Himedere“

Der Name „Himedere“ ist innerhalb der Serie „Tokyo Ghul“ erstmals in Erscheinung getreten und künstlich aus den oben genannten Begriffen entstanden. Seitdem wird dieser meist für eine reiche, überhebliche Person verwendet, die durch unattraktive Charaktereigenschaften auffällt. Vornehmlich handelt es sich dabei um unverdienten (entweder geerbten oder gesponserten) Reichtum, den sich diejenige Person zunutze macht, um andere zu unterjochen. Auch im Falle von „Himedere“ wird dies immer wieder ersichtlich. Sie betrachtet ihre Mitmenschen eher als Angestellte, beziehungsweise sogar als ihre Sklaven. Gleichzeitig umgibt „Himedere“ eine Aura der Erhabenheit sowie des (überstelzten) Selbstbewusstseins. Der Ausdruck ist in der Anime-Community vergleichsweise bekannter, als außerhalb dieser.

Wo wird der Ausdruck „Himedere“ überall verwendet?

Obwohl es sich bei „Himedere“ um einen vergleichsweisen speziellen Namen, beziehungsweise Ausdruck handelt, so wird dieser mittlerweile in vielen, verschiedenen Bereichen eingesetzt. Darunter befinden sich unter anderem die Folgenden:

• Anime-Serien und Mangas
• Social-Media-Plattformen
• Alltagssprache

In den nun folgenden Unterabschnitten sollen die oben genannten Einsatzbereiche von „Himedere“ einmal genauer untersucht werden.

Anime-Serien & Mangas

Innerhalb der japanischen Anime-Serie „Tokyo Ghul“ stellt „Himedere“ die Figur der erhabenen, verwöhnten und oftmals charakterlich schwierigen Prinzessin dar. Sie gilt als schön, anmutig und äußerlich sehr attraktiv, weist diese äußere Schönheit aber nicht in ihrem Inneren auf. So fällt diese immer wieder durch negative Charaktereigenschaften auf. „Himedere“ hat blonde Haare, pinke Augen und trägt größtenteils weiß- bis beigefarbige Kostüme. Sie trägt ihr Haar weiterhin offen oder zu Zöpfen zusammengebunden und kombiniert ihr Outfit oftmals mit einem kurzen, schwarzen Rock.

Social-Media-Plattformen

Auf den Social-Media-Plattformen TikTok und Instagram sind sowohl der Name „Himedere“, als auch die damit verbundene Bedeutung aktuell sehr beliebt. So wird die Figur „Himedere“ beispielsweise in individuellen Kurzvideos nachgeahmt. Darüber hinaus kommt „Himedere“ in Videobezeichnungen, Bildtiteln und in Form von Hashtags zum Einsatz. Dadurch wird die Bekanntheit von „Himedere“ natürlich beträchtlich gesteigert. Indirekt sorgt dies auch für die wachsende Bekanntheit der japanischen Anime-Serie „Tokyo Ghul“.

Alltagssprache

Innerhalb der Anime-Community hat sich „Himedere“ bisweilen zu einem gängigen Begriff etabliert, der für hochnäsige, verwöhnte und charakterlich hässliche (wenngleich äußerlich attraktive) Menschen verwendet wird. Entsprechend oft wird „Himedere“ hier in der gesprochenen Alltagssprache eingesetzt. Dies dient meist zu Beleidung einer Person. Als Name selbst (außerhalb der Serie) ist „Himedere“ hingegen weniger beliebt, da dieser so stark negativ konnotiert ist.

Gesellschaftliche Einordnung des Ausdrucks „Himedere“

Name und Ausdruck „Himedere“ lassen – vor allem aufgrund seiner Spezifität – vor allem der Anime-Community zuordnen. Diese hat meist Anhänger jüngerer Generationen, wie beispielsweise die Generationen Z und Alpha (zwischen 10 und 25 Jahren alt). Bei älteren Personen (zwischen 25 und 40 Jahren) ist „Himedere“, wenn überhaupt, meist nur durch Social Media bekannt. Wer sich in der japanischen Anime-Kultur jedoch nicht auskennt und die Serie „Tokyo Ghul“ nicht kennt, dem ist „Himedere“ häufig auch kein Begriff. Von diesen Personen wird „Himedere“ daher oftmals nicht verstanden.

Kritische Auseinandersetzung mit „Himedere“

Vor allem die Figur „Himedere“ wird von Kritikern oft scharf angefeindet. Sie verkörpert einen charakterlich schlechten Menschen, der Kapital aus seinen günstigen Vorbedingungen (zum Beispiel Reichtum der Eltern und/oder attraktives Äußeres) zieht. Kritiker sehen in „Himedere“ gleichzeitig einen narzisstischen Menschen, der nur auf seinen eigenen Vorteil bedacht ist. Personen, die die TV-Serie „Tokyo Ghul“ sehen, sollten sich in keinem Fall ein Beispiel an speziell dieser Figur nehmen. Darüber hinaus wird der Umstand bemängelt, dass es sich bei „Himedere“ um einen recht exotischen Begriff handelt, den nur die Mitglieder einer eingefleischten Community überhaupt verstehen.

Fazit zum Ausdruck „Himedere“ und ähnliche Begrifflichkeiten

Unterm Strich stellt „Himedere“ eine verwöhnte Prinzessin aus der beliebten Anime-Serie „Tokyo Ghul“ dar, die durch negative Charaktereigenschaften, wie beispielsweise Selbstverliebtheit und Arroganz, auffällt. Sie gilt als äußerlich sehr attraktiv, hat blonde Haare und trägt meist hellfarbige Oberteile in Kombination mit einem schwarzen, kurzen Rock. Neben der Verwendung als Name hat sich „Himedere“ in bestimmten Kreisen mittlerweile auch als gängiges Schimpfwort etabliert. Es setzt sich aus „hime“ (zu Deutsch: „Prinzessin“) und „dere“ (zu Deutsch: „verliebt sein“) zusammen.

„Himedere“ ist nur eine von vielen Figuren oder Begriffen, die durch die japanische Anime-Serie „Tokyo Ghul“ bekannt wurden. Unter anderem betrifft dies neben „Himedere“ auch noch „Kuudere“ (cool, distanziert, aber dennoch warmherzig im Inneren) sowie „Yandere“ (liebevoll und leicht aufdringlich) und viele weitere Figuren. Die genannten Alternativbegriffe sind ebenfalls in den regulären Sprachgebrauch eingezogen, obwohl es sich dabei ursprünglich um künstlich geschaffene Namen (aus japanischen Begriffen) handelt.

„Coodere“ ist eine Anime-Figur aus der japanischen Serie „Tokyo Ghoul“, die aktuell einen gewaltigen Hype auf Social Media sowie in jugendlichen Subkulturen erlebt. Ähnlich wie „Kuudere“, so fällt auch „Coodere“ durch seine recht kühle, emotionslose Art auf, kann im Gegensatz zu „Kuudere“ jedoch nicht von jetzt auf gleich einen Gefühlsausbruch erleben. „Coodere“ ist daher die eingefahrene Variante von „Kuudere“. Ersterer ist männlich und besticht durch seine Anime-artige Optik, was dessen Kleidung und Styling betrifft. Weiterhin besitzt dieser eine ruhige, besonnene, wenngleich auch etwas antisoziale Art.

Die Serie „Tokyo Ghul“ und die darin vorkommenden Charaktere werden vor allem unter Jugendlichen aktuell stark bewundert. Viele Jugendliche sehnen sich die Charaktereigenschaften der einzelnen Anime-Figuren herbei. Um was es jedoch speziell bei „Coodere“ geht, was der Name bedeutet und wo dieser überall verwendet wird, darüber kann der Leser im nachstehenden Artikel weitere Informationen erhalten.

Begriffsdefinition von „Coodere“

„Coodere“ ist ein relativ neuer Name, der aus der japanischen Sprache stammt und sich aus den Worten „coo“ oder „kourudo“ (zu Deutsch: „kühl“ oder „kalt“) und „dere“ (zu Deutsch: „verliebt“) zusammensetzt. „Coodere“ könnte man daher in etwa mit „ein Cooler, in den man sich verliebt“ übersetzen. Dies zielt auf die charakterlich eher distanzierte, rationale Figur des „Coodere“ ab, der eine attraktive Optik aufweist, welcher jedoch ein kühles Wesen gegenübersteht. „Coodere“ ist daher der geborene Anführer und betrachtet die Dinge stets rational und nüchtern. Nicht zuletzt diese Eigenschaften machen „Coodere“ so beliebt bei jugendlichen Subkulturen, die in diesem nicht nur eine Figur, sondern vor allem auch eine Lebenseinstellung sehen. „Coodere“ hat sich daher bereits weit über die Grenzen der Serie „Tokyo Ghul“ hinausentwickelt. Außerhalb Japans ist „Coodere“ (was dort eigentlich ein Kunstwort darstellt) weniger als Adjektiv, sondern vielmehr als Name (ohne direkte Bedeutung) bekannt.

Herkunft und Bedeutung von „Coodere“

Auch „Coodere“ stammt aus der Welt der japanischen Animes und Mangas und ist eine fiktive Figur der beliebten Serie „Tokyo Ghul“. „Coodere“ ist ein besonnener und erfahrener Kämpfer, der keine starken Emotionen an den Tag legt und vor allem beim weiblichen Publikum sehr verehrt wird. Selbst in kritischen und gefährlichen Situationen behält „Coodere“ einen kühlen Kopf – aufgrund der emotionslosen Charakteristik von „Coodere“ hat dieser jedoch Schwierigkeiten, soziale Kontakte einzugehen. Nicht selten kommt es für „Coodere“ daher zu unangenehmen Situationen – vor allem dann, wenn dieser innerhalb der Serie auf Verehrerinnen trifft. „Coodere“ trägt meist ein weißes Hemd, eine rötlich-violette Krawatte sowie eine Anzugweste und hat violette, schulterlange Haare.

Verwendung von „Coodere“ in verschiedenen Kontexten

„Coodere“ ist eine von vielen Figuren der japanischen Anime-Serie „Tokyo Ghul“. Dort ist auch das Hauptverwendungsgebiet des Namens zu finden. Insgesamt gibt es jedoch mittlerweile die folgenden Bereiche, in denen „Coodere“ relativ häufig anzutreffen ist:

• Mangas und Animes
• Social Media
• gesprochene Alltagssprache

Um einen umfassenderen Einblick in die Verwendung des Ausdrucks „Coodere“ zu gewähren, sollen die oben genannten Verwendungsbereiche in den nun folgenden Abschnitten noch weiter ausgeführt werden.

Mangas & Anime

„Coodere“ tritt vor allem in der japanischen Anime-Serie namens „Tokyo Ghul“ in Erscheinung. Darüber hinaus gibt es eine Vielzahl an Mangas, die „Tokyo Ghul“ auch als Printvariante zur Verfügung stellen. Darüber hinaus existiert von „Coodere“ und den weiteren Figuren aus „Tokyo Ghul“ eine breite Palette an Merch- und Fan-Artikeln, die mittlerweile in alle Welt verkauft werden. „Coodere“ findet sich hier auf Postern, als Stellfigur sowie als Schlüsselanhänger und als Popup wieder. Beliebt ist „Coodere“ dabei in Japan selbst, als auch in den übrigen Teilen der Welt.

Social Media

Ebenso beliebt ist „Coodere“ aber mittlerweile auch auf Social Media. Relativ häufig kommt dieser dort insbesondere auf TikTok sowie auf Instagram zum Einsatz. Bisweilen werden individuelle Videos gedreht, in denen die darin vorkommenden User, als „Coodere“ verkleidet, verschiedene Szenen nachstellen. Weiterhin wird der Begriff „Coodere“ in Video- sowie Bildtiteln und auch in Form von Hashtags verwendet. Durch diese Maßnahmen verbreiten sich Figur und Begriff stark viral im Netz.

Gesprochene Alltagssprache

Obwohl es sich bei „Coodere“ genau genommen nur um einen japanischen Namen handelt, so wird dessen Bedeutung auch in westlichen Kulturen immer bekannter. „Coodere“ gilt in der gesprochenen Alltagssprache daher mittlerweile als beliebter Spruch für „ich bin cool und alle stehen auf mich“. Auch kommt es in der gesprochenen Alltagssprache (zumindest unter eingefleischten Fans) häufig zu Konversationen, in denen „Coodere“ oder andere Figuren aus „Tokyo Ghul“ thematisiert werden.

Gesellschaftliche Einordnung von „Coodere“

„Coodere“ ist vor allem ein Phänomen unter jüngeren Generationen, wie beispielsweise der Generationen Z oder Alpha. Diese sind zwischen 10 und 25 Jahre alt und meist auf Social Media – vor allem auf Instagram oder TikTok – unterwegs. Entsprechend häufig kommen diese in Kontakt mit dem über „Coodere“ verbreiteten Content. Aber auch Anime- und Manga-Enthusiasten gehören zur Zielgruppe von „Coodere“ und verstehen die Hintergründe zu dieser Figur, beziehungsweise die Bedeutung des Begriffs. Ältere Zielgruppen kennen „Coodere“ für gewöhnlich nicht und verstehen den Hype um diese Figur, beziehungsweise die dazugehörige Serie, auch nicht wirklich.

Kritische Betrachtung des Ausdrucks „Coodere“

Als klassische Anime-Figur genießt „Coodere“ hierzulande einen gewissen Exotenstatus, der diesem vor allem unter Kritikern teilweise zum Verhängnis wird. Als viel zu abwegig, viel zu fremdartig und viel zu unsozial wird dieser von Kritikern häufig bemängelt. Er repräsentierte ein schlechtes Vorbild für die Gesellschaft, da dieser stets nur auf den eigenen Vorteil bedacht ist und sich wenig für seine Mitmenschen einsetzt. Auch scheint dieser sozial gehemmt und verkörpere den schlechten Wandel, in den die heutige Gesellschaft immer mehr hereindriften würde. „Coodere“ gilt zugleich als die aus „Tokyo Ghul“ am meisten kritisierte Figur.

Fazit zum Thema „Coodere“ und weitere Begrifflichkeiten

Zusammenfassend ist „Coodere“ eine kühl-distanzierte, rationale und zugleich recht beliebte Figur aus der japanischen Anime-Serie „Tokyo Ghul“, die für gewöhnlich ein weißes Hemd, eine rötlich-violette Krawatte sowie eine schwarze Anzugweste trägt. Die Figur ist männlich und gilt als cooler Stratege, der nicht zuletzt deswegen von Kritikern mitunter stark bemängelt wird.

Mit der Figur „Coodere“ aus „Tokyo Ghul“ können unter anderem auch die Figuren „Kuudere“ und „Yandere“ genannt werden. Auch bei diesen handelt es sich um fiktive Figuren dieser in Japan sowie in noch weiteren Teilen der Welt beliebten Anime-Serie.

Bei der Serie Malcolm mittendrin handelt es sich um eine Familiensendung, die zwischen 2000 und 2006 produziert wurde. Im Mittelpunkt steht das Familienleben einer US-amerikanischen Familie, die der unteren Mittelschicht angehört. Im Gegensatz dazu ist die Serie Breaking Bad alles andere als familienfreundlich. Der englische Begriff „breaking bad“ steht im Deutschen für „Wandlung zum Bösen“. Hier geht es um Gewalt, Drogen und Intrigen, wobei der Hauptdarsteller Bryan Cranston besonders überzeugt, der bereits eine Hauptrolle in der Serie Malcolm mittendrin hatte.

Ist es möglich, dass Malcolm – gespielt von Frankie Muniz – Walter White (Heisenberg) in Breaking Bad wird? Es scheint eine abwegige Theorie zu sein, doch die Breaking-Bad-Fantheorie hat sich im Internet unter Fans verbreitet. Ursprünglich hatten die Fans Hal im Visier, den Familienvater von Malcolm, der von Bryan Cranston gespielt wurde. Hal passte zu gut und erzeugt ein Zeitlinien-Problem, denn „Malcolm Mittendrin“ spielt vor Breaking Bad, nicht danach. Aber Malcolm könnte Walter White werden, denn er hat mehr Gemeinsamkeiten mit dem Schurken von Breaking Bad als Hal.

Es folgen weitere Erläuterungen, die aufzeigen, welche Gemeinsamkeiten es zwischen den Filmcharakteren gibt.

Hintergründe zum Leben von Malcolm

Malcolm stand im Mittelpunkt der Serie Malcolm mittendrin, die im Jahre 2006 zu Ende gegangen ist. In der Serie verkörpert der Schauspieler Frankie Muniz einen hochbegabten Jungen, der in einer armen Familie aufwächst, welche die untere Mittelschicht der USA darstellt. Er hat einen IQ von 165 und wird in eine spezielle Klasse für Hochbegabte gebracht. Dennoch gibt es einige Probleme, um sich mit der Intelligenz zu entfalten. Denn sein Bruder Rees, Dewey und er ahmen den chaotischen, ältesten Bruder Francis nach.

Bei Francis haben Schule und Beruf keine wichtige Priorität; er verbringt seine Zeit lieber auf Partys oder damit, anderen Menschen Streiche zu spielen. Die Eltern wissen nicht weiter und haben Francis auf die militärische Schule geschickt, doch der Einfluss von ihm auf seine kleinen Brüder ist damit nicht gänzlich abgebrochen. Malcolm ist in zweiten Welten gefangen; auf der einen Seite hat er eine überdurchschnittliche Auffassungsgabe und andererseits sorgen seine Brüder dafür, dass er sich auf unzählige Streiche einlässt.

Das Besondere an der Rolle von Malcolm ist, dass er die Filmsequenzen kommentiert. Dabei wendet er seinen Blick den Zuschauern zu und äußert seine Emotionen oder Einschätzungen zur jeweiligen Filmsequenz. Diese Möglichkeit, Kommentare abzugeben, war ausschließlich der Schauspielfigur Malcolm vorbehalten.

Darüber hinaus steht die Intelligenz Malcolm manchmal im Weg – nicht nur seine Brüder. Durch sein fotografisches Gedächtnis und seine Hochbegabung gibt es nur wenige Menschen, die ihn wirklich verstehen, außer seine Freunde, aus der Hochbegabtenklasse. In der Serie wurde Malcolm von seiner Freundin verlassen, als er das erste Mal das Wort „paradox“ gesagt habe. Malcolm selbst hat es schwer, die Meinung anderer zu akzeptieren, weil er seine Ansichten stets für die Richtigen hält.

Walter White – das kriminelle Leben eines Chemikers

Breaking Bad gehört zu den erfolgreichsten Serien aller Zeiten, sodass die Serie es ins Guinness-Buch der Rekorde geschafft hat. Abseits davon gab es zahlreiche Auszeichnungen für die US-Serie, die zwischen 2008 und 2013 gedreht wurde. Auch der Hauptdarsteller Bryan Cranston hat vier Emmys für seine schauspielerische Leistung bekommen. Er verkörpert in seiner Rolle den Chemiker Walter White, der auf Abwege gekommen ist. Walter White erkrankt im Laufe seines Lebens an Krebs, was seine Verbitterung steigert. Neben der Erkrankung verdient er nur mäßig Geld als Chemiker, was die Gesamtsituation für ihn und seine Familie verschlimmert.

Walter White ist verheiratet; seine Frau ist schwanger und sie haben einen weiteren, gemeinsamen Sohn im Alter von 15 Jahren, der an einer Nerven- und Muskelerkrankung leidet (Cerebralparese). Als Familienvater ist es dem Chemiker ein wichtiges Anliegen, für seine Familie zu sorgen – auch über den Tod hinaus. In dieser kritischen Lebensphase kommt er auf Abwege und entscheidet sich, sein Wissen für kriminelle Zwecke zu nutzen, um sicherzustellen, dass seine Familie gut versorgt bleibt, wenn er seiner Krankheit erliegen sollte.

Unter dem Untergrundnamen „Heisenberg“ baut sich der Chemiker mit seinem ehemaligen Schüler Jesse Bruce Pinkman ein Drogengeschäft auf. Walter White hat es geschafft, reines Crystal Meth herzustellen, das sich lukrativ am Drogenmarkt verkaufen lässt. Seine finanziellen Sorgen gehören hiermit der Vergangenheit an, doch es kommen neue Probleme, die sich aus der Arbeit im Drogenmilieu ergeben.

Parallelen zwischen Malcolm und Walter White

Fans haben sich eingehend mit den Filmfiguren auseinandergesetzt und sind zum Schluss gekommen, dass es etwaige Parallelen gibt. Hieraus schließen Fans, dass Malcolm Walter White im späteren Leben verkörpert. Unter anderem haben Malcolm und Walter White gemein, dass sie überdurchschnittlich intelligent sind. Dies ermöglicht es Ihnen, Menschen zu manipulieren, was vor allem Walter White gemacht hat.

Darüber hinaus sind beide Charaktere Opfer ihrer Intelligenz, denn sie schaffen einfach nicht den Durchbruch, ungeachtet der Begabung. Malcolm verliert den Anschluss, weil Außenstehende ihn nicht verstehen und seine Brüder erledigen den Rest. Der Chemiker Walter White ist ein Genie, doch er wurde um ein Patent betrogen, sodass der große Durchbruch ausblieb. Trotz seiner Begabung verdient er nur wenig Geld als Chemielehrer.

Doch ein Hauptargument, dass die These stützt, ist die Tatsache, dass beide Charaktere gut in Chemie sind. Denn auch Malcolm ist begeistert, wenn es um Chemie geht. Er nimmt mit Enthusiasmus an Schulexperimenten teil und dank seiner Begabung scheint es, dass er mal ein großer Chemiker wird oder eben nicht, wenn man den Lebenslauf von Walter White mit einbezieht. Es bleibt eine Frage offen: Wie lassen sich die unterschiedlichen Namen erklären? Unterstützer der Theorie behaupten, dass Walter der Zweitname von Malcolm ist. Der Opa von Malcolm heißt in der Serie Walter und so liegt es nahe, dass Malcolm eventuell Walter als Zweitnamen hat.

Fazit: Ist Malcolm Walter White?

Bisher gab es keine offiziellen Äußerungen vonseiten der Schauspieler oder Regisseure. Es gibt somit keine einschlägigen Beweise, die Fans vorlegen können. Deshalb bleibt es letztlich eine Theorie, dass Malcolm in Wirklichkeit Walter White ist. Lediglich ein Statement gab es, das von Bryan Cranston gemacht wurde. Es ging dabei um die Frage, ob Walter White in der Serie Breaking Bad überlebt hat und unter dem Namen Hal Wilkerson weiterlebt. Bryan Cranston erklärte Walter White offiziell für tot, sodass zumindest eine Breaking-Bad-Fantheorie widerlegt werden kann.

In einer vom Klimawandel und der Umweltzerstörung geprägten Realität sehnen sich viele Menschen nach einer Zukunftsvision, die von Hoffnung und Nachhaltigkeit geprägt ist. Ein „Solarpunk“ beschreibt daher ein Subgenre, welches nach positiver und nachhaltiger Veränderung im privaten und wirtschaftlichen Leben strebt. Das Hauptmotiv stellt die Innovation in umweltfreundlichen Technologien dar, die mit ästhetischen und futuristischen Vorstellungen kombiniert wird. Ähnlich wie beispielsweise der „Steampunk“ oder der „Dieselpunk“, so flüchtet der „Solarpunk“ in eine idealisierte Fantasiewelt, in der gezielte Narrative angenommen und gelebt werden.

Der „Solarpunk“ ist daher Teil einer ganzen Reihe von Subgenres, die innerhalb der vergangenen Jahre entstanden sind. Er stellt ein vergleichsweise unbekanntes Subgenre dar. Die Bedeutung von „Solarpunk“, dessen Herkunft sowie die Hauptansichten und Lebensweisen sollen daher in den nun folgenden Unterabschnitten einmal näher thematisiert werden. Außerdem sollen potenzielle Kritiken am „Solarpunk“ aufgezeigt werden.

Begriffsdefinition des Ausdrucks „Solarpunk“

Der Begriff „Solarpunk“ ist eine Kombination der Substantive „Solar“ und „Punk“ und repräsentiert eine Bewegung, die eine alternative Zukunftsvision propagiert. Der Begriff „Solar“ bezieht sich auf Solarenergie und erneuerbare Ressourcen, während „Punk“ für den Geist der Nonkonformität und des Aufbegehrens gegen etablierte Normen steht.

Ein „Solarpunk“ ist daher jemand, der für eine Welt einsteht, in der saubere Energie, Nachhaltigkeit und soziale Gerechtigkeit im Mittelpunkt stehen. Die Bewegung fordert die traditionellen Vorstellungen von Urbanität und Technologie heraus und strebt nach einer futuristischen, lebenswerten Gesellschaft, in der Gemeinschaftsgeist, grüne Architektur und umweltbewusstes Denken eine zentrale Rolle spielen.

Der „Solarpunk“ ist eine Manifestation des Wunsches nach einer hoffnungsvollen und nachhaltigen Zukunft und verbindet dabei die Realität erneuerbarer Energien mit einer kreativen, utopischen Vorstellungskraft.

Wortherkunft und gesellschaftliche Einordnung von „Solarpunk“

Während der Begriff „Punk“ bereits in den frühen 1960er-Jahren entstand und auf eine nonkonforme, damalige Jugendbewegung verweist, so sind die Begriffe „Solar“ und insbesondere „Solarpunk“ sehr viel jünger. „Solar“ entstand in etwa in den 1970er- und 1980er-Jahren mit dem Aufkommen von Solartechnologien, wie zum Beispiel Fotovoltaik. Der Ausdruck „Solarpunk“ entstand hingegen erst gegen Ende der 2010er-Jahre als Bezeichnung für eine neuartige Subkultur, die sich konzeptionell am Vorbild des „Steampunks“ orientiert, jedoch für sich eine völlig andere Sichtweise und abweichende Ideale vertritt.

Gesellschaftlich ist der „Solarpunk“ eher der jüngeren Generation zuzuordnen, wo dieser besonders häufig bei Mitgliedern von „Fridays for Future“ oder anderweitigen Umweltschutzvereinigungen anzutreffen ist. Ein „Solarpunk“ kann aber auch jemand sein, der sich aktiv für die Entwicklung und Verbesserung von nachhaltigen Technologien einsetzt.

Welche Sichtweisen und Ideale vertritt ein „Solarpunk“?

„Solarpunks“ pflegen in Bezug auf Ästhetik und Design und Technologien ganz eigene Sichtweisen, beziehungsweise Präferenzen. Gleichzeitig sind „Solarpunks“ von zu anderen Subgenres abweichenden historischen Einflüssen geprägt. Diese sollen in den nun folgenden Unterabschnitten einmal genauer erklärt werden.

Ästhetik & Design

Ästhetik und Design stellen im „Solarpunk“ eine harmonische Verschmelzung von Technologie, Gemeinschaft und Natur dar. Die Wertvorstellungen von „Solarpunks“ sind geprägt von visionären Ansichten in Bezug auf nachhaltige Materialien, einer hohen Biodiversität sowie von alternativen Lebensmodellen im Einklang mit der Natur. Vertikale Gärten, lokale Ressourcen, eine effiziente Kreislaufwirtschaft und innovative Technologien sind die Hauptmotive des „Solarpunks“ und werden als ästhetisch und erstrebenswert empfunden. Im Design dominieren außerdem lebendige und vielseitige Farbpaletten und insbesondere die Farben Weiß, Metallgrau, Siliziumblau und Grasgrün.

Technologien

Die vom „Solarpunk“ bevorzugten Technologien sind die Fotovoltaik sowie die Solarthermie zur Energie-, beziehungsweise Wärmegewinnung. Weiterhin liebt der „Solarpunk“ innovative Speichermedien, wie beispielsweise Wasserstoffzellen. Hinzukommen intelligente Netze und smarte Gebäudetechnologien, die das Leben insgesamt einfach und umweltfreundlicher machen. Auch energieeffizientere Beleuchtungssysteme und regenerative Landwirtschaftssysteme werden vom „Solarpunk“ idealisiert. Technologisch setzt sich der „Solarpunk“ also für eine umweltfreundlichere, sozialere und lebenswertere Zukunft ein.

Historische Einflüsse

Der „Solarpunk“ ist historisch von den Einflüssen der Nouveau Arts und dem Crafts Movement geprägt, die in der Mitte des 20. Jahrhunderts ihren Ursprung fanden. Bei diesem Subgenre wird allerdings viel weniger in Nostalgie geschwebt. Vielmehr glorifiziert der „Solarpunk“ die aktuelle Ära, in der nachhaltige Technologien ihren bisherigen Höhepunkt erreichen. Diesen Zeitgeist kombiniert der „Solarpunk“ geschickt mit zukünftigen Visionen. Im Ansatz integriert der „Solarpunk“ aber auch romantische Vorstellungen über Epochen, in denen es noch keine umweltverschmutzenden Technologien gab.

Welchen Lebensstil pflegt ein „Solarpunk“?

Der Lebensstil eines „Solarpunks“ zeichnet sich vor allem durch die folgenden Merkmale aus:

• Nachhaltigkeit (in Bezug auf Solarenergie, erneuerbare Energien, Einsparung natürlicher Ressourcen und Minimierung des Energieverbrauchs)
• Gemeinschaftssinn (in Bezug auf mehr Zusammenarbeit, mehr Fokus auf die Bedeutsamkeit der Gemeinschaft und auf ein friedliches Zusammenleben im Einklang mit der Natur)
• Grüne Mobilität (in Bezug auf umweltfreundliche Transportmittel, wie beispielsweise Fahrräder, öffentlicher Nahverkehr oder E-Autos)
• Kreativität (in Bezug auf die Erfindung nachhaltiger Produkte oder Technologien)
• Selbstversorgung (in Bezug auf den nachhaltigen Anbau eigener Lebensmittel)
• Urban Green (in Bezug auf grünere Innenstädte, Dachgärten und mehr Natur in urbanen Gebieten)

Kritiken am „Solarpunk“

Trotz der an sich positiven und nachhaltigen Visionen von „Solarpunks“ werden auch immer mehr Kritiker an dieser Bewegung laut. Die Hauptargumente der Gegner des „Solarpunks“ beziehen sich auf die Utopie der Vorstellungen von „Solarpunks“, die als weltfremd und wirtschaftsschädlich angesehen werden. Gleichzeitig wird der „Solarpunk“ als stark elitäre Bewegung angesehen, deren Mitglieder vorrangig „aus gutem Hause“ stammen und daher kostenintensive und alternative Lebensstile im Sinne des „Solarpunks“ pflegen könnten, unprivilegierte Mitmenschen jedoch nicht. Zu guter Letzt gibt es von Kritikern des „Solarpunks“ noch Bedenken, dass die durch dieses Subgenre propagierten Technologien sich als unzuverlässig und schlussendlich doch ineffektiv erweisen könnten und damit einen potenziellen Wohlstandsverlust bedeuten könnten.

Fazit zum Thema „Solarpunk“

Zusammenfassend lässt sich also sagen, dass der „Solarpunk“ ein Subgenre darstellt, der sich konzeptionell zwar eng am „Steampunk“ orientiert, seinerseits aber völlig andere Ansichten vertritt. Der Fokus liegt beim „Solarpunk“ auf der Glorifizierung und Förderung nachhaltiger Technologien sowie auf einem gemeinschaftlichen Zusammenleben in einer lebenswerten Welt. Ästhetik und Design des „Solarpunks“ beziehen sich auf heutige Technologien, kombiniert mit entweder stark futuristischen oder stark altertümlichen Elementen.

Neben dem Subgenre des „Solarpunks“ gibt es aktuell noch weitere „Subgenres“, wie zum Beispiel den bereits erwähnten „Steampunk“, aber auch den „Dieselpunk“. Weiterhin können im Zusammenspiel mit dem „Solarpunk“ auch noch die Begriffe „Cli-Fi“ (für: „Climate Fiction“) und „Urban Green“ genannt werden.

Beim „Dieselpunk“ handelt es sich um ein retrospektives Subgenre des „Steampunks“, welches sich innerhalb der vergangenen Jahre einer wachsenden Beliebtheit erfreut. Teils durch Science-Fiction, teils durch Retroromantik geprägt, beschreibt der „Dieselpunk“ eine Stilrichtung, die durch die Zeit zwischen 1930 und 1950 geprägt wurde. Der „Dieselpunk“ verschreibt sich daher der Ästhetik dieser Ära, setzt aber gleichzeitig auch auf Retrofuturismus. Damit ist der „Dieselpunk“ ganz klar inspiriert von den technologischen Fortschritten des 20. Jahrhunderts.

Da der „Dieselpunk“ ein vergleichsweises junges Konzept darstellt, soll dieser in den nun folgenden Unterabschnitten einmal detailliert erklärt werden. Dabei soll auf die Begriffsdefinition, Merkmale, Ideale sowie Inspirationen des „Dieselpunks“ eingegangen werden. Außerdem soll sich mit der Thematik, Kritik am „Dieselpunk“ auseinandergesetzt werden.

Begriffsdefinition von „Dieselpunk“

Der Begriff „Dieselpunk“ ist ein Kunstwort und setzt sich aus den beiden Substantiven „Diesel“ und „Punk“ zusammen. Das Wort „Diesel“ beschreibt einen Kraftstoff, während das Wort „Punk“ auf eine nicht-systemkonforme Person verweist, die alternative Ansichten vertritt. In Kombination ist ein „Dieselpunk“ also eine Person, die mit ihren Werten und Idealen für die Ära der Dieselkraftstoffe (zwischen 1930 und 1950 erfunden) steht.

Dem Wort „Punk“ wohnt eine gewisse Systemkritik inne. Denn ein „Punk“ widerstrebt oftmals den geltenden Normen und Werten einer Gesellschaft. In diesem Fall spricht sich der „Dieselpunk“ ganz konkret für die Normen, Werte und technologischen Umstände der Dieselära aus. Gleichzeitig bringt der „Dieselpunk“ noch eigene Vorstellungen und futurische Elemente in diesen Stil mit ein. Der „Dieselpunk“ kann daher der Science-Fiction zugeschrieben werden, da es sich um keine wirkliche Epoche handelt, sondern um eine fantasievolle Vorstellung einer Ära, die die Entdeckung des Dieselkraftstoffs und Dieselmotors mit bis dato noch nicht erfundene Technologien mischt.

Gleichzeitig behaart der „Dieselpunk“ auf der Vorstellung, dass seine Sicht von einer hervorragenden Welt im Sinne des „Dieselpunks“ von anderen Mitgliedern der Gesellschaft ebenfalls so übernommen werden sollte. Es wird quasi die Ära des Diesels romantisiert, wobei diese noch durch eigene Vorstellungen und Inspirationen ergänzt wird.

Wortherkunft und gesellschaftliche Einordnung von „Dieselpunk“

Die Wörter „Diesel“ und „Dieselpunk“ gehen auf die Erfindung des Dieselkraftstoffes gegen Ende des 19. Jahrhunderts zurück. Der Name leitet sich vom Familiennamen des Erfinders Rudolf Diesel ab. Diese entwickelten speziellen Dieselkraftstoffe, die sich von herkömmlichen Benzinkraftstoffen unterschieden. Aufgrund seiner höheren Effizienz und seiner bevorzugten Anwendung für drehmomentstarke Fahrzeuge und Maschinen erlangte die Erfindung des Diesels – speziell in den 1930er- bis 1950er-Jahren – schnelle eine große Anerkennung.

Der Begriff „Dieselpunk“ ist aber wesentlich jünger als der Ausdruck „Diesel“. Ersterer entstand in etwa gegen Ende der 2010er-Jahre und etablierte sich seitdem als neue Stilrichtung, die sich insgesamt am „Steampunk“ orientiert. Der „Dieselpunk“ bildet damit ein Subgenre, welches sich thematisch vom „Steampunk“ ableitet, bei dem der Dampfmotor das Hauptmotiv darstellt.

Neben den rein technischen Errungenschaften vereint der „Dieselpunk“ vor allem auch die Ästhetik und das Design der Zeit vor dem Zweiten Weltkrieg, währenddessen und direkt nach dem Zweiten Weltkrieg.

Welche Sichtweisen und Ideale vertritt ein „Dieselpunk“?

Anhänger des „Dieselpunks“ haben ganz eigene Vorstellungen von Ästhetik und Design, idealen Technologien, die ihrerseits historischen Einflüssen unterliegen. Die nun folgenden Unterabschnitte sollen daher einmal dazu dienen, die wesentlichen Merkmale und Einflüsse des „Dieselpunks“ aufzuzeigen.

Ästhetik & Design

Die Ästhetik und das Design des „Dieselpunks“ orientieren sich stark an der Zeit zwischen 1930 und 1950 und vermischen diese mit futuristischen und geometrischen Formen. So wird ein Brückenschlag zwischen Nostalgie und Zukunft geschaffen, die den „Dieselpunk“ zu einem fantasievollen Stil machen. Fahrzeuge, Maschinen und Architektur entsprechend in Ästhetik und Design der Zeit zwischen 1930 und 1950. In puncto Funktionalität sind diese jedoch teilweise mit futuristischen Komponenten ausgestattet. Bauhausstil, Industrie- und Nachkriegsästhetik bestimmen daher den „Dieselpunk“. Das Flair ist leicht düster, faszinierend und gleichzeitig alternativ.

Technologien

Technologien, wie beispielsweise der Dieselmotor, das Düsenflugzeug sowie die ersten elektronischen Haushaltsgeräte spielen im „Dieselpunk“ eine wesentliche Rolle. Es handelt sich dabei um Erfindungen, die in etwa in der Mitte des 20. Jahrhunderts gemacht worden sind. Diese werden in robusten Designs in Verbindung mit futuristischen Elementen dargeboten. Die von einem „Dieselpunk“ bevorzugten und idealisierten Technologien entspringen daher genau dieser Ära. Maschinenkraft und technologischer Fortschritt stellen damit die Kernmotive eines „Dieselpunks“ dar.

Historische Einflüsse

Der „Dieselpunk“ ist geprägt von den historischen Einflüssen des Zweiten Weltkriegs und der Nachkriegszeit, in der Mangel, eine düstere Perspektive und gleichzeitig technologischer Aufbruch vorherrschten. Die Spannungen und Unsicherheiten sowie die emotionslose Art und Weise, mit Problemen umzugehen (und diese zu Technologisieren und damit zu Entmenschlichen) spiegelt der „Dieselpunk“ perfekt wider. Gleichzeitig versucht dieser, eine dystopische und faszinierende Welt zu schaffen, die auch futurische Vorstellungen mit einbezieht.

Welchen Lebensstil pflegt ein „Dieselpunk“?

Der Lebensstil eines „Dieselpunks“ zeichnet sich durch die folgenden Ideale aus:

• Individualismus und Nonkonformismus (zum Beispiel in der Art der Kleidung oder Wahl der bevorzugten Technologien)
• Abneigung gegenüber Autoritäten
• Do It Yourself (da es auf dem Markt wenige Produkte im „Dieselpunk-Design“ gibt, versucht der „Dieselpunk“ oft, diese selbst anzufertigen)
• Glorifizierung der Erfindungen zwischen 1930 und 1950 (zum Beispiel des Dieselmotors)
• Kreativität, Interesse an Maschinenbau und Ingenieurswesen
• Faszination für die Vergangenheit (und gleichzeitige Inspiration für die Zukunft)

Kritiken an den Idealen von „Dieselpunks“

Obwohl es sich beim „Dieselpunk“ um ein Subgenre handelt, welches keine gesellschaftsgefährdenden Komponenten aufweist, wird dies mitunter heftig kritisiert. Das Festhalten an vergangenen Zeiten und die Tendenz, sich dem Fortschritt zu verwehren, sind die Hauptkritikpunkte am „Dieselpunk“. Kritiker bemängeln außerdem, dass die Technologien des „Dieselpunks“ (zum Beispiel Dieselmotoren oder Turbinen) bis heute teilweise schwerwiegenden Einfluss auf den Klimawandel haben. Auch die teilweise oberflächliche Ästhetik, die sozialen Ungerechtigkeiten dieser Ära und idealisierten Ansichten dieser Ära werden gern kritisiert.

Fazit zum Thema „Dieselpunk“

Unterm Strich stellt der „Dieselpunk“ ein faszinierendes Subgenre des „Steampunk“ dar, welches die Erfindungen, Ästhetik und Lebensweise der Zeit zwischen 1930 und 1950 glorifiziert. Der „Dieselpunk“ setzt aber nicht nur auf nostalgische Elemente, sondern kombiniert diese noch mit futuristischen Komponenten. Daher kann der „Dieselpunk“ auch als „Retrofuturismus“ bezeichnet werden.

Mit dem Begriff des „Dieselpunks“ sind zum Beispiel die Begrifflichkeiten „Atompunk“, „Cyberpunk“ oder „Raygun Gothic“ verwandt. Sie alle funktionieren nach dem gleichen Prinzip, wie der „Dieselpunk“, beziehen sich aber auf andere Epochen, beziehungsweise Technologien.

„The Muffin Man“ ist ein älteres englisches Kinderlied, dass im 19. Jahrhundert erstmalig aufgezeichnet wurde.

Durch eine Szene im Film Shrek (2001) wurde der Muffin Man weltweit bekannter. Ab Mitte des Jahres 2021 wurde der Muffin Man als Meme bekannter und verbreitete sich unter anderem auf TikTok.

Adam Lamberts Performance des Liedes „The Muffin Man“ im Stile von Cher in der „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ im April 2023 machte das Lied „The Muffin Man“ weltweit bekannt. Ab Mai 2023 ging die Performance von Adam Lambert in den sozialen Medien viral.

Wer ist „The Muffin Man“? Shrek, Erklärung, Bedeutung, Info

Die Lyrics vom Kinderlied „The Muffin Man“ lauten wie folgt:

Do you know the muffin man,
The muffin man, the muffin man.
Do you know the muffin man,
Who lives on Drury Lane?

Auf deutsch:

Kennst du den Muffin-Mann?
Den Muffin-Mann, den Muffin-Mann.
Kennst du den Muffin-Mann,
der in der Drury Lane wohnt?

Drury Lane ist eine Straße in der Innenstadt von London. Sie befindet sich im Stadtteil Covent Garden. Die Straße wurde nach Sir William Drury (1527–1579) benannt.

Wer könnte der Muffin Man gewesen sein? Ursprung, Geschichte

Es ist nicht mehr genau erklärbar, wer der Muffin Man gewesen sein könnte. Es könnte sein, dass der Muffin Man ein Lieferant war, der Backwaren auslieferte oder dass der Muffin Man ein Bäcker war, der Backwaren backte. Auch könnte der Muffin Man einfach nur ein freundlicher Nachbar gewesen sein, der Muffins an die Nachbarschaft verteilte.

Im viktorianischen Zeitalter (1837 bis 1901) in England war es üblich, dass frische Lebensmittel nach Hause geliefert wurden. Daher könnte der Muffin Man eben der Muffin-Lieferant sein.

Hinweis: Mit modernen Muffins, die kleine runde süße Gebäckstücke sind, sollte die Muffins des Muffin Man nicht verwechselt werden. Hier sind englische Muffins gemeint, also kleine runde Fladenbrote.

The Muffin Man: Shrek (2001)

Im Film Shrek ist der Muffin Man der Erschaffer und „Vater“ vom Lebkuchenmann (Gingerbread Man).

In einer Szene im ersten Teil von Shrek hat Lord Farquaad den Lebkuchenmann (Gingerbread Man) gefangen, foltert und verhört ihn.

Lord Farquaad möchte vom gefangenen Lebkuchenmann wissen, wo die anderen Märchenfiguren sind und wer sie versteckt.

Im englisch-sprachigen Original verrät der Lebkuchenmann, wer die Märchenfiguren gefangen hält. Er fragt Lord Farquaad: „Do you know the muffin man?“ Das Gespräch verläuft wie folgt und wird immer intensiver:

Lord Farquaad: „The Muffin man.“

Lebkuchenmann: „The Muffin man.“

Lord Farquaad: Yes. I know the Muffin man. Who lives on Drury Lane?“

Lebkuchenmann: „Well, she is married to … the muffin man.“

Lord Farquaad: „The Muffin man.“

Lebkuchenmann: (schrill) „The Muffin man.“

Der schrille „The Muffin man“-Schrei entwickelte sich zum Meme.

Adam Lambert: The Muffin Man

Am 17. April 2023 war Adam Lambert zu Gast in der US-amerikanischen Talkshow “ The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“. Im Spiel „Wheel of Musical Impressions“ erhielt er die Aufgabe das Lied „The Muffin Man“ im Stil von Cher zu singen. Dies das tut er so gut, dass seine Performance später viral ging.

Bei „Reality Shifting“ handelt es sich um einen neuen Trend im Bereich der Bewusstseinserweiterung und Esoterik, bei dem das gegenwärtige Bewusstsein der momentanen Realität entzogen und in eine andere Realität verschoben werden soll. Auf diese Weise soll es Anwendern von „Reality Shifting“ ermöglicht werden, fiktive Welten zu erkunden und unbekannte Erlebnisse zu erfahren.

„Reality Shifting“ ist ein neuartiges Konzept, welches in Online-Communitys aktuell viral geht und immer mehr Anhänger findet. Es benötigt hierzu keine komplizierte Technik, da die Bewusstseinsveränderung auf der eigenen Vorstellungskraft basiert. Beim „Reality Shifting“ verschwimmen quasi die Grenzen der eigenen Realität und werden durch die eigene Fantasie erweitert, beziehungsweise verändert.

Vielen Menschen ist der Begriff „Reality Shifting“ aber noch immer unbekannt. Dieser soll im nun folgenden Artikel daher einmal voll umfassend erklärt werden. Dabei soll unter anderem auf die Entstehung, Arten und die Auswirkungen von „Reality Shifting“ eingegangen werden.

Was ist Reality Shifting? Bedeutung, Erklärung, Definition

Der Begriff „Reality Shifting“ setzt sich aus dem englischen Substantiv „reality“ (zu Deutsch: „Realität“ oder „echte/wahre Welt“) und dem englischen Verb „to shift“ (zu Deutsch: „wechseln“ oder „umwandeln“) zusammen. Kombiniert lässt sich „Reality Shifting“ daher in etwa mit „Realitätswechsel“ übersetzen.

„Reality Shifting“ beschreibt ein modernes Konzept der Bewusstseinserweiterung, welches auf Basis der eigenen Fantasie die Grenzen des eigenen Bewusstseins erweitern soll. Es handelt sich dabei jedoch um kein wissenschaftlich fundiert Konzept, sondern eher um einen Trendbegriff, der sich momentan rasend in Internetforen sowie auf Social Media verbreitet.

Das „Reality Shifting“ wird daher oftmals der Esoterik zugeschrieben und dient im Alltag als alternatives Element zum Meditieren oder zur bewussten Entspannung durch ebenfalls durch Social Media gehypte Techniken wie beispielsweise „ASMR“.

Ursprung und Entwicklung von „Reality Shifting“

Obwohl es sich beim „Reality Shifting“ um ein noch recht junges Trendkonzept handelt, so ist die Idee dahinter schon viel älter. Die Wurzeln von „Reality Shifting“ gehen daher vermutlich auf die spirituellen Praktiken von vor mehreren hundert Jahren zurück und wurden erst jetzt wiederentdeckt. In der jüngeren Geschichte erlaubten vor allem Bücher, Filme oder Videospiele, den eigenen Geist in immersive Welten zu versetzen und befriedigten damit das Interesse an Realitätsverschiebung.

Innerhalb der vergangenen Jahre kam es in Internetforen aber verstärkt zum Austausch über alternative Realitätsverschiebungen, die durch das eigene Bewusstsein selbst initiiert werden können. „Reality Shifting“ wurde so Stück für Stück zusammengetragen und mit esoterischen Elementen ausgeschmückt. Da die Entwicklung von „Reality Shifting“ ein dynamischer Prozess war, lässt sich kein genaues Datum festlegen, an dem das Konzept erfunden wurde.

Was verbirgt sich hinter dem Konzept „Reality Shifting“?

Das noch recht junge Konzept des „Reality Shiftings“ wirft bei Außenstehenden oft Fragen auf. Dabei handelt es sich im Grunde genommen um eine individuell initiierte Bewusstseinserweiterung, bei der das eigene Vorstellungsvermögen in eine andere Welt überführt wird. Bei dieser handelt es sich um eine Erweiterung der bestehenden Realität. Um darüber noch etwas mehr Klarheit zu verschaffen, sollen die nachstehenden Unterabschnitte mehr Informationen liefern.

Idee von „Reality Shifting“

Beim „Reality Shifting“ soll das eigene Bewusstsein die Grenzen der gegenwärtigen Realität überwinden. Die Idee basiert also auf der Annahme, dass die Realität nicht ausschließlich auf äußeren Einflüssen beruht, sondern auch durch innere Einflüsse gesteuert werden kann. Mithilfe von Vorstellungskraft und Bewusstsein soll die neue Realität geschaffen werden. Hierfür werden verschiedene Techniken eingesetzt:

• Visualisierung
• Meditation
• Affirmation

Dadurch kann das Bewusstsein in bislang nicht existente Welten eintauchen und die bestehende Realität erweitern. Zudem werden Neugierde und Fantasie angeregt, sich alternative Dimensionen auszudenken, die dann potenziell Realität werden können (insofern im realen Leben dann nach den Maßgaben der erweiterten Realität gelebt wird).

Arten von „Reality Shifting“

„Reality Shifting“ kann auf verschiedene Arten umgesetzt werden. Im Folgenden einmal die bekanntesten Varianten der Realitätsverschiebung:

• Fiktive Realitätsverschiebung (zum Beispiel via Szenario oder Scripting, bei denen sich in die Handlung von Büchern oder Filmen versetzt wird)
• Selbsterstellte Realitätsverschiebungen (hier flüchten Menschen im Schlaf oder via luzide Träume in eigene Traumwelten)
• Dimensionale Realitätsverschiebungen (religiöser Ansatz, bei dem an die Existenz alternativer Dimensionen geglaubt wird)

In jedem Fall handelt es sich bei den initiierten Szenarien, Skripten, Träumen sowie Glaubenssätzen an Realitätsverschiebungen, die der eigenen Vorstellungskraft entspringen.

Nutzen von „Reality Shifting“

Nutzer des „Reality Shiftings“ berichten vor allem von einem großen Zugewinn an Erfahrung. Gleichzeitig sorgt das Eintauchen in bislang fremde Welten für Perspektivwechsel. Darüber hinaus kann die Realitätsverschiebung als Mittel zur Unterhaltung, Inspiration und zur Steigerung des emotionalen Wohlbefindens eingesetzt werden. Auch zur Trauma- und Stressbewältigung kann und wird „Reality Shifting“ gern eingesetzt. Die Möglichkeit, vergangene Erlebnisse neu zu erleben oder alternative Realitäten zu schaffen, wirkt sich befreiend auf das eigene Selbstverständnis aus. Zu guter Letzt fördert die Realitätsverschiebung das persönliche Wachstum und die Erlangung von Selbsterkenntnis.

Kritiken am „Reality Shifting“

Obwohl es sich beim „Reality Shifting“ um ein vergleichsweise harmloses Konzept handelt, welches ohne äußere Einflüsse auskommt, gibt es eine Vielzahl an Kritikern. Bemängelt wird häufig, dass das „Reality Shifting“ eigentlich nur eine Form der introspektiven Imagination sei. Kritikern fehlt außerdem die wissenschaftliche Grundlage, auf der dieses Konzept beruht. Skeptiker äußern überdies Bedenken an den psychologischen Auswirkungen von „Reality Shifting“. Vor allem Menschen, die Schwierigkeiten haben, zwischen Realität und Imagination zu unterscheiden, würden durch die selbst initiierten Realitätsverschiebungen in die Irre geführt werden. Für viele stellt das „Reality Shifting“ zudem eine Art Fluchtverhalten aus dem eigenen Alltag und der individuellen Lebenssituation dar, ohne diese aktiv ändern zu wollen, beziehungsweise zu können.

Fazit zum Thema „Reality Shifting“

Zusammenfassend lässt sich also sagen, dass es sich beim „Reality Shifting“ um ein faszinierendes Phänomen der Bewusstseinserweiterung und Esoterik handelt, welches immer beliebter wird. Mit der Realitätsverschiebung kann die eigene Realität fiktiv erweitert werden, um dadurch neue Erfahrungen zu sammeln und dem Alltag entfliehen zu können. Gleichzeitig wirkt „Reality Shifting“ entspannend und fördert die persönliche Entwicklung.

Mit dem Konzept des „Reality Shiftings“ simd zum Beispiel die Konzepte „Lucid Dreaming“ oder „Virtual Reality“ verwandt. Während „Lucid Dreaming“ (zu Deutsch: „Klarträume“) sich auf realitätsnahe Träume bezieht, so beschreibt „Virtual Reality“ (zu Deutsch: „virtuelle Realität“) eine technische Möglichkeit, eine fiktive Realität zu projizieren und sich in dieser – ähnlich wie in einem Videospiel – bewegen zu können.

Im 2006 veröffentlichten Film „Idiocracy“, im deutschsprachigen Raum auch als „Idiokratie“ bekannt, tragen alle Charaktere Crocs-Schuhe. Das liegt daran, dass die Kostümdesignerin des Films nur ein begrenztes Budget für Schuhe zur Verfügung hatte.

Zum Zeitpunkt des Drehs im Jahr 2004 war die Firma Crocs noch ein unbekanntes Start-up, und die heute weltbekannten Schuhe dadurch extrem günstig. Außerdem war die Kostümdesignerin Debra McGuire davon überzeugt, dass Crocs aufgrund ihrer – in Debras Augen – albernen Optik in der Realität niemals wirklich populär werden würden. In der Welt von „Idiocracy“ hingegen, passten die Schuhe perfekt zur dargestellten Gesellschaft, die sich durch ihre Dummheit und den Verfall von Werten auszeichnete.

Ironischerweise hat sich die Einschätzung von Debra McGuire, dass Crocs aufgrund ihrer Optik in der Realität niemals populär werden würden, als falsch erwiesen. Denn Crocs sind im Laufe der Jahre zu einem weltweit bekannten und erfolgreichen Unternehmen herangewachsen. Die Schuhe, die ursprünglich aufgrund ihres geringen Preises und ihrer futuristisch anmutenden, aber albernen Optik ausgewählt wurden, erlangten tatsächlich große Popularität in der realen Welt.

Worum geht es in dem Film „Idiocracy“?

Die satirische Sci-Fi-Komödie „Idiocracy“ spielt in einer dystopischen Zukunft, in der die durchschnittliche Intelligenz der Menschen dramatisch gesunken ist. Joe und Rita, zwei Personen aus unserer Zeit, werden durch ein fehlgeschlagenes Experiment 500 Jahre in die Zukunft versetzt – und landen in dieser dystopischen Zukunft. In dieser neuen Welt sind sie im Vergleich zur restlichen Bevölkerung hochintelligent. Joe wird damit beauftragt, die drängendsten Probleme der Nation zu lösen. Gleichzeitig versuchen er und Rita, in dieser absurden, von Dummheit und Verantwortungslosigkeit geprägten Welt zurechtzukommen.

Welche Rolle spielen Crocs im Film?

Auch wenn Crocs als Schuhwerk in „Idiocracy“ hauptsächlich aufgrund des beschränkten Budgets und der persönlichen Einschätzung der Kostümdesignerin ausgewählt wurden, passen sie hervorragend in den Kontext des Films. In der dystopischen Zukunft von „Idiocracy“ haben sich die Menschen zu einem solchen Grad von Konsum und Bequemlichkeit abhängig gemacht, dass Aspekte wie Ästhetik, Funktionalität und Qualität kaum noch von Bedeutung sind. Somit kann die Präsenz von Crocs im Film als visueller Hinweis auf die gesellschaftlichen Veränderungen und den Verfall der Werte aufgefasst werden, die in dieser dystopischen Zukunft stattgefunden haben.

Sagt die Popularität von Crocs in der Realität etwas über unsere Gesellschaft aus?

Die Tatsache, dass Crocs entgegen der Annahme der Kostümdesignerin von „Idiocracy“ in der Realität so erfolgreich geworden sind, wirft die Frage auf, ob Aspekte der Gesellschaft im Film Parallelen zur Gesellschaft in der realen Welt aufweisen. Die Popularität von Crocs zeigt zum Beispiel, dass viele Menschen Komfort und Bequemlichkeit schätzen und bereit sind, dafür auf Ästhetik und Design zu verzichten. Ob dies als Kritik an der modernen Konsumgesellschaft verstanden werden kann oder lediglich ironische Verkettung von Zufällen darstellt, bleibt dem Zuschauer oder der Zuschauerin des Films überlassen.

Dennoch ist es interessant, dass Schuhmode – und Mode im allgemeinen – durchaus ein Indikator für gesellschaftliche Entwicklungen und Trends sein kann. In „Idiocracy“ kann man Crocs als Hinweis auf eine Gesellschaft interpretieren, die so viel Wert auf Bequemlichkeit und Konsum legt, dass Qualität oder Ästhetik komplett vernachlässigt werden. Auch in der realen Welt kann die Schuhmode ein Spiegelbild der gesellschaftlichen Vorlieben und Präferenzen sein, und Hinweise darauf geben, wie sich eine Gesellschaft im Laufe der Zeit entwickelt.

Grogu, der auch unter dem Namen „Baby Yoda“ bekannt ist, ist im ursprünglichen Sinne eine Figur der Star Wars-Trilogie, erlangte in den letzten Jahren aber auch umfassende Beliebtheit auf Social Media. Das kleine, gedrückt wirkende Wesen mit den spitzen Ohren erobert aktuell das Herz von Fans auf der ganzen Welt. Besonders gern wird Grogu momentan für die Erstellung von Memes verwendet, bei denen es sich um kleine Karikaturen handelt.

Doch, wo genau stammt die Figur „Grogu“ eigentlich her und was macht diese so besonders? Im nun folgenden Artikel sollen diese und weitere Fragen rund um das Thema „Wer ist Grogu“ einmal ausführlich beantwortet werden. Außerdem soll auf Verwendung der Figur Grogu im Social Media-Kontext eingegangen werden.

Wer ist Grogu genau? Bedeutung, Eigenschaften, Erklärung, Definition

„Grogu“ ist der Name einer fiktiven Figur aus dem Star Wars-Universum. Diese wurde erstmals im Rahmen von „The Mandalorian“ eingeführt. Es handelt sich bei „Grogu“ um ein kleines, grünes Wesen, welche gewisse Ähnlichkeiten zur Figur „Yoda“ aufweist. Jedoch weist „Grogu“ einige Unterschiede in puncto Optik und Persönlichkeit zu „Yoda“ auf.

Der Charakter „Grogu“ wird aufgrund seiner Größe oftmals auch als „The Child“ bezeichnet, da dieser wegen seines Aussehens häufig als „Baby Yoda“ betitelt wird. Seit der zweiten Staffel der Star Wars-Serie „The Mandalorian“ ist der Name „Grogu“ überhaupt erst bekannt. Mittlerweile zählt Grogu zu einem der beliebtesten Charaktere der Serie und schaffte innerhalb der vergangenen drei Jahre den Sprung auf Social Media, wo dieser dort als beliebte Grundlage zur Erstellung individueller Memes dient.

Bekanntheit und Beliebtheit der Figur Grogu

Die immense Bekanntheit und Beliebtheit verdankt die Figur „Grogu“ nicht zuletzt dem großen Hype auf Social Media, wo dieser zu einem Internet-Phänomen wurde. Die Beliebtheit selbst ist vermutlich auf seine liebenswerte Persönlichkeit und sein charmantes Aussehen zurückzuführen. Außerdem verfügt die Figur über unverwechselbare Eigenschaften, die für Außenstehende der Serie Star Wars „The Mandalorian“ aber oftmals schwer zu identifizieren sind.

Grogu vereint Unschuld, Neugierde und verschiedene Machtfähigkeiten in einem an sich recht kleinen und unscheinbaren Charakter, welche diesem eine enge Bindung zum eigentlichen Protagonisten von Star Wars verschafft. Der Charakter Grogu wirkt daher oft wie „ein Wolf im Schafspelz“ und setzt gekonnt auf ein gewisses Understatement, jedoch sollte dieser nie unterschätzt werden.

Woher stammt Grogu? Herkunft

Bevor „Grogu“ zum absoluten Social Media-Hype wurde, verdiente sich dieser bei Star Wars zunächst seine Sporen. Innerhalb der nun folgenden Unterabschnitte soll die Figur „Grogu“ und dessen genaue Herkunft einmal detaillierter aufgezeigt werden.

Hintergrundgeschichte und Herkunft

Bis heute ist die genaue Herkunft der Figur „Grogu“ in Star Wars nicht bekannt. In der Star Wars-Serie „The Mandalorian“ wurde jedoch angedeutet, dass „Grogu“ ein Kind derselben Spezies wie „Yoda“ ist. An sich hüllt sich Star Wars-Franchise hinsichtlich der Yoda-Spezies in Schweigen und hält diese geheimnisvoll. Insgesamt gibt es nur sehr wenige Vertreter dieser Spezies, weshalb auch die Herkunft von „Grogu“ vorerst ein Mysterium zu bleiben scheint.

Grogu: Fähigkeiten und Eigenschaften

„Grogu“ besitzt eine Fülle an Fähigkeiten und Eigenschaften, die diesen so beliebt bei seinen Fans machen. Diese sollen im Folgenden allesamt einmal aufgelistet werden:

• Machtheilung (Grogu kann andere Figuren in Star Wars heilen)
• Telekinese (Grogu kann Gegenstände mit seinen Gedanken bewegen und kontrollieren)
• Machtschutz (Grogu kann sich vor Angriffen schützen)
• Machtschlaf (Grogu kann andere Einschlafen lassen)
• Machtkommunikation (Grogu kann mit anderen kommunizieren, auch wenn diese das nicht wollen)
• Telepathie (Grogu kann mit anderen über deren Gedanken kommunizieren)

Darüber hinaus ist Grogu eher bescheiden, höflich und respektvoll, was diesen zu einer der beliebtesten Figuren von Star Wars macht.

Bedeutung von Grogu im Star Wars-Universum

Die Bedeutung der Figur „Grogu“ im Star Wars-Universum ist insgesamt sehr groß, da mit dieser eine neue Dimension zur Saga hinzugefügt wird. „The Mandalorian“ stellt diesbezüglich eine Serie mit Geschichten dar, die sich nicht ausschließlich auf die Hauptcharaktere beziehen. Mit „Grogu“ wurde ein Charakter initiiert, der gewisse Verbindungen zu „Yoda“ unterhält.

Die Erfindung von „Grogu“ zeigte außerdem, dass auch Nebencharaktere das Potenzial für große Beliebtheit haben. Fortan begann das Star Wars-Franchise, verstärkt auf innovative Ideen zu setzen. Gleichzeitig ist die Zukunft der Figur „Grogu“ in der Star Wars-Mythologie noch recht ungewiss.

Ist Grogu der Sohn von Yoda? Erklärung

Momentan ist unbekannt, ob Grogu tatsächlich der Sohn von Yoda ist. Zwar gibt es eine Vielzahl an Spekulationen, jedoch wurde den Fans der Serie diese Information vorerst nicht zur Verfügung gestellt. Die Spezies „Yoda“ ist an sich recht geheimnisvoll und es gibt in Star Wars nur sehr wenige, bekannte Vertreter. Yoda hatte jedoch selbst nie ein Kind. Somit ist die Theorie, dass Grogu ein Sohn von Yoda sein könnte, recht unwahrscheinlich.

Es wird vermutet, dass Grogu deshalb eine so gute Beziehung zu Yoda pflegt, weile beide zwei der letzten ihrer Spezies sind. Sämtliche Mitglieder der Spezies sind in den Star Wars gefallen, weshalb Yoda und Grogu die so ziemlich letzten Überlebenden darstellen. Die zukünftige Geschichte der Star Wars-Mythologie könnte die Unwissenheit in diesem Punkt jedoch noch beseitigen.

Ist Grogu Meister Yoda? Erklärung

Was man jedoch weiß, ist, dass Grogu definitiv nicht Meister Yoda ist. Zwar hat dieser eine gute Verbindung zu diesem, da beide der gleichen Spezies angehören, jedoch handelt es sich nicht um ein und dieselbe Figur. Yoda selbst galt als einer der mächtigsten Jedi-Meister und stellt eine legendäre Figur der Star Wars-Mythologie dar. Im Gegensatz dazu wird die Figur Grogu erstmals in der Star Wars-Serie „The Mandalorian“ vorgestellt.

„The Mandalorian“ spielt einige Jahrzehnte nach den Handlungen der Star Wars-Filme. Es ist daher recht unwahrscheinlich, dass der noch recht junge Grogu jemals auf Yoda getroffen ist, als die Hauptereignisse der Star Wars-Filme stattfanden.

Warum wird Grogu gejagt?

Innerhalb der Star Wars-Serie „The Mandalorian“ wird die Figur „Grogu“ gleich von mehreren Fraktionen gejagt – darunter Mitglieder des Imperiums und einige Kopfgeldjäger. Als Hauptgründe dafür könnten genannt werden, dass „Grogu“ einer seltenen Spezies mit extremen Machtfähigkeiten angehört und eigene Ziele anstrebt. Man möchte Grogu entsprechend für Experimente zur Machterforschung nutzen oder als wertvolles Objekt an ebensolche Institutionen verkaufen, die sich mit der Forschung an Grogu befassen. Fortan beschließt der Protagonist der Serie „The Mandalorian“ daher, Grogu zu beschützen, was zu vielen Abenteuern und Kämpfen führt.

Grogu in Verbindung mit Memes und Social Media

Nicht nur in Star Wars, sondern vor allem auch auf Social Media erlangte die Figur des „Grogu“ innerhalb der vergangenen Jahre eine umfassende Beliebt- und Bekanntheit. Dieser ging durch Memes und Kurzfilme viral, die auf Instagram und TikTok verbreitet wurden. Besonders beliebt ist die Verwendung von Grogu in Memes, die mit Partys, Schule, Studium, Freizeit oder Joballtag zutun haben. Grogu wird außerdem im Bereich Merchandising eingesetzt, indem dieser auf T-Shirts und Tassen gedruckt wird oder als Plüschfigur erhältlich ist. Dementsprechend groß ist der Kultfaktor um diese kleine, liebenswerte Figur aus Star Wars geworden.

Fazit zu „Grogu“

Zusammenfassend lässt sich also sagen, dass es sich bei „Grogu“ um einen wichtigen Charakter der Star Wars-Serie „The Mandalorian“ handelt, der aufgrund seiner niedlichen und unschuldig wirkenden Erscheinung zu großer Beliebtheit auf Social Media gelang. Dort wird dieser gern zur Erstellung individueller Memes und Kurzfilme eingesetzt, die dann viral gehen.

Neben Grogu gibt es in Stars noch ähnliche Figuren, mit denen er häufig verwechselt, beziehungsweise in falsche Verbindung gebracht wird. Darunter beispielsweise Yoda oder Yaddle. Grogu, Yoda und Yaddle gehören alle drei der seltenen und geheimnisvollen Spezies der Jedi an.

Headcanon ist ein Begriff, der bezüglich Medien wie Büchern, Fernsehserien, Filmen und Videospielen beschreibt, wenn Fans eigene Gedanken zu Charakteren, Geschichten und Handlungen haben, die nicht Teil des ursprünglichen Werkes sind. Headcanon ist ein Teil von Fanfiction und Fanon. Der Begriff setzt sich aus den englischen Worten „head“ für „Kopf“ und „canon“ für „Kanon“ zusammen. Er lässt sich demnach grob zu der deutschen Wortschöpfung „Kopfkanon“ übersetzen.

Was ist Headcanon? Unterschied zu Kanon, Abgrenzungen, Definitionen

Der Begriff Kanon wird im Deutschen für die offizielle Version einer fiktiven Geschichte oder eines erfundenen Universums verwendet. Zum Kanon gehören nur solche Informationen über das jeweilige Werk, welche vom originalen Autor stammen oder von diesem abgesegnet wurden.

Entstanden ist der Begriff Kanon in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Zunächst wurde er 1911 vom Kritiker und Schriftsteller Ronald Knox verwendet, um Werke rund um den fiktiven Detektiv Sherlock Holmes, die nicht vom originalen Autor Sir Arthur Conan Doyle stammten, vom Hauptwerk abzugrenzen. Die originalen Werke wurden von Knox als „Canon of Sherlock Holmes“ bezeichnet.

Nicht in allen Fällen ist es so einfach, den Kanon eines Werks zu bestimmen. So wurde beispielsweise der Film Star Wars ursprünglich von Regisseur George Lucas geschrieben. Mittlerweile besitzt jedoch die Produktionsfirma Disney alle Rechte am gesamten Star-Wars-Universum. Disney entscheidet heute darüber, welche im Star-Wars-Universum angesiedelten Medien zum Kanon gehören und welche nicht.

Was ist ein Headcanon? Was ist Fanfiction? Entstehung, Eigenschaften, Beispiel

Unter Fanfiction werden alle Werke zu einer fiktiven Geschichte oder einem erfundenen Universum gezählt, die nicht von Profis im Auftrag des ursprünglichen Autors oder des aktuellen Rechteinhabers, sondern von Fans im privaten Bereich verfasst oder hergestellt wurden. Bei klassischer Fanfiction handelt es sich meist um kurze oder längere, von Fans selbst verfasste Geschichten. Aber auch Fan-Filme und Zeichnungen können als Fanfiction angesehen werden.

Wenn solche Fanmedien Charakterisierungen von Figuren vornehmen, Handlungsstränge aufbauen oder Eigenschaften des fiktiven Universums beschreiben, die sich nicht aus dem ursprünglichen Werk entnehmen lassen, wird von Headcanon gesprochen. Zum Beispiel könnte sich eine Person vorstellen, dass Harry Potter Gefühle für Hermine Granger entwickelt hat, obwohl dies in den Büchern niemals gesagt wird.

Was ist Headcanon? Verbreitung, Fanon

Die ersten Verwendungen des Begriffs Headcanon für das beschriebene Konzept gingen mit der öffentlichen Verbreitung des Internets einher. Seit Mitte der 2000er-Jahre ist der Begriff im Bereich Fanfiction im Umlauf.

Wenn ein Headcanon nicht nur von einem Fan oder einer kleinen Gruppe von Fans geglaubt wird, sondern in einer größeren Fancommunity allgemein akzeptiert wird, wird dies als Fanon bezeichnet. Um zu Fanon zu werden, muss ein Headcanon sich ähnlich wie ein Meme im Internet verbreiten.

Was ist persönlicher Headcanon?

Headcanon wird heute nicht mehr nur für inoffizielle Medien verwendet, die Leser und Zuschauer haben. Headcanon wird gerade in Internetforen auch von einzelnen Fans als Begriff verwendet, wenn diese ein Headcanon zu einem Werk in ihrem eigenen Kopf haben, diese Gedanken aber für sich behalten. Dann befindet sich Headcanon nur im Kopf einer einzigen Person, die etwas selbst Erfundenes zu einer fiktiven Geschichte oder einem erfundenen Universum für sich glaubt.

Die Story von „The Last of Us Part 1“ ist eine düstere Utopie und spielt im Jahr 2033. Das Spiel wurde 2022 für die PlayStation 5 veröffentlicht. Aufgrund der umfangreichen, tiefgründigen Handlung kann es viele Stunden lang gespielt werden. Es gewinnt einen Großteil seiner Spannung dadurch, dass Spieler verschiedene knifflige Aufgaben lösen müssen, wenn sie weiterhin die Hauptfiguren begleiten möchten. Indem sie verschiedene Ebenen ausschalten, kommen sie nach und nach zum Ziel. Das Spiel ist beendet, wenn alle Gegner ausgeschaltet sind und die Mission von Ellie erfüllt ist.

Handlung von „The Last of Us Part 1“ (Story, Geschichte)

Die Handlung beginnt 20 Jahre, nachdem die Welt von einem gefährlichen Pilz heimgesucht wurde. Der Pilz befällt das Gehirn von allen Lebewesen, die mit ihm in Berührung kommen. Daraufhin verwandeln sich die Betroffenen in abstoßende Monster, die im Spiel Clicker genannt werden.

Die männliche Hauptfigur namens Joe hat die Aufgabe, das Mädchen Ellie nach Salt Lake City zu bringen, damit die Seuche gestoppt werden kann. Denn Ellie ist immun gegen den Pilz und könnte somit als Gegenmittel fungieren. Doch bevor sie diese Aufgabe erfüllen kann, müssen Joe und Ellie eine Reise quer durch die USA unternehmen. Sie muss zur Westküste gebracht werden, wo sich ein Forschungsinstitut befindet. Auf dem Weg lauern zahlreiche Gefahren.

Die Vorlage des Spiels „The Last of Us Part 1“ war im Erscheinungsjahr bereits neun Jahre alt. Die neue Version für die PlayStation 5 überzeugt mit deutlich verbesserten Grafiken. Besonders beeindruckend die Gesichtsanimationen, denn die Entwickler konnten 2022 innovative Motion-Capture-Techniken anwenden. Dadurch sieht das Spiel viel realistischer aus als die Originalversion. Auch das Gameplay erfuhr eine Verbesserung. Dank des jetzt eingebauten Dualsense-Controllers kann der Spielende den Druck in einer Kurve sogar an der eigenen Schulter spüren.

„The Last of Us Part 1“ als TV-Serie: Story, Geschichte

Seit Jahresbeginn 2023 zeigt der New Yorker Fernsehsender HBO „The Last of Us“ als TV-Serie. Ab dem 15. Januar 2023 waren die ersten Episoden in Großbritannien und den USA zu sehen. In Deutschland wird die TV-Serie von einem Sky-Sender und von WOW ausgestrahlt. Das erfolgreiche PS-Spiel sollte auch fürs Kino adaptiert werden, dieses Vorhaben hat man jedoch vorzeitig abgebrochen. Auch als TV-Serie ist das düstere Survival-Videospiel sehr überzeugend.

Joel bringt die 14-jährige Ellie aus der militärisch streng überwachten Quarantänezone zu einer Widerstandsgruppe am anderen Ende des Landes. Dabei müssen beide komplexe und schwierige Aufgaben bewältigen, sich beispielsweise gegen gewalttätige Plünderer und zombieähnliche Kreaturen wehren, die nach ihrem Leben trachten. Nach und nach werden die Zombies ausgeschaltet.

In Boston treffen sich die Joel und Ellie zum ersten Mal. Weitere Stationen sind Salt Lake City, Colorado und Jacksonville. Bis Joel Ellie kennenlernt, schlägt er sich als Schmuggler in einem Quarantänegebiet durch. Den Auftrag, Ellie zu einer Forschungsstation an der Westküste zu bringen, erhält Joel von Marlene. Dort soll ein Heilmittel gegen die Seuche Cordyceps entwickelt werden. Marlene ist die Anführerin der Widerstandsorganisation Fireflies und hat Ellie aufgezogen.

Die düstere Atmosphäre entsteht durch die sehr detailreich dargestellten, naturnahen Schauplätze. Es handelt sich um ausgestorbene, früher einmal besiedelte Gebiete, die nun von Pflanzen überwuchert werden. Die Natur hat sich ihren Raum zurückerobert. Hat sich den Raum zurückerobert. Im Laufe der Handlung baut sich eine Vater-Tochter-Beziehung zwischen den Hauptfiguren Joel und Ellie auf. Immer mehr Menschen, die Ellie nahstehen, fallen der Seuche zum Opfer und sie entwickelt Schuldgefühle.

Eine Gruppe Überlebender baut sich in einem alten Wasserkraftwerk in Wyoming ein neues Zuhause auf. Nach zahlreichen Überlebenskämpfen erkrankt Ellie und Joel bringt sie mit letzter Kraft in ein Krankenhaus in Colorado. Hier soll sie operiert werden. Um jedoch ein Gegenmittel zu erhalten, eröffnet ihm Marlene, dass Teile von Ellies Gehirn entfernt werden müssen. Das bedeutet Ellies Tod. Doch Joel möchte sie nicht zum Wohle der Menschheit opfern. Er befreit die bewusstlose Ellie und tötet Marlene sowie alle der Widerstandsgruppe, die sich ihm entgegenstellen.

Beim Vergleich von TV-Serie und PlayStation-Spiel muss jeder selbst entscheiden, welche Variante ihm besser gefällt. TV-Serie und Spiel ähneln sich in großen Teilen, doch viele verschiedene Spielvarianten und zusätzlich downloadbare Inhalte machen das Spiel extrem spannend und weniger vorhersehbar als die TV-Serie. Dagegen liegt die Serie von ihren Schauspielern, an deren Natürlichkeit ein Videospiel trotz aller Raffinesse nicht herankommt. Sie sind echte Identifikationsfiguren.

Bei „Gudetama“ handelt es sich um eine der ungewöhnlichsten und gleichzeitig faszinierendsten Figuren der japanischen Werbe- und Popkultur. Ganz konkret stellt „Gudetama“ ein gelbes Ei mit faulem und gelangweiltem Gesichtsausdruck dar. Dieses hat innerhalb der letzten Jahre die Herzen von Menschen auf der ganzen Welt quasi im Sturm erobert und gilt mittlerweile als beliebte Werbefigur innerhalb der japanischen Medien. Außerhalb dieser ist „Gudetama“ vor allem auf Social Media sowie zur Verwendung für Memes bekannt.

Das „Gudetama“-Eigelb tritt in den verschiedensten Formen in Erscheinung – als Comicfigur, als lustige Beilage in Restaurant-Gerichten und nicht zuletzt als Merchandise. Doch, was hat es mit „Gudetama“ genau auf sich? Und woher stammt diese schräge Figur genau? Darüber erfährt der Leser im nachstehenden Artikel nun alle wichtigen Informationen. Darüber hinaus soll „Gudetama“ auch gesellschaftlich eingeordnet, beziehungsweise kritische betrachtet werden.

Definition des Begriffs „Gudetama“

Der Name „Gudetama“ stammt aus der japanischen Sprache und setzt sich aus den beiden transliterierten Begriffen „tamago“ (zu Deutsch: „Ei“) und „gudegude“ (zu Deutsch: „unmotiviert“ oder „faul-faul“) zusammen. Kombiniert kann „Gudetama“ demnach mit „faules Ei“ (jedoch eher „unmotiviertes Ei“) übersetzt werden.

Gemeint ist damit die müßige Attitüde der „Gudetama“-Comicfigur, die in Form eines Spiegeleis daherkommt und an sich keine Lust hat, irgendetwas zu tun. Meist legt sich „Gudetama“ daher schlafen und verwendet andere Zutaten als Bettdecke (zum Beispiel Wraps). Darüber hinaus gibt „Gudetama“ oftmals lustige Sprüche zum Besten und will eigentlich gar nicht so recht in der Öffentlichkeit stehen.

„Gudetama“ steht damit im starken Kontrast zur japanischen Kultur, beziehungsweise zu den japanischen Werten. Die Figur gilt als faul, introvertiert und dennoch liebenswert. Sie ist Teil eines Socia-Media-Trends, der ursprünglich aus der japanischen Werbekultur entstand.

Woher stammt der Ausdruck „Gudetama“?

Die Figur „Gudetama“ stammt aus Japan und wurde ursprünglich von der Sanrio Company entwickelt (hierbei handelt es sich um ein japanisches Großhandelsunternehmen). Sanrio wurde vor allem für die Schaffung von „Hello Kitty“ berühmt und legte mit „Gudetama“ nun eine weitere, beliebte Werbefigur nach. „Gudetama“ selbst wurde bereits im Jahre 2013 eingeführt, jedoch keimte der Hype erst kürzlich auf Social Media auf.

Der grundlegende Charakter dieser Figur lässt sich wie folgt beschreiben: „Gudetama“ ist ein faules, lustloses Ei mit menschlichen Eigenschaften. Schnell hat sich diese zu einer Ikone der Popkultur entwickelt und seine minimalistische Darstellung und sein resignierter Ausdruck haben die Kreativität der Menschen angeregt. Mittlerweile wird die Figur für Animationen und für Merchandising verwendet – sie ist außerdem ein fester Bestandteil der japanischen Restaurantkultur.

Wo wird „Gudetama“ überall verwendet?

„Gudetama“ begegnet uns mittlerweile in vielen verschiedenen Lebensbereichen. Darunter stechen vor allem die folgenden Bereiche hervor:

• japanische Markenkultur & Merchandising
• Restaurantkultur
• Social Media

In den folgenden Unterabschnitten sollen die oben genannten Einsatzbereiche von „Gudetama“ nun noch genauer erklärt werden.

Japanische Markenkultur & Merchandising

„Gudetama“ hat bisweilen einen festen Platz in der japanischen Markenkultur eingenommen. Die Figur wurde zu einem Symbol für die Akzeptanz von Faulheit und Resignation und ihre Produkte sind in ganz Japan weit verbreitet.

„Gudetama“-Merchandising erstreckt sich über eine breite Palette von Produkten, angefangen bei Plüschtieren bis hin zu Schreibwaren und Kleidung. Markant sind die charakteristische Ei-Form von „Gudetama“ und der ansonsten recht gleichgültige Gesichtsausdruck. Sammler und Fans können sich mit „Gudetama“-Artikeln umgeben und die Verkaufszahlen sprechen für sich, da die Marke in den letzten Jahren erheblichen wirtschaftlichen Erfolg verzeichnet hat.

Restaurantkultur

Neben dem reinen Werbegeschäft hat „Gudetama“ nun auch die japanische Restaurantkultur erobert. Denn Restaurants und Cafés in Japan bieten Gerichte und Getränke an, die von der berühmten Ei-Form inspiriert sind und servieren sie auf kreative und unterhaltsame Art und Weise. Gleichzeitig erleben Gäste die „Gudetama“ in einer einzigartigen Atmosphäre – die Inneneinrichtung der Lokalitäten ist nämlich meist ebenso von „Gudetama“ inspiriert. Die gastronomischen Einflüsse haben die Marke „Gudetama“ weiterverbreitet und eine einzigartige Verbindung zwischen Essen und Unterhaltung geschaffen.

Social Media

Nicht zuletzt ist „Gudetama“ natürlich auch auf Social Media stark verbreitet. Hier begegnet man dem liebenswerten, faulen Ei oftmals auf den Plattformen Instagram, TikTok und Twitter. Meist wird „Gudetama“ zur Anfertigung von individuellen Memes verwendet. Gleichzeitig wird der Name aber auch in Video- sowie Bildunterschriften und auch in Form von Hashtags viral verbreitet. Die soziale Interaktion hat die Fangemeinde erweitert und dazu beigetragen, dass „Gudetama“ weiterhin ein faszinierendes Phänomen in der Welt der sozialen Medien bleibt. Die Figur verbindet Menschen auf der ganzen Welt, die ihre Begeisterung für die faule Ei-Form teilen.

Gesellschaftliche Einordnung von „Gudetama“

Gesellschaftlich kann die Figur „Gudetama“ vor allem jüngeren Generationen zugeordnet werden. In Japan selbst handelt es sich dabei meist um Schüler, Studenten oder junge Erwachsene im Berufsleben. Auf Social Media ist die Zielgruppe zwischen 10 und 40 Jahren zu verorten. Von älteren Personen wird die „Gudetama“-Figur zwar oftmals gekannt, jedoch wird weniger mit dieser sympathisiert. Gerade in der japanischen Kultur zählen Werte, wie beispielsweise Fleiß, Zurückhaltung und Tugendhaftigkeit. „Gudetama“ stellt hierzu ein krasser Gegensatz dar – nicht zuletzt deswegen wird die Figur mitunter stark kritisiert.

Kritiken zu „Gudetama“

Obwohl die Figur „Gudetama“ an sich recht harmlos und knuffig erscheint, so gilt diese vor allem in Japan als recht kontrovers. Kritiker äußern vor alle Bedenken gegenüber der Botschaft, die „Gudetama“ verbreitet. Einige sehen in „Gudetama“ nämlich eine Verherrlichung von Faulheit und Apathie, was als problematisch angesehen werden kann. Die Figur hat jedoch auch eine tiefere Ebene, die zur Reflexion über die heutige Gesellschaft anregt. Sie verkörpert oft die alltäglichen Gefühle von Überforderung und Erschöpfung, mit denen sich viele Menschen identifizieren können. „Gudetama“ polarisiert daher stark (was der Bekanntheit und Verbreitung ebenfalls zum Vorteil sein könnte).

Fazit zum Thema „Gudetama“ und ähnliche Begrifflichkeiten

Zusammenfassend kann „Gudetama“ als eine japanische Marken- und Comicfigur in Form eines gelben Spiegeleis beschrieben werden, welche über eine faule und lustlose Attitüde verfügt und mit der sich mittlerweile viele Menschen identifizieren können. „Gudetama“ tritt als Werbefigur in Restaurants und Cafés sowie auf Social Media in Erscheinung.

Neben „Gudetama“ gibt es noch weitere, bekannte Figuren aus der japanischen Pop- und Werbekultur, wie beispielsweise „Hello Kitty“ oder „Aggretsuko“. „Hello Kitty“ ist eine berühmte, mundlose Katzenfigur von Sanrio mit weltweitem Einfluss und einem niedlichen, zeitlosen Design. Hingegen stellt „Aggretsuko“ eine rote Panda-Figur dar, die ebenfalls von Sanrio kreiert wurde.

»The Addams Family« ist eine Monsterfamilie, die aus der Feder vom Karikaturisten Charles Addams stammt. In der neusten, auf der Streaming-Plattform Netflix verfügbaren Adaption von 2022 liegt der Fokus auf die Tochter Wednesday Addams. In einer Episode tanzt sie den »Wednesday Dance (Dance Dance with my hands hands)«, der seitdem auf TikTok zu einem Trend wurde.

Was ist der Wednesday Dance? Dance dance with my hands hands)

Die Serienfigur Wednesday Addams tanzt den Tanz in der vierten Episode der Netflix-Hitserie »Wednesday«. Die Serie handelt von der Tochter Wednesday aus der Addams-Familie. Dabei ist Jeanna Ortega für die schauspielerische Darstellung von Wednesday verantwortlich.

Jeanna Ortega hat zwischenzeitlich erklärt, dass ihr die Tanzchoreografie selber eingefallen ist. Die Inspiration dafür entstammt vordergründig dem in Tanzclubs praktizierten Goth-Dance der 1980er Jahre. In der Serie wird der Tanz zum Song »Goo Goo Much« von »The Cramps« getanzt. Inzwischen hat sich daraus ein Trend auf der Videoplattform TikTok etabliert.

Viraler TikTok-Trend – die Dance-Challenge zur Serie »Wednesday«

Für den Erfolg auf der Social-Media-Plattform TikTok wurde der Tanz mit einem anderen Lied hinterlegt. »Bloody Mary« von Lady Gaga dient hierbei als Hintergrundsound für die Choreografie. Im Gegensatz zum Originaltanz setzen die Nutzer hier auf eine schnellere Version, sodass eine entsprechend trendige, moderne Tanzversion entsteht.

Für den Tanztrend im Internet ist vor allem eine Szene aus der Episode mit dem Titel »Woe What a Night« verantwortlich. Die vierte Folge der Serie enthält die relevante Tanzszene von Jeanna Ortega in ihrer Rolle als Wednesday Addams. Bei dem besagten Auftritt tanzt sie bei einem sogenannten »Rave’n« zum Song.

In der Folge der Serie ist die Tanzszene geprägt von Wednesday, die mit ihrem Schwarm Tyler Galpin das Tanzevent besucht. Während sie den »Wednesday Dance (Dance Dance with my Hands Hands)« tanzt, sind ihre Bewegungen denen einer Leiche angemessen. Der TikTok-Trend fokussiert sich dementsprechend mit dem Song »Bloody Mary« von Lady Gaga auf die besondere und einzigartige Gestik ihrer Hände.

Wie wird der Wednesday Dance getanzt? Anleitung, Tutorial

Der »Wednesday Dance (Dance Dance with my Hands Hands)« wurde inzwischen von zahlreichen Nutzern der Videoplattform TikTok dargestellt und zu einer Tanz-Challenge hervorgehoben. Die Tanzschritte gestalten sich wie folgt:

1. Vorwärtsgehen und währenddessen die Arme nach hinten schwingen. Dabei bis vier zählen.
2. Sobald im Song Lady Gaga singt »with my hands«, ist der Zombie-Dance-Move dran.
3. Es wird erneut bis vier gezählt, dann hochgeschaut, sobald Lady Gaga singt: »above My Head, Head, Head«.
4. Zur Seite drehen und einen »monkey Dance move« aus den 1960er Jahren machen.
5. Zuletzt folgt ein Tanzschritt im Flamenco-Stil.

Die TikTok-Nutzerin Niana Guerrero hat inzwischen mit ihrer eigenen Performance mehr als 10 Millionen Likes auf der Plattform generiert. Neben ihr konzentrieren sich etliche Nutzer auf die spezielle Mimik von Wednesday in der Serie. Denn dort blinzelt sie im Verlauf des gesamten Tanzes kein einziges Mal.

Hintergrund zum Wednesday Dance – Anspielungen an Originalserie

Vergangene Augenblicke der Addams Family werden diskret gewürdigt. Insbesondere der Familienvater, gespielt von John Astin, erfährt durch den »Wednesday Dance (Dance dance with my hands hands)« eine respektvolle Ehrung. Gleiches gilt für die im Jahr 1964 tanzende Schauspielerin Lisa Loring in der Originalserie, die von einer abgetrennten Hand (»eiskaltes Händchen«) begleitet wird.

Die Serienmutter Morticia wird in dem Film »The Addams Family« von Angelica Huston gespielt. Der Film stammt ebenfalls vom Produzenten Tim Burton. Eine Gestik vom »Wednesday Dance« ähnelt einem Tanz besagter Morticia aus der Filmproduktion der 1990er Jahre.

Hintergrund zur Serie Wednesday – woher kommt der TikTok-Trend?

Die Streaming-Plattform Netflix bietet die Serienproduktion »Wednesday« an. Es handelt sich um eine neue Adaption der »Addams Family«, bei der die sadistische, jüngste Tochter Wednesday im Fokus steht. Sie besucht die Nevermore Academy und entdeckt des Weiteren ihre eigenen psychischen Kräfte. In der Serie versucht sie, mit deren Hilfe mysteriöse, durch Monster verursachte Mordfälle an der Schule zu lösen. Die Idee und das Drehbuch stammen von Miles Millar und Alfred Gough.

Die Serie ist dem Genre Mystery-Comedy beziehungsweise Comedy-Horror angehörig und wurde gemeinsam von Tim Burton und Netflix produziert. Tim Burton ist ein bekannter, erfolgreicher Regisseur und Produzent, der unter anderem durch Filmproduktionen, wie »Edward mit den Scherenhänden« oder »Charlie und die Schokoladenfabrik«, Ruhm erlangte. Er hat in den ersten vier Episoden der ersten Staffel Regie geführt. Außerdem ist er als ausführender Produzent (»Executive Producer«) aufgeführt.

Seit dem Debüt der US-amerikanischen Produktion am 23. November, hat die Serie »Wednesday« bereits über eine halbe Milliarde Haushalte erreicht. Die erste Staffel besteht aus acht Episoden mit jeweils 42 Minuten Spieldauer, wobei die zahlreichen Zuschauer den Rekord in einer Woche bewirkt haben. Der Höchstwert bezieht sich auf die Anzahl der gestreamten Stunden in puncto englischsprachigen TV-Serien. Demnach wurde die Produktion etwas mehr als 341 Millionen Stunden angesehen. Zudem erzielte sie innerhalb von 93 Ländern eine Platzierung in den Top-10-Rankings für Serienproduktionen.

Die russische Cnimationsserie „Mascha und der Bär“ (Маша и Медведь) gilt mit Stand 2022 als erfolgreichste Animationsserie der Online-Ära. Auf YouTube rangiert sie unter den Top 10 und auf dem ersten Rang der Nicht-Musik-Videos. Sie wird in mehr als 100 Länder im TV ausgestrahlt.

Worum geht es bei „Mascha und der Bär“? Handlung, Inhalt

Die bislang fünf Staffeln mit jeweils 26 Folgen (bis auf die kürzere Staffel 4 mit Maschas Liedern) handeln vom gutherzigen, manchmal etwas tollpatschigen Mädchen Mascha und dem harmonieliebenden vormaligen Zirkusbären. Beide Figuren haben auch Schwächen: Mascha ist manchmal nervig, der Bär manchmal reizbar.

Die Idee zur Serie des Autoren-Produzenten-Teams Andrei Dobrunow, Dmitri Loweiko und Oleg Kusowkow basiert auf einem russischen Volksmärchen. Es flossen auch private Erfahrungen mit Kindern ein. Die erste Begegnung der beiden Hauptprotagonisten führt gleich zu einem der typischen Konflikte zwischen ihnen, von denen die gesamte Serie lebt und die sie auch so beliebt machen:

Mascha entdeckt den Bärenhof, stellt ihn auf den Kopf und wird daher vom Bären verjagt. Doch diesen plagt mit Einbruch der Dunkelheit das schlechte Gewissen, er begibt sich auf die Suche nach Mascha. So geht es während der ersten Staffel fortlaufend weiter. Mascha kommt dem Bären in die Quere, der sie in gewisser Weise liebevoll und etwas streng erziehen muss. Dabei ist er durchaus auch impulsiv. Kinder verstehen das sehr gut als gesunde innerfamiliäre Konfliktbewältigung.

Figuren der Serie „Mascha und der Bär“

Eines der Erfolgsgeheimnisse von Mascha und der Bär ist die Besetzung mit vielen diversen Figuren, die untereinander differenzierte Beziehungen eingehen:

Mascha: Das kleine blonde Mädchen mit seinen großen grünen Augen trägt traditionelle russische Kleidung, ist typisch kindlich verspielt und außerdem eine Naschkatze. Bis auf wenige Gastrollen taucht in der Serie kaum eine andere menschliche, sprechende Figur auf. Die Sprecherinnen Alina Kukuschkina (Staffeln 1 und 2) sowie Warwara Saranzewa (ab Staffel 3) waren zu Beginn der Synchronisation jeweils acht Jahre alt.

Bär (Мишка, damit eigentlich „Bärchen“): Der frühere Zirkusbär im Ruhestand spricht nicht, versteht aber Maschas Sprache und kann sogar lesen. Er kommuniziert mit Gesten. Seine Rolle gegenüber Mascha ist zwischen liebendem, erziehenden Vater und großem, manchmal auch streitenden Bruder angelegt.

Bärin: Die Bärin ist vonseiten des Bären romantischen Avancen ausgesetzt, die sie durchaus interessant findet. Allerdings lässt sie ihn immer wieder abblitzen. Ihr Charakter wird leicht distanziert und arrogant als Pendant zum bodenständigen Auftreten des Bären dargestellt.

Kragenbär: Dieser tritt mit seinem schwarzen Fell und der V-förmigen Zeichnung als Nebenbuhler des Bären gegenüber der Bärin auf, die er allerdings auch nicht begeistern kann, weil er ein unbeliebter Macho und Muskelprotz ist. Mascha legt sich häufiger mit ihm an, die anderen Waldtiere gehen ihm aus dem Weg. Die Wölfe kuschen sogar vor ihm.

Wölfe: Die beiden Wölfe wohnen auf einem Hügel in einem ausgedienten Rettungsfahrzeug, sind ständig hungrig, fressen Insekten und versuchen hin und wieder erfolglos, auch Mascha und andere Waldtiere zu fressen. Darüber hinaus würden sie gern dem Bären seinen vollen Kühlschrank stehlen, was ihnen aber ebenfalls misslingt. Mascha schikaniert sie mit ihren Eskapaden, in deren Folge als Running Gag der Rettungswagen der Wölfe den Hügel hinunterrollt.

Hase: Dieser gute Freund des Bären spielt mit ihm häufiger Eishockey und arbeitet beim ihm im Garten, darüber hinaus stibitzt er ihm die Karotten und spottet über seine Vergangenheit als Zirkusartist.

Eichhörnchen: Auch die Eichhörnchen werden von Mascha geärgert. Dann werfen sie ihr Zapfen hinterher.

Igel: Typischerweise sammeln die Igel mit ihren Stacheln Gegenstände. Gegen Maschas Eskapaden sind sie größtenteils immun.

Maschas Hoftiere: Die Hühner, die Ziege, der Hund und das Schwein flüchten, wenn Mascha auftaucht. Das Schwein ist meistens zu langsam. Dann steckt es Mascha in einen Kinderwagen und schiebt es herum. Die Ziege, der Hund und das Schwein sind begabte Musiker, auch als Tänzer macht das Schwein eine gute Figur.

Bienen: Der Bär hält in seinem Garten Bienen, die auf Maschas Eskapaden extrem aggressiv reagieren.

Dascha: Diese Cousine von Mascha sieht ihr zum Verwechseln ähnlich, doch sie hat silberblondes Haare und blaue Augen. Sie wohnt in der Großstadt und ist viel ruhiger als Mascha.

Panda: Der entfernte Cousin des Bären ist der typische chinesische Pandabar. Weil der Bär sein Haus an der Bahnlinie Moskau-Peking gebaut hat, besucht ihn manchmal der Panda.

Tiger: Der ehemalige Zirkuskollege des Bären kommt gelegentlich auf Kurzbesuch und spielt mit dem Bären Schach. Auch schwelgen beide in Erinnerungen an den Zirkus.

Pinguin: Der Bär fand einst ein Piguinei, brütete es aus und zog das Findelkind dann auf. Jetzt lebt der Pinguin in der Antarktis. Im Winter besucht er manchmal den Bären.

Väterchen Frost: Der russische Weihnachtsmann wird als sehr alter, sehr kleiner Mann dargestellt (nur wenig größer als Mascha). Wie es seine Rolle vorsieht, verteilt er zu Neujahr (dem russischen Weihnachtsfest) die Geschenke an alle Waldbewohner. Seine Anreise unternimmt er auf der Bahnlinie mit einer Draisine.

Produktion und Ausstrahlung

Die Produktion begann wahrscheinlich 2010, die Erstausstrahlung auf Rossija 1 ab Ende 2012. In Deutschland erschien die erste Staffel auf KiKA ab November 2013. Auf YouTube sind die Folgen in vielen Sprachen zu sehen, selbstverständlich auch auf Deutsch. Die Produktionsfirma äußerte sich auch zu den Kosten pro Episode: Sie liegen umgerechnet bei rund 250.000 Euro. Zur Serie gibt es Merchandising und auf Deutsch beispielsweise ein Kindermagazin vom Egmont Ehapa Verlag. Mascha und der Bär erhielt den Kidscreen Award 2015 für die Animationen.

Gesellschaftliche Bedeutung in Russland: Mascha und der Bär

Während westliche Kinder die Serie einfach toll wie viele andere Serien finden, wird sie in Russland kontrovers und emotional diskutiert.

Konservative Kreise unterstellen ihr, dass sie auf russische Kinder wie eine „westliche Droge“ wirke, was auch schon ein Vorwurf gegen Pokémon und die Teletubbies gewesen war. Angeblich seien die Figuren schlechte Vorbilder für russische Kinder. Im Fokus steht dabei der spielerische, unangepasste Umgang von Mascha vor allem mit dem Bären, der doch eigentlich ihr Erzieher sein soll.

In Russland und anderen Nachfolgestaaten der Sowjetunion herrscht immer noch ein sehr rigides, autoritäres Erziehungssystem, das vor allem die Konservativen auch um keinen Preis aufgeben möchten. Ohne dieses System hätte Putin möglicherweise seinen Krieg nicht so einfach anzetteln können. Mascha hingegen wird niemals bestraft, sondern lernt aus ihren eigenen Fehlern. Das kann den Machthabern in Russland nicht gefallen.

„Ara ara“ ist ein japanischer Ausdruck und bedeutet „Oh mein Gott“. Es hat jedoch mehrere Variationen mit unterschiedlichen Bedeutungen. Die Bedeutung von „ara ara“ hängt vom Kontext der Verwendung ab. Die sechs primären Variationen von „ara ara“ sind die folgenden.

• Oh mein
• Oh mein Gott, es tut mir leid.
•  Oh mein Schatz, was hast du vor?
• Oh mein Gott, das ist süß.
•  Oh, das ist unhöflich oder hart.

Was bedeutet „Ara Ara“ im Anime? Bedeutung, Definition, Erklärung

„Ara Ara“ ist ein Begriff, der tatsächlich ein paar verschiedene Definitionen hat, darunter „oh my“, „oh no“ und „hmm“.

Es wird normalerweise von Frauen verwendet, um eine Art Überraschung oder Belustigung auszudrücken, manchmal als Reaktion auf einen Mann.

Der Ausdruck wird normalerweise auf verführerische und kokette Weise verwendet.

Beispiel

„Ara Ara (oh mein Gott), das habe ich nicht erwartet. Sind Sie sicher, dass wir dieses Problem umgehen können?“

„Ara ara (Oh mein Gott, es tut mir leid). Ich hatte keine Ahnung, dass das passieren würde. Wenn ich es zurücknehmen könnte, würde ich das auf jeden Fall tun.“

„Ara-Ara. (romantisch) du bist so süß und ich möchte, dass du mich nach Hause bringst.“

„Ara-Ara. (Oh mein Liebling, was hast du vor) Ich möchte wissen, ob du für ein paar Stunden vorbeikommen und mit mir abhängen möchtest. Was sagst du?“

„Ara-Ara. (Oh mein Gott, ist das süß). Schau dir diesen kleinen Mops an, der mit seinem Ball spielt. Er ist einfach zu liebenswert. Ich will einen wie ihn.“

„Ara ara, (oh, möge das unhöflich oder hart sein). Wie konntest du mir das auch sagen. Ich kann nicht glauben, dass du das über mich denkst, und ich bin kurz davor, in Tränen auszubrechen.“

Wortherkunft von „Ara Ara“

Der Ausdruck „ara ara“ stammt aus der japanischen Sprache. Je nach Kontext des Gesprächs gibt es mehrere Variationen des Sprichworts. Miyako, ein Ableger der Ryukyuan-Sprachen, hat über eine Million Sprecher und ist ein großer Teil des japanischen Erbes. Diese Form der japanischen Sprache stammt aus der südlichen Region Japans auf den Okinawa-Inseln.

Ara wurde zu einer Interjektion in Miyako und kann verdoppelt werden, um „ara ara“ zu bilden, was ein starkes Gefühl der Neugier und Überraschung bei einem Ereignis oder Ereignis bedeutet. Es hat auch eine kokette oder neckende Konnotation, daher die romatische expliziten Variationen des Sprichworts.

Im Japanischen erscheint die Interjektion mit folgender Schreibweise und Aussprache.

Sind-sind (あれあれ).
Arere (あれれ).
Arya-arya (ありゃありゃ).

Sprachexperten glauben, dass sich der Ausdruck nach 2010 in englischsprachigen Gemeinschaften verbreitete, mit der steigenden Popularität von Gaming- und Manga- oder Anime-Foren und -Websites. Es gibt Dutzende von Videos von E-Girls, die den Satz online zu ihren Legionen von Fans sagen.

Wie Menschen Ara Ara falsch sagen können

„Ara ara“ ist ein vielfältiger Ausdruck mit vielen verschiedenen Interpretationen, je nach Kontext der Phrase im Gespräch. Es ist jedoch nur für den weiblichen Gebrauch geeignet. Männer verwenden den Begriff in Japan nicht, und Sie werden Schwierigkeiten haben, viele Beispiele von Männern zu finden, die den Ausdruck in den Medien oder in sozialen Medien verwenden.

Akzeptable Möglichkeiten, Ara Ara zu formulieren

Sie können „Ara ara“ verwenden, wenn Sie ein Mädchen oder eine Frau sind. Es ist kein Wort, das von Jungen oder Männern auf Japanisch gesprochen wird. Ara ara hat mindestens sechs Variationen, und sie sind alle sehr unterschiedlich. Während die Schreibweise in allen Variationen gleich bleibt, unterscheidet sich die Aussprache.

Die Art und Weise, wie Sie „ara ara“ sagen, bestimmt die Bedeutung hinter dem Ausdruck. Es kann alles bedeuten, von einer überraschenden Reaktion bis hin zu einem expliziten Stöhnen. Seien Sie vorsichtig, wenn Sie den Begriff online verwenden, und die meisten Leute werden davon ausgehen, dass Sie die romantische Variante verwenden.

Es ist üblich, virale Videos dieses Ausdrucks in Social-Media-Apps wie Tik Tok zu sehen. Es ist auch ein beliebtes Wort in Message Boards und Streaming-Chats und Features in romantisch-expliziten Online-Memes.

„A Ram Sam Sam (A rum sum sum)“ ist ein beliebtes marokkanisches Kinderlied und -spiel, das weltweit an Popularität gewann, andere Varianten wurden verwendet wie „Aram“ anstelle von „A Ram“ und „Zam Zam“ anstelle von “ Sam-Sam“.

Was bedeutet „Aram Sam Sam“? Bedeutung, Definition, Erklärung

Ursprünglich ein marokkanisches Lied, ist „A Ram Sam Sam“ heute ein sehr beliebtes Kinderlied auf der ganzen Welt. Seine ursprünglichen Texte wurden oft modifiziert. Meistens wird es als Aktionslied aufgeführt, bei dem Kinder während des Textes bestimmte Aktionen ausführen müssen.

A Ram Sam Sam (Marokkanische Musik für Kinder)

Wussten Sie, dass das Lied „A Ram Sam Sam“ aus Marokko stammt? Da wir im Laufe der Zeit den Kontext für so viele Songs verloren haben, denken Sie wahrscheinlich an „A Ram Sam Sam“ als eine alberne, unsinnige Wortmelodie, die kleine flauschige Kreaturen gerne singen. Sogar im Musikunterricht arbeiten wir sehr hart daran, Musik aus der ganzen Welt einzubeziehen, haben aber selten Zeit im Unterricht, um darauf hinzuweisen, woher jedes Lied stammt.

„A Ram Sam Sam“ ist ein traditionelles Kinderlied aus Marokko. Während „a ram sam sam“ eigentlich nur Unsinnsworte SIND, haben die anderen Texte durchaus Bedeutung. „Guli“ bedeutet „sag es mir“ in Darija, dem marokkanischen Dialekt des Arabischen, der oft als seine eigene Sprache angesehen wird. „Rafiq“ bedeutet auf Arabisch Gefährte oder Freund.

Marokkanische Musik

Die marokkanische Musiktradition ist unglaublich reich und vielfältig, genau wie ihre Menschen. Die älteste marokkanische Musik stammt von ihren Ureinwohnern Amazigh (oder Berber). Die Berbermusik hat eine starke, sich ständig weiterentwickelnde mündliche Volkstradition, die sich auf Gesang und Poesie konzentriert.

Verwendung in der Popkultur von Aram Sam Sam

Die Spinners haben eine Version des Songs auf ihrem Album Folk at the Phil von 1964 unter dem Titel „Aram Sa-sa“ aufgenommen.

Rolf Harris nahm das Lied 1971 für Columbia Records mit The Mike Sammes Singers auf. Diese Version enthält zusätzliche Texte und ein unverwechselbares Arrangement mit Hintergrundgesang.

Soundproduzent Levon Atayan war einer der ersten Remixer, der im Januar 2009 „Aram Zam Zam“ (Pop Mix) remixte und benannte. In einigen Internetportalen heißt der Song „Zam Zam“. Diese Version wird von vielen Kindermusik- und Tanzgruppen verwendet.

Diskoteka Avariya, eine bekannte russische Band, verwendete das Lied 2009 in ihrer Komposition „Modnyi Tanets Aram Zam Zam“ (auf Russisch „Модный танец Арам Зам Зам“, englischer Titel „A Ram Sam Sam: The Trendy Dance“).

Donikkl und die Weißwürschtl nahmen eine deutsche Version von „Aram Sam Sam“ auf, die 2009 in die deutschen Charts einstieg.

Gracey veröffentlichte 2011 eine niederländischsprachige Version, die in den Niederlanden Platz 75 der Single-Charts erreichte.

Lorenz Büffel hat für seine Doppel-CD Après Ski Hits 2011 eine Version mit dem Titel „Aramsamsam“ aufgenommen.

Tom Tom Club verwendete einen Teil des „A Ram Sam Sam“-Textes in ihrem Song „Wordy Rappinghood“. Dieser Song ist auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum von 1981 zu finden.

Chicks on Speed nahmen eine Coverversion des Songs „Wordy Rappinghood“ auf ihrem Album 99 Cents aus dem Jahr 2003 auf.

Uffie hat in Zusammenarbeit mit DJ Mehdi auch eine Coverversion von „Wordy Rappinghood“ aufgenommen.

Tl;dr: „Ameno“ ist ein Lied von Era. Es erschien 1996.

Die Worte „ameno dori me“ und „Latire, latiremo“ sind pseudolateinische Ausdrücke, die keine Bedeutung haben. Es sind Phantasieworte ohne Sinn, die aber nach Kirchenmusik klingen. Es aber nicht sind. Eine Übersetzung ist also nicht möglich!

Eine kurze Entstehungsgeschichte des Liedes „Ameno dori me“

Nach der Veröffentlichung des Debütalbums von Enigma, MCMXC a.D., im Jahr 1990 kam es in Mode, Choräle in Arrangements von Kompositionen zu verwenden. Eine der bekanntesten Gruppen, die dieser Formel folgen, ist das französische Projekt „ERA“. Man kann der Gruppe jedoch nicht vorwerfen, sekundär oder epigonal zu sein. Sie ist eines der hellsten Blitze des New-Age-Genres, ein Beispiel für das tiefe Eindringen der mittelalterlichen Ästhetik in die ursprüngliche musikalische und künstlerische Welt der Künstler. Der Weg der Band zu den Zuhörern wurde jedoch durch die Komposition „Ameno“ markiert.

Schon früh interessierte sich Eric Levi für die Geschichte der mittelalterlichen religiösen Bewegung der Katharer, die im 12. und 13. Jahrhundert in Westeuropa blühte. Die Bewegung, die das neo-manichäische dualistische Konzept von zwei gleichwertigen Prinzipien des Universums, dem Guten und dem Bösen, vertrat, wurde von Papst Innozenz III. zur gefährlichen Häresie erklärt. So gefährlich, dass der Pontifex zum ersten Mal einen Kreuzzug gegen Christen genehmigte. Diese Leidenschaft für die Katharer manifestiert sich auch in den Kompositionen der Band ERA, die der französische Multiinstrumentalist 1997 gegründet hat.

Es stimmt, dass nicht alle von der ERA geschaffenen Kompositionen eine eindeutige Interpretation haben. Das Lied „Ameno“ hat viele Legenden geschaffen. Die Zuhörer „ringen“ oft mit den Texten und versuchen, sie mit Hilfe von Latein- und Esperanto-Wörterbüchern zu entziffern. Die Lyrik ist jedoch manichäischen Ursprungs und ahmt das Lateinische nur melodisch nach.

Der Unterschied zwischen Nachahmung und echter Sprache besteht darin, dass die Regeln der Grammatik nicht befolgt werden. Zum Beispiel klingt „Dori me“ ähnlich wie das lateinische „do-re-mi“. Im Quasi-Latein gibt es sogar einen speziellen Begriff für „Hundelatein“. Andererseits kann man, wenn man die lateinische Sprache und die üblichen Verfahren in den romanischen Sprachen kennt, Anklänge an die Albigenser und verwandte Gruppen erkennen. Nach Eric Levys eigener Aussage steht das Lied im Zusammenhang mit der Übernahme der Traditionen der Albigoi.

Obwohl Eric Levy oft als Nachfolger von Enigma bezeichnet wird, gibt es einen bedeutenden Unterschied zwischen den beiden Projekten – die Verwendung von Live-Gesang (statt Sampling) durch einen englischen Kirchenchor. Das Debütalbum, zu dem auch „Ameno“ gehört, wurde in zwei legendären Studios aufgenommen: Abbey Road in London (wo der Chor unter der Leitung von Guy Protheroe aufgenommen wurde, der zuvor mit Vangelis bei Conquering Paradise zusammengearbeitet hatte) und Peter Gabriels Real world Studios in der österreichischen Gemeinde Bach (wo die Instrumente aufgenommen wurden). Der Perkussionspart wird von Chester Thompson gespielt, der auch bei Genesis mitgewirkt hat. Eric Levy selbst ist für die Keyboards und Gitarren zuständig.

Die Komposition wurde im Juni 1996 als Single und als Teil eines Albums veröffentlicht. Das Publikum fühlte sich durch den manichäischen Inhalt des Liedes nicht gestört und es wurde in vielen Ländern ein echter Hit.

„Ameno“ war besonders in Frankreich, Belgien und Schweden beliebt. Das Lied inspirierte viele Menschen, die Provence und Norditalien zu besuchen. Viele Künstler haben zu verschiedenen Zeiten ihre Muse in den spektakulären Landschaften dieser Orte gesucht, und es sind diese, an die man oft denkt, wenn man „Ameno“ hört.

Worüber wird in dem Lied „Ameno, dori me“ gesungen? Inhalt, Lyrics, Übersetzung

Das vom französischen Komponisten und Multiinstrumentalisten Eric Levy gegründete Projekt #new-age Era setzt auf atmosphärische Synthesizer, Rockgitarren, eine mittelalterliche Ästhetik und Chorgesang in lateinischer Sprache, der an den gregorianischen Choral erinnert.

Der sofortige Welthit „Ameno“ wurde laut Eric Levy durch die tragische Geschichte der Katharer inspiriert, mittelalterliche katholische Ketzer, die von der offiziellen Kirche rücksichtslos ausgerottet wurden. Das Publikum staunte und stellte sich die erhabene Botschaft vor, die in diesen schönen lateinischen Worten verborgen war…

Doch als die Übersetzer sich an die Arbeit machten, den Text zu übersetzen, stellte sich heraus, dass „Ameno“ keinen Sinn ergab! Es waren nur pseudolateinische Wörter, die nichts mit der eigentlichen Sprache zu tun hatten. Einfach gesagt: Kauderwelsch und Nachahmung.

Auf der anderen Seite versucht der YouTube-Kanal Lyrics, dieses sprachliche Rätsel zu lösen. Es scheint, dass die Texte in „Pseudo-Okzitanisch gemischt mit Pseudo-Latein“ gesungen werden. Ähnlich wie die Sprache, die angeblich von den Katharern verwendet wurde. Und es stellt das Gebet eines Chors von Mönchen dar, die in Agonie sind und Gott um Hilfe bitten. Daraufhin befiehlt Gott ihnen, zu kämpfen und die Wahrheit zu verkünden.

Auf jeden Fall klingt der Song geheimnisvoll und göttlich! Der Erfolg des Liedes ist so groß, dass viele es immer noch ohne zu zögern singen und dabei die Stimmen der mittelalterlichen Mönche imitieren:

„Dorime interimo adapare dorime
Ameno ameno lantire lantiremo dorime
Ameno omenare imperavi ameno
Dimere dimere mantiro mantiremo ameno

Omenare imperavi emulari ameno
Omenare imperavi emulari“

Severus Snapes Patronus hat, wie bei allen anderen auch, die Erscheinungsform eines Tieres als Lichtgestalt. Es ist eine Hirschkuh und damit die gleiche wie die von Harry Potters Mutter Lily. Der Grund hierfür ist einfach, schön und auch etwas traurig. Severus hat Lily geliebt. Diese Liebe war so tiefgründig und aufrichtig, dass sein Schutztier die gleiche Form angenommen hat wie ihres.

Warum ist der Patronus von Snape eine Hirschkuh? (Harry Potter) Erklärung

Die Autorin der Buchreihe Joanne K. Rowling hat jedem Zauberer und jeder Zauberin, die keine Todesser sind, eine individuelle Gestalt des Patronus zugeschrieben. Daher lässt sich bereits erahnen, dass sie die Tiere nicht willkürlich und die Hirschkuh nicht zufällig zwei Mal verteilt hat. Jedes Erscheinungsbild unterstreicht den Charakter der Figur, zu der es gehört. Im Fall von Severus Snape wird damit die innige Liebe zu Lily Potter auf besondere Weise betont und dargestellt.

Lily tritt in den Büchern und Filmen der Reihe nur in den Erinnerungen anderer Figuren, auf Fotos oder aber als geisterhafte Gestalt auf. Noch vor dem Beginn der Erzählungen wurde sie ermordet.

Die Verbindung zwischen Severus und Lily

Severus Snape und Lily Evans kannten sich bereits seit ihrer Kindheit. Noch bevor beide gemeinsam nach Hogwarts gingen, verband sie eine enge Freundschaft. Das änderte sich während der Schulzeit. Severus hatte es schwer, denn er wurde von den anderen Schülern gehänselt und hin und wieder wendeten sie fiese Zaubersprüche gegen ihn an. Häufig war James Potter die treibende Kraft dabei. Der Name lässt bereits erahnen, dass er der zukünftige Mann von Lily und Vater von Harry ist.

Bereits zu dieser Zeit entwickelte Severus Gefühle für das Mädchen, das lange seine beste Freundin war. Für ihn war das Wichtigste, dass es ihr gut geht. Daran ändert sich nichts, als sie sich im Laufe der Schulzeit in sehr unterschiedliche Richtungen entwickeln und Lily später mit James eine Familie gründet.

Seine Liebe erlischt auch nicht als die Frau, für die er so viel empfindet, ermordet wird. Seine Gefühle für sie bleiben ohne Einschränkungen bestehen, was auch daran zu erkennen ist, dass sein Patrouns noch Jahre nach ihrem Tod der Gleiche ist wie ihrer.

Ein Todesser mit einem Patronus? Eine Besonderheit

Ein Patronus ist ein sehr anspruchsvoller Schutzzauber, der, wenn überhaupt, erst mit viel Übung gelingt. Mit dem Zauberspruch „Expecto Patronum“ herbei gerufen, kann die erscheinende Lichtfigur Dementoren verjagen und damit Leben retten. Todesser müssen keinen Angriff eines Dementors oder Ähnliches fürchten, da sie ihre Verbündeten sind und nicht selten sogar mit ihnen gemeinsam kämpfen. Demzufolge brauchen sie keinen speziellen Schutz.

Sverus gehört eigentlich zu den Todessern und kann dennoch sein Schutztier herbeizaubern. Das ist eine weitere Besonderheit und auch sie hat mit Lily und seinen Empfindungen für sie zu tun. Die Liebe zu ihr ist der Lichtblick in seinem Leben. Allein hieraus scheint er all seine positiven Erinnerungen und Gedanken zu ziehen, die es braucht, um einen Patrouns-Zauber erfolgreich auszuführen. Hierdurch wird einmal mehr unterstrichen, wie stark seine Zuneigung zur Liebe seines Lebens ist.

Man merkt es in den Geschichten nicht immer, aber Lilys Sohn zu beschützen, ist für den Lehrer der Zaubertränke und später der dunklen Künste mindestens genauso wichtig, wie es ihr Wohlergehen war. Vermutlich hat er auch deshalb gelernt, diesen schwierigen Schutzzauber auszuführen.

Siehe:

• Was ist ein Potterhead?
• Ist Snape Harry Potters Vater?

Harry Potters Vater aus der gleichnamigen Buchserie von Joanne K. Rowling ist James Potter. Fans spekulieren dennoch seit langem, ob nicht Severus Snape der Vater von Harry Potter sein könnte. Während die Bücher die Vaterschaft eindeutig klären, lassen Filmszenen für manche Zuschauer Zweifel aufkommen.

James Potter: Leben (Harry Potter)

James Potter wurde am 27. März 1960 geboren und starb am 31. Oktober 1981. An Halloween 1981 wurde er zusammen mit seiner Frau Lily Potter von Voldemort ermordet. Er stammte aus einer reinblütigen, aber gegenüber Muggelstämmigen offenen Familie. Daher stand seiner späteren Heirat mit Lily Evansnichts im Wege.

Äußerliche Merkmale

Harrys Äußeres wird während der Bücher an verschiedenen Stellen in Bezug zu James gestellt: Er hat dieselben wilden, dunklen Haare wie sein Vater und eine ähnliche Statur. Dies ist in den Büchern einer der Beweise dafür, dass James Harrys wahrer Vater ist.

Sportliche Leistungen

James und Harry weisen als Vater und Sohn weitere Parallelen miteinander auf. So sind beide ausgezeichnete Quidditch-Spieler und Teil ihrer Hausmannschaften. Im ersten Film wird ein Sucherabzeichen mit James Namen im Pokalzimmer gezeigt. Auch wird beschrieben, wie er mit einem Schnatz spielt, während er Severus hänselt. In den Büchern wird jedoch nie explizit gesagt, welche Rolle Harrys Vater beim Quidditch einnahm. Den Schnatz hat er nach eigenen Worten gestohlen, also sagt dessen Besitz nicht unbedingt etwas über seine Spielerposition aus.

Erbgegenstände: James Potter

Im Laufe der sieben Bücher erhält Harry zahlreiche Erbstücke von seinem Vater. Der wohl Wichtigste ist sein Tarnumhang, der sich seit Generationen in der Familie befand. Er wird Harry durch Albus Dumbledore übergeben und ermöglicht es ihm, ungesehen die Schule zu passieren.

Der Umhang stellt sich später als eines der Heiligtümer des Todes heraus. Als solchem wird ihm die Fähigkeit nachgesagt, seinem Besitzer vor dem Tod zu schützen. Und tatsächlich waren weder James noch Harry im Besitz des Tarnumhangs, als sie starben: James hatte ihn verliehen und Harry legte ihn bewusst ab, um sich Voldemort von Angesicht zu Angesicht zu stellen. Dies bildet eine weitere Parallele und zeigt, dass James Potter Harrys wirklicher Vater ist.

Später bekommt Harry von Fred und George Weasley die Karte des Rumtreibers geschenkt. Diese Hogwartskarte wurde von den Rumtreibern James, Sirius, Remus und Peter verhext, sodass sie jeden zeigt, der sich auf dem Schlossgelände oder in den Geheimgängen der Schule befindet. Ebenfalls aus der Schulzeit seines Vaters stammt Harrys Zwei-Wege-Spiegel, mit dem James und Sirius sich während Nachsitz-Stunden miteinander unterhalten konnten.

James Potter: Patronus

James guter Freund Remus Lupin war ein Werwolf. Um ihm während der Verwandlung bei Vollmond beistehen zu können, wurde die Freundesgruppe zu Animagi. Sie konnten sich also willentlich in Tiere verwandeln. James tierische Form war ein Hirsch. Diese Form nimmt auch Harrys Patronus an, ein Zauber in Tiergestalt, der gegen dunkle Mächte abschirmen soll. Harrys Vater James wird in dieser Form zum Schutzgeist seines Sohnes.

Siehe: Was ist ein Potterhead? Was ist ein Muggel?

Severus Snape: Leben (Harry Potter)

Severus Snape wurde am 09. Januar 1960 geboren und wuchs ganz in der Nähe von Lily Evans auf. Die beiden freundeten sich an und Severus verliebte sich in das Mädchen. Auch, als sie zusammen nach Hogwarts gingen, blieben sie Freunde. Jedoch wurde Snape eifersüchtig, als Lily anfing, mit James Potter auszugehen. Dieser hatte ihn zuvor jahrelang schwer gemobbt. In seinem Zorn beleidigte er Lily als Schlammblut, was ihre Freundschaft für immer beendete. Snapes Gefühle für Lily blieben jedoch bis zu seinem Tod bestehen, was die Fan-Theorie entstehen ließ, dass Severus Harrys wahrer Vater sein könnte.

Äußerliche Merkmale

Snape hat wie Harry schwarze Haare Das ist jedoch die einzige optische Gemeinsamkeit zwischen ihm und Harry, und auch diese ist nicht aussagekräftig. Im Gegensatz zu Harrys wuscheligem Haar wird das von Severus als glatt und stets fettig beschrieben. Auch die Statur der beiden unterscheidet sich, ist Harry doch eher klein, während sein Zaubertranklehrer als groß und dünn beschrieben wird.

Lebensretter

Obwohl Severus Harry zu hassen scheint, rettet er ihm an mehreren Stellen das Leben. So wirkt Severus im ersten Buch der Reihe Quirinius Quirrell entgegen, als dieser Harrys Besen verhext, um ihn abstürzen zu lassen. Im dritten Teil rettet er Harry, Hermine und Ron vor Remus in Werwolfgestalt. Auch in den späteren Büchern hilft er den Helden immer wieder auf verdeckte Art und Weise und trägt so zu ihrem endgültigen Sieg bei. Diese Fürsorge könnte als Indiz dafür gelesen werden, dass Severus väterliche Gefühle für Harry hegt.

Snape: Patronus

Die Theorie, dass Snape Harrys Vater sei, entstand unter anderem durch die Ähnlichkeit ihrer Patroni. Harry beschwört einen Hirsch herauf, der scheinbar von Severus Hirschkuh komplementiert wird. Besonders Harry-Potter-Fans, die nur die Filme gesehen hatten, glaubten, dass es sich um dasselbe Tier handelte. Daraus entstand die Idee, dass Harry Snapes Sohn sein könnte.

Jedoch ist diese Ähnlichkeit auf Severus Gefühle für Lily zurückzuführen, deren Patronus ebenfalls eine Hirschkuh war. Ähnlich wie James wird Lily in Form eines Patronus zum Schutzgeist für ihren Sohn. Da Snape zum Instrument für diesen Schutz wurde, ist er verzweifelt, als er von Dumbledore erfährt, dass Harry trotz allem sterben muss, um Voldemort zu besiegen.

Lily Potter und Severus Snape

Lily Evans und Severus Snape lernten sich in ihrer Kindheit kennen, als der Junge dem Nachbarsmädchen mehr über die magische Welt erklärte. Beim gemeinsamen Schulbesuch waren sie zunächst befreundet, doch geriet Severus in einen schwarzmagisch und muggelfeindlich orientierten Freundeskreis. Mit 15 kündigte Lily die Freundschaft, nachdem Severus sie im Streit heftig beleidigte. Ihre Beziehung konnte nie wieder aufgebaut werden, doch Snapes Liebe für Lily blieb bestehen. Diese trieb ihn dazu, nach dem Tod der Potters als Doppelagent gegen Voldemort zu arbeiten und so sein Leben zu riskieren. Seine Liebe zu Lily ist laut Dumbledore das Beste an Severus, da sie ihn zu guten Taten inspirierte. Gleichzeitig rief sie aber auch Eifersucht und Hass in ihm hervor, als er Harry sah. Dieser war das Abbild von James, seinem Mobber und dem Mann, der seine Liebe „gestohlen“ hatte.

Spoilerwarnung für Strange Things Staffel 4!

Vecna ist der Antagonist aus der vierten Staffel der Erfolgsserie Stranger Things. Benannt ist er nach einem Charakter aus dem Pen & Paper „Dungeons and Dragons“, das in der Serie immer wieder eine große Rolle spielt.

Gespielt wird Vecna von Jamie Campbell Bower, der vielen als junger Grindelwald (Harry Potter und die Heiligtümer des Todes & Phantastische Tierwesen: Grindelwalds Verbrechen) sowie Caius (Twilight) bekannt ist.

Wer ist Vecna wirklich? Erklärung

Vecnas richtiger Name ist Henry Creel, Sohn des fälschlich des Mordes beschuldigten Victor Creel, der in einer geschlossenen psychiatrischen Anstalt untergebracht ist.

Henry entdeckt früh, dass er telepathische und telekinetische Kräfte besitzt und setzt diese ein, um seine Familie zu ermorden. Ihm haftet ein allgemeiner Hass auf andere Menschen an. Er wendet sich deshalb lieber den Spinnen zu und quält seine Mitmenschen.

Henry mordet mit grausamen Manipulationen, die seinen Opfern ihre schlimmsten Taten noch einmal erleben lassen. Die Morde bleiben natürlich nicht lange unentdeckt und schließlich wird Dr. Martin Brenner (Vater von Elf) auf ihn aufmerksam und bringt ihn ins Hawkins Labor, wo er zu Testobjekt 001 wird.

Brenner versucht Henrys Kräfte zu erforschen, kontrollieren und schließlich zu replizieren, was zur Entstehung der anderen Probanden – unter anderem Elf – führt.

Siehe: Wer ist Vecna?

Wie entstand Vecna? Stranger Things, Erklärung

Zu Vecna wird 001 erst nachdem er Elf kennenlernt. Er beschäftigt sich eingehend mit ihr, täuscht Hilfsbereitschaft und Mitgefühl vor und will ihr schließlich zur Flucht aus dem Labor verhelfen. Dabei manipuliert er sie geschickt, damit sie den Chip, der seine Kräfte kontrolliert, entfernt. Dies erlaubt es ihm, Rache an den Labormitarbeitern sowie den anderen Probanden zu nehmen.

001 tötet alle Kinder bis auf Elf, die versucht, ihn aufzuhalten. Es kommt zum Kampf und es gelingt ihr schließlich, ihn mit ihren eigenen Kräften gegen eine Wand zu schleudern. Dabei entsteht ein Riss, der das erste Tor in Hawkins zum Upside Down ist. 001 wird hindurch geschleudert und erlebt eine albtraumhafte Welt voller Blitze, die ihn in die bekannte Vecna-Form transformieren.

Welche Kräfte hat Vecna?

Im Upside Down kehrt Vecna in das Haus seiner Kindheit zurück und steuert von da aus seinen Fluch. Dabei sucht er sich vor allem besonders belastete Opfer, die von Schuldgefühlen geplagt werden.
In ihnen ruft er beängstigende Halluzinationen hervor, die sie ins Upside Down ziehen, wobei ihr Körper in Trance zurückgelassen wird. Dort konfrontiert er sie mit ihren Ängsten und ihren Schuldgefühlen, bis er sie schließlich tötet.

Zusammenfassung: Die wahre Identität von Vecna aus Stranger Things

Als Henry Creel ermordete er seine Familie mit seinen Kräften, wodurch er von Dr. Brenner als Testobjekt 001 entdeckt wurde. Im Kampf gegen Elf wird er dann ins Upside Down geschleudert, wo er sich in die Monster-Form Vecna verwandelt. Vecna ist mutmaßlich der erste Mensch, der das Upside Down betreten hat.

Vecna ist eine fiktive Figur, die sowohl im Fantasy-Rollenspiel Dungeons and Dragons als auch in der Netflix-Serie Stranger Things vorkommt. Zwischen den beiden Darstellungen der Charaktere gibt einige prägnante Parallelen, aber auch entscheidende Unterschiede.

Kausalität von D&D und Stranger Things im Bezug auf Vecna

Dass die Bösewicht-Figur Vecna in Stranger Things vorkommt, liegt insbesondere an der Tatsache, dass die Helden der Serie ihre Antagonisten stets nach Charakteren des bekannten Rollenspiels benennen. In früheren Staffeln erhielt der Gegenspieler Demogorgon in Stranger Things bereits seinen Namen aus dem D&D-Universe. Vecna kommt als gefährliches Monstrum und feindlich gesinnte Kreatur nun in der vierten Staffel der Serie vor.

Dungeons and Dragons

Dungeons and Dragons, oder D&D, ist als erstes Pen-and-Paper-Rollenspiel bekannt. (Mitspielende übernehmen Rollen von fiktiven Charakteren, deren Eigenschaften auf Papier festgehalten werden. Erfolgreiche Handlungen sowie Misserfolge werden mithilfe von Würfeln ausgearbeitet und festgesetzt.) Dungeons and Dragons ist also eine Art Gesellschaftsspiel mit Elementen des Improvisationstheaters und Storytelling.)

Das Regelwerk zum Spiel wurde erstmals 1974 veröffentlicht. 1980 erfolgte die Publikation von Adavanced Dungeons and Dragons. Die Version war ursprünglich für fortgeschrittene Spieler gedacht. Anzunehmen ist, dass sich die Protagonisten aus der Netflix-Serie am D&D aus den 80er-Jahren orientieren.

Stranger Things

Stranger Things ist eine Science-Fiction-Mystery-Serie, die auf Netflix ausgestrahlt wird. Sie spielt in den 1980er Jahren. Die Hauptfiguren um das mysteriöse Mädchen Eleven, welches telekinetische Fähigkeiten besitzt, sehen sich mit geheimen Experimenten eines Forschungslabors, zahlreichen übernatürlichen Ereignissen und gefährlichen, zum Teil gruselig erscheinenden Gegenspielern und Monstren konfrontiert. Wiederkehrend ist in der Serie die Namensgebung der Antagonisten, die nach den fiktiven Charakteren des Fantasy-Rollenspiels Dungeons and Dragons bezeichnet werden.

Vecna im Fantasy-Rollenspiel Dungeons and Dragons

Ursprünglich bezeichnet Vecna im Fantasy-Rollenspiel Dungeons and Dragons einen bösen Magier, der zu einem Lich wurde, also zu einer untoten Kreatur. Erstmals Erwähnung fand der Zauberer, der dem Tod trotzen wollte, in der Greyhawk-Kampagne als Ergänzung zum eigentlichen Regelsatz des Spiels.

Nach seiner Vernichtung blieben einzig sein linkes Auge und seine linke Hand bestehen, die in weiteren Ausgaben und Zusätzen zum Regelwerk auch als Artefakte vorkommen.
Im D&D-Universe erreicht Vecna den Status einer bösen Gottheit, diese wird stets als Figur mit fehlendem Auge und fehlender Hand beschrieben. Äußerlich ähnelt er zudem einem ausgetrockneten Leichnam.

Charakterlich ist Vecna im Universum von Dungeons and Dragons ein extrem machthungriges Wesen, dass sich seine Alleinherrschaft als einzige Gottheit zum Ziel gemacht hat.

Vecna in der Neflix-Serie Stranger Things

Die Figur Vecna aus der vierten Staffel der Serie Stranger Things ist eher angeglichen an die D&D-Version aus den 80er-Jahren, namentlich Advanced Dungeons and Dragons, wobei Vecna in D&D als existierender Halbgott 1989/1990 beschrieben wird. Vorher galt der monströse Lich als Legende, die sich nur personifizieren kann, wenn die entsprechenden Artefakte (Hand und Auge) Verwendung finden.

Die Netflix-Serie stellt Vecna als entstelltes Monster, welches früher auch einmal menschlich war, dar. Henry Heel, auch bekannt als One, besitzt wie Eleven früh entwickelte, telekinetische Kräfte und ist ebenfalls ein Teil der Forschungseinrichtung von Dr. Brenner, einem populären Seriencharakter. In One/Vecna reifte ein nicht zu bändigender Hass auf die gesamte Menschheit heran, die sich seiner Meinung nach der natürlichen Weltordnung entgegenstellt.

Mit Ones DNA wurden auch seine übernatürlichen Kräfte in der Forschungseinrichtung an andere Kinder weitergegeben, so auch an die Serienheldin Eleven. One/Vecna selbst wurde ein Chip implantiert, der seine Kräfte hemmt und kontrolliert.

Als One aus der Forschungseinrichtung fliehen kann, und im Zuge dessen zahlreiche Menschen niedermetzelt, versucht Eleven, ihn aufzuhalten und katapultiert in versehentlich in das Paralleluniversum Upside Down. Hier entwickelt One sich letztendlich zum Monstrum Vecna und verfolgt seinen Plan, die Menschheit zu vernichten.

Die Figur Vecna aus Stranger Things besteht nicht nur aus Elementen des D&D-Charakters. Inspiriert wurden die Macher der beliebten Netflix-Show auch durch andere fiktive Horrorfiguren wie Freddy Kruger aus Nightmare on Elmstreet und Pennywise aus ES.

Siehe: Die wahre Identität von Vecna aus Stranger Things

Deutliche Parallelen der Darstellungen von Vecna in D&D und Stranger Things

Eine bekannte Theorie aus dem D&D-Multiversum im Bezug auf den Erzlich Vecna besagt, er absorbiere durch ein spezielles Ritual die Macht von Sterblichen.

Diese Theorie findet sich auch in Stranger Things, hier gehen die Serienhelden davon aus, dass One/Vecna Menschen tötet, um sich selbst zu nähren und mächtiger zu werden.

Ebenfalls eine prägnante Parallele stellt der Verrat an One/Vecna dar.
Im Fantasy-Rollenspiel wird Vecna zunächst vom Halbdämon Acererak verraten, dann von seinem eigenen Leutnant Kas, der ihn letztendlich mit Hilfe eines Energieschwertes, in welchem sich Vecnas Bösartigkeit manifestierte, töten will.

In der Netflix-Serie manipuliert One/Vecna zunächst Eleven, und kann sich so selbst aus der Kontrolle des Forschungsleiters Brenner befreien. Anschließend wird er jedoch auch von Eleven verraten, weil sie sein Angebot, mit ihm zu gehen, ablehnt.

Fazit: Vecna aus Stranger Things

Ein relevanter Unterschied zwischen der Vecna-Version des Fantasy-Rollenspiels und der Vecna-Version der Serie besteht durch die Besessenheit des D&D-Charakters, Geheimnisse anderer Individuen zu erlangen und eigene zu bewahren.

Die Figur aus Stranger Things hingegen hütet keine Geheimnisse, vielmehr behauptet One/Vecna, die Wahrheit über Personen preiszugeben.

Vecna aus Stranger Things hat sich zum Ziel gesetzt, die Menschheit vollständig auszulöschen, während Vecna aus dem Rollenspiel seine Macht erweitern und Unsterblichkeit erreichen will.

Ohne diese Bilderbücher und Comics wächst in Japan so gut wie kein Junge auf

Shounen, Shonen oder Shōnen Manga sind traditionelle japanische Comics, die sich an junge männliche Heranwachsende in der Altersgruppe zwischen etwa 12 und 18 Jahren richten. Die Wort- bzw. Zeichenkombination steht für Junge/Jugend (Shōnen) und Comic (Manga), womit Comics für Jugendliche bzw. Jungen gemeint ist.

Was ist Shounen? Anime, Bedeutung, Definition, Erklärung

Vor allem in Japan, doch auch in anderen asiatischen Ländern sowie seit ca. zwei Jahrzehnten auch in Deutschland und Europa zählen Shōnen Manga aktuell zu der beliebtesten und meist verkauften Form von Manga. In Aufmachung, Stil und Inhalt teilweise sowie tendenziell ähnlich, aber für andere Alters- und Zielgruppen gedacht und gemacht sind klassische Manga wie „Shōjo“ für weibliche Jugendliche, „Seinen“ für erwachsene Männer sowie „Josei“ für erwachsene Frauen. Die Käufer bzw. Kunden überlappen sich allerdings auch häufig und sind nicht klar voneinander abgegrenzt. So ist das Untergenre Bishōnen („schöner Junge“) insbesondere bei jungen Mädchen außerordentlich populär, während das geschlechtliche Gegenstück Bishōjo („schönes Mädchen“) bei männlichen Lesern aller Altersklassen viele passionierte Anhänger hat.

Shonen und Manga: Geschichte, Entwicklung

Der hohe Stellenwert von Manga im Generellen sowie Shōnen Manga im Speziellen in der japanischen Kultur ist historisch bedingt: Die lange Geschichte der abwechslungs- und facettenreichen Bildbände reicht bis zu Schriftrollen aus dem 12./13. Jahrhundert zurück. Forscher und Wissenschaftler nehmen an, dass diese die Grundlage für den Lesestil von rechts nach links bildeten.

Stilistisch bereits an heutige Manga erinnernde Bilderbücher mit Grafiken, Illustrationen, Skizzen und Zeichnungen sind schon aus der sog. Edo-Periode zwischen 1603 und 1867 überliefert. Das eigentliche Wort Manga wurde jedoch erst im späten 18. Jahrhundert gebräuchlich. Als Pionier der Verwendung im modernen Sinn gilt der zu Lebzeiten sehr berühmte sowie einflussreiche japanische Karikaturist und Manga-Zeichner Kitazawa Rakuten (1876-1955), der ab 1895 in verschiedenen Zeitungen und Zeitschriften die ersten Comics nach US-amerikanischem Vorbild in Japan veröffentlichte, seine Werke auch in Europa und den Vereinigten Staaten ausstellen konnte und von 1934 bis 1948 eine eigene Schule Comics, Karikaturen und Manga leitete.

Anders als im Westen wurden und werden in Japan Bildgeschichten sehr geschätzt

Viele Autoren, Beobachter und Experten betonen darüber hinaus weitere Kontinuitäten der kulturellen sowie ästhetischen Traditionen Japans als zentral für die lange Geschichte und den anhaltenden Erfolg der Manga. Dazu gehört auch die optische Ähnlichkeit klassischer japanischer Druckgrafiken, Holz- oder Kupferschnitte (Ukiyo-e: fließende Bilder) sowie Gemälde mit expliziten sexuellen Darstellungen (Shunga: Frühlingsbilder) mit zahlreichen gängigen Motiven der modernen Manga.

Ebenfalls als Urahnen und Vorläufer der Manga gelten die japanischen Bilderbücher Kibyōshi aus der weiter oben bereits erwähnten Edo-Epoche, die zumeist in 10- bis 30-seitigen Bänden mit großen, jede Seite überspannenden Bilder und Dialogen in den Leerstellen gedruckt wurden und als erste reine Comicbücher für Erwachsene der japanischen Literatur klassifiziert werden. Als ebenso bedeutsamer historischer Ursprung und bedeutsame Ursache für die in dieser Form sowie Intensität in der westlichen Welt nicht bekannten Popularität von Manga gilt auch die charakteristische Art des Straßentheaters Kamishibai (Papiertheater), bei dem umherziehende Erzähler von Beginn bis Mitte des 20. Jahrhunderts Bilder in einem Leuchtkasten ausstellten, während sie dem gespannt lauschenden Publikum die dazugehörigen Geschichten schilderten und zur Finanzierung der gratis Vorstellungen sowie für ihren Unterhalt Süßigkeiten verkauften.

Shounen: Manga und Gesaku

Dramaturgisch-stilistisch eng verwandt mit den heutzutage dominierenden sowie häufig recht anzüglich bis frivolen Geschichten in vielen Manga sind die einstigen Broschüren mit Holzschnittillustrationen Akahon/Kusazōshi, die im 19. Jahrhundert sowohl „erwachsene“ Themen wie auch Kindergeschichten, Märchen und Volkslegenden behandelten. Sie sind typische Vertreter des gesamten populären japanischen Literaturgenres namens Gesaku aus dem 18. bis frühen 20. Jahrhundert, welches sich mit „Geschrieben zum Vergnügen“ übersetzen lässt und durch scherzhaften Ton sowie detaillierten Aufbau auszeichnet und zielgerichtet auf größtmöglichen kommerziellen Erfolg bei Vernachlässigung von Finesse und Perfektion orientiert war bzw. ist.

Ein Untergenre von Gesaku sowie eine vormoderne japanische Literaturgattung mit einigen Parallelen zu Manga war auch Sharebon, dessen Handlung sich vorrangig um derben Humor und Unterhaltung in den Vergnügungsvierteln sowie die Kleidung, Sprache und Umgangsformen von Männern in Schanklokalen drehte, die von Huren und Kurtisanen wegen ihres nur vermeintlich großen Wissens oft verspottet wurden. Weitere Subgenres von Gesaku mit erotischem, pädagogischem und satirischem Hintergrund sowie Verwandtschaft mit Manga sind Dangibon, Kokkeibon, Ninjōbon sowie Yomihon.

Moderne Manga entstanden erst nach der Niederlage Japans

Trotz dieser reichhaltigen Tradition an historischen literarischen Vorläufern in Japan selbst sowie der charakteristischen piktozentrischen (bildzentrierten) Kunst aufgrund der langen Geschichte und Auseinandersetzung mit chinesischen Grafiken sind Shōnen-Manga doch auch Ergebnis und Folge einer historisch vergleichsweise jüngeren Entwicklung.

Zwar gab es erste Manga-Magazine wie Shōnen Sekai, Shōnen Pakku und Shōjo Sekai, die sich eindeutig erkennbar an bestimmte Altersgruppen sowie Geschlechter richteten sowie auch typische Stilelemente wie weibliche Figuren mit großen, weit aufgerissenen Augen schon ab Anfang des 20. Jahrhunderts. Doch erst die Kapitulation Japans im Zweiten Weltkrieg und die Atombombenabwürfe auf Hiroshima sowie Nagasaki haben nach Ansicht mancher japanischer Autoren zu anhaltenden Narben in der kollektiven und künstlerischen Psyche, einem Verlust des vorherigen großen Selbstvertrauens und einer starken Sehnsucht nach Trost durch harmlose und niedliche (kawaii) Bilder geführt.

In Verbindung mit der teilweise erzwungenen Öffnung des Landes für westliche Waren und Werte nach 1945 lassen sich Shōnen Manga also durchaus auch als Folge eines transpazifischen wirtschaftlichen und kulturellen Transnationalismus sehen, die als Hybrid und Vermischung US-amerikanischer Jugendkultur samt Film, Fernsehen, Musik und Zeichentrick mit klassischen japanischen Kunstformen eingestuft werden kann.

Shonen und Shojo: Geschichte, Bedeutung

Bezeichnenderweise begann der beeindruckende und bis heute ungebrochene Boom von Shōnen, Shōjo sowie Seinen Manga auch in der Besatzungszeit von 1945 bis 1951, als in Japan modernere Manga für Jungen und junge Männer mit wissenschaftlich-technischen Themen wie Roboter und Raumfahrt und heroischen Abenteuergeschichten geradezu wie die sprichwörtlichen Pilze aus dem Boden schossen.

Zwischen 1950 und 1969 bildete sich in Japan eine stetig wachsende Leserschaft für Manga sowie deren beiden wichtigsten Genres, Shōnen Manga für Jungen und Shōjo Manga für Mädchen, heraus. Schon 1947 erschien das erste neue japanische Magazin Manga Shōnen, das bald darauf frühe Werke von berühmten Epigonen wie Osamu Tezuka, Shōtarō Ishinomori sowie Leiji Matsumoto veröffentlichte. Nach dem Ende der Zensur im Jahr 1952 und dem Wirtschaftsaufschwung in Japan nahmen auch Anzahl sowie Absatz neuer Manga-Magazine deutlich zu und die Gattung Shōjo Manga für Mädchen etablierte sich.

Im Shōnen Manga durfte damals auch wieder der bis dahin verbotene Sport thematisiert werden. Von 1956 bis 1966 erschien der auch als Real- sowie Animationsfilm adaptierte Klassiker Tetsujin 28-gō (Eisenmensch Nr. 28). 1959 erschienen erstmals die beiden noch immer kommerziell erfolgreichen Wochen-Magazine Shōnen Magazine und Shōnen Sunday.

Seinen Manga: Bedeutung, Definition, Erklärung

In den 1970er-Jahren entstand mit Seinen Manga schließlich das spezielle Subgenre für eine ältere männliche Zielgruppe. Deren Geschichten waren anders als diejenigen für das jüngere Publikum sichtbar stärker vom Stil des Gekiga (dramatische Bilder) sowie Themen wie Gesellschaftskritik, Gewalt, Horror, Mord, Kannibalismus, Fäkalhumor, Verbrechen und Zombies geprägt. Etwa zur selben Zeit wurden eindeutig pornografische Manga mit dem Gattungsbegriff Hentai (Perversion) sowie die abgeschwächte bzw. gemäßigte Version Etchi (Erotik) unter Erwachsenen immer populärer. Ausländer zeigen sich angesichts der teils recht offenherzigen sowie realistischen Darstellung von sexuellen Aktivitäten aller Art in diesen Manga nicht selten relativ überrascht.

Insbesondere im Hentai werden mitunter ausgefallene Fetische wie Bara oder Yaoi (extrem feminine oder maskuline Männer für weibliches und/oder männliches Publikum), Bakunyū (besonders große Brüste), Futanari (Hermaphroditen), Lolicon (vorpubertäre Mädchen) und Shotacon (vorpubertäre Jungen) sowie Omorashi (Urin) und Ahegao (Gesichtsausdruck während des Sex) dargestellt.

Shonen: Weitere Kategorien und Manga-Arten

Seit den 1980er-Jahren lässt sich eine sowohl inhaltliche als auch stilistische Annäherung der Kategorien Shōnen, Shōjo und Seinen sowie das Aufkommen von Sonderformen wie Gourmet-Manga (gurume manga) oder Koch-Manga (ryōri manga), Harem- (Hāremu) und Sport-Manga sowie Manga zum in Japan verbotenen Glücksspiel Mah-Jongg (mājan) und die mit dem Slangwort Moe (Knospung) beschriebene Zuneigung zu Manga-Charakteren beobachten. Im selben Jahrzehnt eroberten auch immer mehr zeichnende Frauen das bis dato nahezu exklusiv männlich beherrschte Genre und gaben innovativen Shōnen Manga eine stärker emotionale und romantische Richtung.

Nicht zuletzt durch diese Entwicklung wurden Shōnen Manga zum Ende der Epoche auch in Europa und den USA bekannt und beliebt. Maßgeblich am internationalen Erfolg des „Manga-Export“ beteiligt waren jedoch auch die englischen Übersetzungen von Sex-Manga, die mit der Lockerung der Zensur in den 1990er-Jahren in Japan möglich wurden. Im Jahr 2010 beschloss die Stadtregierung von Tokio jedoch das umstrittene Gesetz 156, um derartige Inhalte einzuschränken, trotz des Widerstands vieler Autoren und Verleger in der Manga-Industrie.

Manga: Auflagen-Rekorde und Verbreitung

Die 1968 ins Leben gerufene Zeitschrift Weekly Shōnen Jump ist mit einer Auflage von aktuell über 1,6 Millionen heute das meistverkaufte Manga-Magazin des Landes, in der viele der berühmten Figuren und Helden aus den Federn der Mangaka (Manga-Zeichner) wie Black Clover, Bleach, Captain Tsubasa, Demon Slayer, Dragon Ball, Shaman King und Slam Dunk erstmals erschienen.

Internationale Ableger des Magazins, welches Mitte der 1990er-Jahre in Japan eine Rekordauflage von mehr als 6,5 Millionen Exemplaren pro Woche verkaufen konnte, gab es in den 2000er-Jahren vorübergehend in Deutschland (Banzai!), Hongkong (EX-am), Taiwan (Báodǎo Shàonián), Thailand (Boom; C-Kids) sowie in Norwegen, Schweden und den USA (Shonen Jump). Seit 1969 existiert Shūkan Shōnen Champion bzw. Weekly Shōnen Champion mit einer aktuellen Auflage von etwa 500.000 Exemplaren. Zu den zurzeit 10 größten Manga-Magazinen Japans mit den Schwerpunkten Shōnen, Seinen und Shōjo sowie einer jeweiligen Auflage zwischen 230.000 und 630.000 Exemplaren pro Woche zählen aktuell neben dem Spitzenreiter Weekly Shōnen Jump das Weekly Shōnen Magazine, CoroCoro Comic, Big Comic Original, Weekly Young Jump, Weekly Young Magazine, Ciao sowie Big Comic und Weekly Shōnen Sunday.

Das englische Wort „Reality“ kann auf Deutsch „Realität“ und „Wirklichkeit“ oder auch „Sachverhalt“ bedeuten. Das Wort „Check“ bedeutet „Kontrolle“ oder „Überprüfung“. Entsprechend bedeutet „Reality Check“ das Überprüfen einer Wirklichkeit oder eines Sachverhalts. Eine Kontrolle ermöglicht ein Erkennen und Verstehen, insofern ist ein Reality Check nichts anderes als ein Augenöffner, ein „eye-opener“.

Jeder Mensch nimmt die Wirklichkeit subjektiv wahr. Es gibt also unzählige Wirklichkeiten, die jeder Einzelne als real ansieht. Wird ein bestimmter Sachverhalt überprüft, geschieht dies innerhalb einer subjektiven Wahrheit. Wer sich dessen bewusst ist, kann versuchen, eine möglichst objektive Perspektive einzunehmen. Je objektiver die Sichtweise, desto aufschlussreicher der Reality Check. Oder anders gesagt: Wer einen Reality Check völlig subjektiv durchführt, wird wenig Klarheit über den überprüften Sachverhalt erlangen.

Reality Check – Selbstbild und Selbstwahrnehmung

Wer einen Reality Check macht, möchte wissen, wie sich ein Sachverhalt tatsächlich darstellt. Es geht nicht darum, eine Situation so zu deuten, dass sie den eigenen Erwartungen oder Wünschen entspricht. Vielmehr soll gerade einer solchen Interpretation entgegengewirkt werden. Das Überprüfen einer Situation dient zur Korrektur der subjektiven Wahrnehmung. Ein Reality Check ist eine Art kritischer Blick auf uns und auf das, was wir erleben und wahrnehmen.

Bevor also ein Reality Check eines Sachverhalts sinnvoll durchgeführt werden kann, sollte der Blick nach innen gehen. Wie sieht unser Selbstbild aus und wie das Fremdbild? Gibt es Überschneidungen oder unterscheiden sich die Wahrnehmungen? Diese Fragen sind wichtig und müssen geklärt werden. Denn wer sich nicht kennt oder wessen Selbstbild sich möglicherweise radikal von seinem Fremdbild unterscheidet, wird kaum einen wahrhaftigen Reality Check durchführen können. Er wird immer nur das finden, was er sehen möchte. Vor einer Überprüfung einer bestimmten Situation ist es also sinnvoll, in dieser Sache einen Reality Check der eigenen Person durchzuführen.

Reality Check: Bestandsaufnahme der eigenen Wirklichkeit

Es gibt viele Situationen im Leben, die einem die Augen öffnen können, über sich selbst, über andere oder über die Natur der Dinge. Doch geschieht dies normalerweise nicht nur durch das Erleben dieser Situation, sondern durch Reflexion, durch Nachdenken über das eigene Verhalten. Ein Reality Check ermöglicht ein Erkennen und Verstehen darüber, ob die eigene Wahrnehmung den Tatsachen entspricht oder ob sie sich nur innerhalb der eigenen Realität abspielt.

Beispiel: Der Nachbar grüßt nicht. Dafür gibt es verschiedene Erklärungen: Er ist unhöflich, er kann niemanden leiden, er hat Sorgen und ist mit seinen Gedanken woanders oder er hat schlechte Laune. Ob eine der Erklärungen zutrifft, können wir nicht wissen, ohne der Sache näher auf den Grund zu gehen. Wir könnten den Nachbarn direkt darauf ansprechen. Tun wir das nicht, sind wir vermutlich beleidigt oder finden ihn unsympathisch. Eine direkte Nachfrage könnte allerdings auch ergeben, dass der Nachbar uns tatsächlich nicht mag.

Auch ein solches Ergebnis kann uns die Augen öffnen – über uns. Wir können in uns hineinhorchen, um herauszufinden, weshalb der Nachbar so über uns denkt und wie wir mit dieser Tatsache umgehen. Nun kann eine Bestandsaufnahme der Wirklichkeit durchgeführt werden: Wie sehen unsere Erwartungen aus und können sie tatsächlichen Ereignissen standhalten? Es sind unsere Erwartungen, die uns tagtäglich auf den Boden der Realität zurückholen. Der Reality Check ist ein Augenöffner für uns selbst. Er ermöglicht es uns, uns selbst zu sehen, zu erkennen und zu verstehen.

Reality Check als objektiver Blick

Um einen Sachverhalt verstehen zu können, braucht es einen objektiven Blick darauf. Der ist alles andere als selbstverständlich. Subjektive Perspektiven müssen zunächst bemerkt und anschließend so gut es geht ausgeschlossen werden. Neutral und objektiv eine Sache zu beurteilen, ist eine Kunst, die gelernt sein will. Das kann nur, wer sich selbst einer Realitätsbetrachtung unterzogen und eigene Einblicke in sein Innenleben zugelassen hat.

Wer immer wieder unangenehme Erfahrungen macht, sollte sich selbst einem Reality Check unterziehen. Nur so kann geklärt werden, wie diese Erfahrungen einzuordnen sind und welche Ursachen sie haben. Ein Realitätscheck öffnet einem die Augen, aber nur dann, wenn er konsequent durchgeführt wird. Wer bewusst die Augen vor bestimmten Tatsachen verschließt, wird sich nicht ändern und immer wieder die gleichen unangenehmen Erfahrungen machen.

Ein Reality Check ist gleichbedeutend mit einem Augenöffner, der entweder ganz oder gar nicht funktioniert. Man kann zwar einen Teil der Wirklichkeit anerkennen und gleichzeitig einen anderen Teil ablehnen, aber das Ergebnis kann einem nicht die Augen öffnen. Wer den Teil seiner Wirklichkeit ignoriert, den er nicht kennen will, bleibt auf diesem Auge bewusst blind. Von einem Reality Check kann dann aber keine Rede sein.

Wie kann ein Reality Check aussehen?

Wer etwas über sich erfahren möchte, kann sich selbst einem Reality Check unterziehen. Dazu muss er sich bestimmte Fragen stellen, die ehrlich beantwortet werden müssen. Alles andere wäre keine Überprüfung seines Standpunktes und einer bestimmten Sachlage, sondern lediglich ein Fall von Selbsttäuschung. Die Fragen könnten wie folgt lauten:

• Möchte ich etwas aus dieser Situation lernen?
• Bin ich bereit, mich zu verändern und zu verbessern?
• Was genau hat mich an der Situation geärgert. Was ist der wahre Grund meines Ärgers?
• Wer hat Schuld an meinem Ärger. Bin ich vielleicht selbst schuld und wenn ja, woran liegt es?
• Habe ich mich falsch verhalten oder etwas falsch interpretiert. Kann ich mir meiner Interpretation zu 100 Prozent sicher sein?
• Wie kann ich mich ändern, ohne dass es mir dabei schlecht geht?

Es braucht einiges an Eigeninitiative, um mit sich selbst auf Grundlage eines Reality Checks voranzukommen. Vor allem braucht es eine Wahrnehmungsänderung, die einen auch das Positive an einer unangenehmen Situation erkennen lässt.

Reality Check – was ist real, was ist ein Traum?

Eine interessante Variante des Reality Checks ist die Frage, ob man wach ist oder gerade träumt. Es handelt sich dann um sogenannte Klartraum-Techniken. Ein Klartraum ist ein Traum, der im Schlaf als solcher erkannt wird. Die Klartraum-Techniken beruhen auf der Unterscheidung zwischen logisch und unlogisch bzw. realistisch und unrealistisch. Im Traum ist das „Logikzentrum“ unseres Gehirns inaktiv. Träume kommen deswegen völlig real daher und das Traumgeschehen wirkt normal. Aus diesem Grund müssen Klartraum-Techniken tagsüber im Wachzustand geübt werden. Wer die Techniken beherrscht, kann während des Träumens im Schlaf den Traum als Traum erkennen. Sie ermöglichen es, im Schlaf das Logikzentrum zu aktivieren.

Reality Checks, bei denen es darum geht, einen Traum von der Realität zu unterscheiden, sind im Grunde nichts anderes als Aufmerksamkeitsübungen und haben nur entfernt etwas mit einem Augenöffnen zu tun. Wer sich die Nase zuhält und trotzdem weiteratmen kann, träumt. Wer in die Luft springt und nicht wieder auf dem Boden ankommt, träumt. Diese Art der Reality Checks führen nicht zu mehr Verständnis der Realität, sondern leiten im Gegenteil weiter davon weg. Denn das Ziel von Klarträumern ist, Träume bewusst zu lenken und diese dann so zu erleben, als wären sie real. Das Ergebnis sind dann „fantastische“ Klarträume als Gegenmaßnahme zur „langweiligen“ Wachrealität.

Reality Checks als Augenöffner

Reality Checks sind für Klarträumer Augenöffner in einem speziellen Sinn. Es geht hier nicht um Selbsterkenntnis, sondern um eine Art Bewusstseinserweiterung. Sie „öffnen“ als Klartraum-Techniken die Augen für die Traumwelt. Traumzeichen müssen erkannt, aufgegriffen, weiterverfolgt und kontrolliert werden. Durch permanentes Training entwickeln Klarträumer eine Art Wachbewusstsein im Schlaf und erleben auf diese Weise eine Traumwelt, die die Realität an faszinierenden Möglichkeiten bei Weitem übertrifft.

Ein Reality Check ist ein Augenöffner, der durch das Hinterfragen des eigenen Verhaltens zu neuen Erkenntnissen führt. Dadurch wird ein bewussteres Erleben in der Realität ermöglicht. Für Klarträumer fördern Reality Checks hingegen ein bewussteres Erleben der Traumwelt. Weniger als Augenöffner im eigentlichen Sinne, bei denen es um innere Einsicht geht, sondern vielmehr als Augenöffner für Sachverhalte, die sich in der Traumwelt abspielen.

Als Oneironautik wird die Fähigkeit bezeichnet Träume zu kontrollieren, in Träumen Bewusstsein zu erlangen, bewusste Entscheidungen zu treffen und auf Reisen zu gehen.

Jemand der in einem Traum auf Reisen geht, wird Oneironaut genannt. Allgemeiner wird ein Mensch der Klarträume erleben kann „Oneironaut“ genannt.

Was bedeutet das Wort „Oneironautik“ auf deutsch? Bedeutung, Übersetzung

Das Wort „Oneiro“ leitet sich vom griechischen „Oneiroi“ ab. „Oneiroi“ bedeutet auf deutsch „Träume“.

Der Wortbestandteil „-naut“ ist aus Worten wie „Astronaut“ oder „Kosmonaut“ bekannt. Das Wort „-naut“ leitet sich vom altgriechischen „nautes“ (ναύτης) ab und bedeutet „Schiffer“, „Seemann“ oder „Matrose“. Allgemein wird es auch als „Fahrer“ übersetzt.

Damit ist ein Oneironaut auf deutsch ein „Traumfahrer“. Genau wie der Astronaut ein „Raumfahrer“ ist.

Über den Begriff „Oneironautik“

Im deutschen Sprachraum spielt der Begriff „Oneironautik“ eigentlich keine Rolle. Viel bekannter und verbreiteter sind die Begriffe „luzides Träumen“ und „Klarträume“.

Was ist Oneironautik? Bedeutung, Definition, Erklärung

Luzides Träumen (dt. Klartäumen) wird auch Oneironautik genannt.

Für luzides Träumen gilt folgende Regel: Die träumende Person ist sich bewusst, dass sie träumt und es ist ihr möglich das Traumgeschehen teilweise zu bestimmen und zu beeinflussen.

Die Fähigkeit zum Klartraum ist in der heutigen Welt wenig bis gar nicht verbreitet. Die Idee des luziden Träumens ist aber so alt wie die Wissenschaft. In antiken griechischen Quellen finden sich schon Beschreibungen von Klarträumen.

Die Fähigkeit zum Klartraum ist erwerbbar, also lernbar. Es gibt aber auch Menschen, die mit dieser Fähigkeit geboren wurden.

Der Anfang von der Fähigkeit zum Klarträumen ist, dass man bemerkt das man träumt.

Oneironautik: Beispiele

Wer klarträumen kann, kann meistens auch seinen Traum manipulieren. Dass bedeutet, jemand kann z.B. Gegenstände, Orte oder Landschaften erzeugen. Es können aber auch Tiere, Wesen und Menschen erzeugt werden. In Klarträumen sind auch Fähigkeiten wie Fliegen möglich.

Im Klartraum können motorische Übungen durchgeführt werden. (Man kann damit also seine Leistung steigern.)

Oneironautik: Lernen

Wer das Klarträumen erlernen möchte, sollte folgende Schritte durchführen:

Traum-Tagebuch führen. Dies hilft die Traumverarbeitung zu aktivieren und zu verbessern. Außerdem schafft man so aktive Erinnerungenspunkte zwischen Traum und Wachsein.

Schlaf-Mantra sagen. Vor dem Schlafen kann man sich mit einem Mantra an das Träumen erinnern. Wird das Mantra verfestigt, so kann es die Verbindung zwischen Einschlafen und Träumen sein, sowie der Einstieg zum aktiven Träumen.

Realitäts-Check. Schafft man es im Traum das Bewusstsein zu erlangen, also klar zu sein, so muss man einen Realitäts-Check durchführen, damit man weiß, dass man in einem Traum ist. Solch ein Reality-Check kann sein: Nase zu halten und trotzdem Luft bekommen; etwas hochwerfen und es bleibt in der Luft steht oder etwas umwerfen und es geht nicht kaputt.

Weitere Bedeutung von Oneironaut

„Oneironaut: Das Klartraum-Praxishandbuch“ ist ein Taschenbuch von Simon Rausch.

Im München-Tatort „Dreams“ (vom 7. November 2021) war Klarträumen (luzides Träumen) ein Thema. Im Tatort suchten die Ermittler das „Institut für angewandte Oneironautik“ auf. Im Insitut konnten Probanden das Klarträumen zum Verbessern ihrer Fähigkeiten üben.

Räucherstäbchen haben eine sehr lange Tradition. Besonders bemerkenswert ist, dass man diese sehr flexibel einsetzen kann und dass es außerdem eine sehr große und interessante Auswahl gibt. So kann eigentlich jeder denkbare Geschmack bedient werden.

Hier sind vor allem Zimt, Vanille, Gewürznelke oder Sandelholz zu nennen. Aromastoffe dieser Art können für sehr viel Beruhigung sorgen und werden allgemein von sehr vielen Menschen als wirklich sehr angenehm empfunden. Die Palette an möglichen Aromen ist über die Jahre immer größer geworden, da auch die Anforderungen und Wünsche der Kunden immer weiter zunehmen.

Wofür / Wozu sind Räucherstäbchen gut? Bedeutung, Definition, Erklärung

Die Verwendung von Räucherstäbchen ist kein Hexenwerk und einfach erledigt. Man benötigt hier eigentlich nur ein Feuerzeug oder Streichhölzer, zündet das gewünschte Stäbchen an und kann den Geruch dann im vollen Umfang genießen.

Im privaten Bereich gibt es jedoch einige sehr wichtige Dinge zu bedenken. In diesem Zusammenhang sollte man den ganz besonders intensiven Duft eines solchen Räucherstäbchens nicht unterschätzen. Zündet man dieses in einem sehr kleinen Zimmer an, ist es am Ende auch sehr schwer diesen Geruch wieder loszuwerden. Dies kann insbesondere in Schlafräumen zu einem Problem führen. Der sehr intensive Geruch legt sich auf Möbel und auch auf die Kleidung. Besonders empfindliche Personen könnten folglich ein großes Problem beim Einschlafen bekommen.

Auch bei der Benutzung auf Terrassen und Balkonen sollte man die intensive Geruchsentwicklung auf gar keinen Fall unterschätzen. Fühlen sich andere Nachbarn durch den Geruch belästigt, ist die Verwendung zu unterlassen.

Räucherstäbchen und Brandschutz

Von Räucherstäbchen gehen durchaus auch ernsthafte Gefahren mit Blick auf den Brandschutz aus. Man sollte ein solches Räucherstäbchen in jedem Fall niemals unbeaufsichtigt einfach abbrennen lassen. Außerdem sollte man immer etwas zum Auffangen der Asche unterstellen, damit die Einrichtung der Wohnung nicht unnötig beschmutzt werden kann. Weiterhin kann es auch schnell zu einem Brand kommen, wenn ein derartiges Räucherstäbchen plötzlich umfällt. Während der gesamten Dauer der Nutzung sollte man sich daher unbedingt die ganze Zeit im selben Raum aufhalten, um mögliche Gefahren abzuwenden.

Räiucherstäbchen: Mögliche Gesundheitsrisiken

Anders als vielleicht immer noch häufig angenommen sind Räucherstäbchen für die Gesundheit nicht gefährdend, weil hier prinzipiell keine giftigen Gase entstehen. Es gibt sicher Unterschiede zwischen den einzelnen Herstellern und Räucherstäbchen sind natürlich auch kein Gesundheitsprodukt, jedoch ist nicht automatisch von einer Gefahr für die eigene Gesundheit auszugehen. Personen, die Allergien oder Erkrankungen im Bereich der Atemwege haben, sollten allerdings vorsichtig sein. Die beliebten Stäbchen können durchaus hin und wieder zu einer Reizung der Atemwege führen.

Einsatz im Bereich Wellness

Im besondere Maße beliebt sind Räucherstäbchen jedoch vor allem in sämtlichen Wellness-Bereichen. So kann der Einsatz im Vorraum einer Sauna oder auch im Ruheraum sehr sinnvoll sein.

Die Räucherstäbchen dienen hier in erster Linie der Entspannung und Beruhigung. Hat man einen stressigen Arbeitstag absolviert, kann man es sich in liegender Position unter dem Einfluss von gut duftenden Räucherstäbchen rundum gemütlich machen.

Leicht benebelnde Effekte möglich

Mitunter verwenden Menschen Räucherstäbchen auch, um sich ein wenig zu benebeln und vom intensiven Duft inspirieren zu lassen. Genau dies sollte man allerdings auf gar keinen Fall übertreiben, da es sonst, wie bereits erwähnt zu Problemen im Bereich der Atemwege kommen kann.

Viele Menschen verschwinden regelmäßig in einem YouTube-„Rabbit Hole“. Doch was bedeutet dies eigentlich?

Was bedeutet „Rabbit Hole“? Bedeutung, Definition, Erklärung

Auf Deutsch übersetzt bedeutet „Rabbit Hole“ Kaninchenbau. Der Kaninchenbau wird in diesem Kontext als Metapher verwendet. Wenn man sich einen Kaninchenbau ansieht, stellt man fest, dass er sehr verzweigt ist. Man verirrt sich schnell und findet keinen Ausgang.

Wenn jemand also in ein YouTube-„Rabbit Hole“ gefallen ist, bedeutet dies, dass er stundenlang Videos angeschaut hat, die alle miteinander verknüpft sind. Er ist also sinnbildlich in einem langen, verzweigten Tunnelsystem verschwunden und hat lang gebraucht, um wieder aufzutauchen.

Oftmals wird der Begriff auch in Phrasen verwendet. Bekannte Beispiele dafür sind „He went down the Rabbit Hole“ oder nur „Down the Rabbit Hole“. Dies bedeutet, er ist in den Kaninchenbau gefallen.

Wenn man in das Kaninchenloch gefallen ist, schweift man weit vom Eingang oder vom Ausgangspunkt ab. Man verliert sich in einem Wirrwarr aus immer neuen Themen und Videos. Dieses Phänomen ist auch bei Pinterest bekannt. Dort kann man stundenlang Bilder anschauen, indem man einfach herunterscrollt.

Man sucht nach einem veganen Rezept suchen und endet irgendwann bei den neusten Haartrends. Nach ein oder zwei Stunden taucht man dann entnervt wieder auf, nur um festzustellen, dass man viel wertvolle Zeit verschwendet hat. Es ist nämlich sehr anstrengend, in ein solches „Rabbit Hole“ zu fallen.

Entweder verliert man sich vollständig oder man taucht immer tiefer in ein gewisses Gebiet ein, bis der Kopf qualmt. Dies kann auch im Internet passieren, wenn man von einem Link auf den nächsten Link klickt. Irgendwann weiß man kaum noch, wo man angefangen hat.

Dies kann übrigens auch bei Amazon passieren, wenn man unzählige Produkte und deren Bewertung anschaut. Man gerät immer tiefer in den Kaninchenbau.

Woher stammt der Ausdruck „Rabbit Hole“? Ursprung, Herkunft

Der Begriff an sich ist schon relativ alt. Er stammt aus dem weltberühmten Kinderbuch Alices Abenteuer im Wunderland. Der Brite Lewis Carroll schrieb dieses sehr tiefgründige Kinderbuch im Jahre 1865.

Die Titelheldin Alice folgt einem weißen, sprechenden Kaninchen mit einer Uhr in dessen Bau. Dort fällt sie in ein Loch und landet in einem Raum mit vielen Türen. Die kleinste Tür führt ins Wunderland.

Seitdem wird diese Idee in Büchern und Filmen aufgegriffen. Immer wieder finden Protagonisten solche Türen zu anderen Welten.

Die Verbreitung des Begriffes „Rabbit Hole“

Mit der Zeit verbreitete sich der Begriff als eine Art Redewendung. Diese Redewendung wird oft benutzt, wenn ein Redner allzu weit vom Thema abschweift. Während eines Vortrags vergisst er das ursprüngliche Thema und spricht über etwas ganz anderes. Dann ist er in ein „Rabbit Hole“ gefallen.

Der Begriff kursierte auch kurze Zeit lang in der Drogenszene. Der Konsum von Drogen kann dazu führen, dass jemand die Realität verliert. Von Jugendlichen und jungen Menschen wird „Rabbit Hole“ aber meistens im Zusammenhang mit der Internetnutzung verwendet.

„Rabbit Hole“ als Marketingstrategie

Inzwischen wird dieser „Rabbit Hole“-Effekt von verschiedenen Plattformen ganz gezielt eingesetzt. Die Nutzer sollen schließlich möglichst lange auf der Seite bleiben. Dies geschieht vor allem durch Empfehlungen zum gleichen Thema. Bei YouTube erhält man automatisch eine Vielzahl neuer Videos.

So schaut man plötzlich ein Video nach dem anderen und merkt gar nicht, wie die Zeit vergeht. Ein Video geht schließlich immer noch. Im Internet führt anschließend ein Link zu dem anderen Link und ruckzuck ist der Abend um. Dieselbe Strategie verfolgen auch Wikipedia, TikTok und Reddit.

Alle Beiträge sind verlinkt und führen zum nächsten Bild, Text oder Video. Auf diese Weise fällt man im Internet eigentlich automatisch in ein „Rabbit Hole“.

Maßnahmen gegen das „Rabbit Hole“

Es ist wichtig, das Problem zu erkennen. Am besten setzt man sich ein Zeitlimit. Man kann zum Beispiel einen Timer auf 30 Minuten stellen. Wenn der Timer piepst, wird das Handy weggelegt. Auf diese Weise behält man den Überblick über die Bildschirmzeit.

Oder man setzt sich ein Limit von 3 Videos am Tag. Man sollte nur eine gewisse Zeit im Internet und mit Social Media verbringen. Die Empfehlung liegt bei 60 Minuten Bildschirmzeit. Mehr Zeit sollte man nicht mit bei YouTube, Pinterest und TikTok
verbringen.

Probleme mit dem „Rabbit Hole“ Effekt

Ein wirkliches Problem besteht darin, wenn Links willkürlich sind oder gar zu negativen Inhalten führen. Durch den „Rabbit Hole“ Effekt können harmlose Videos mit sehr negativen Videos verknüpft sein. Dies ist besonders für Kinder gefährlich.

Verwendung von „Rabbit Hole“

Man kann also sagen, dass man in ein „Rabbit Hole“ gefallen ist, wenn man sich ungewollt in ein gewisses Thema verloren hat.

Siehe: Was ist der „Rabbit Hole“-Effekt?

Beispiele für die korrekte Verwendung von „Rabbit Hole“

1. „Ich wollte mir bei Amazon eine neue Kameralinse bestellen. 100 Bewertungen später sitze ich immer noch im Rabbit-Hole.“
2. „Ich habe gestern bei Pinterest nach einem Rezept für Porridge gesucht, zwei Stunden später hatte ich fünfzehn Geschenkideen für den nächsten Geburtstag und ein paar neue Schuhe bestellt.“
3. „Ich wollte mich über ein Aquarium informieren und kennen nun jeden Zierfisch, den es gibt.“

„Rabbit Hole“ und der Film Matrix

In der berühmten Trilogie Matrix wird der Begriff „Rabbit Hole“ als Metapher für die Matrix benutzt. Der Film Matrix stammt aus dem Jahr 1999 und ist ein Science-Fiction-Film. Die Hauptrollen spielen Keanu Reeves und Laurence Fishburne. Zu der Trilogie gehören Matrix Reloaded und Matrix Revolutions.

Folgende Textpassagen kommen in dem Text vor:
„Fällst du den Kaninchenbau hinunter …“
„Wie weit geht das Kaninchenloch?“

Der Computerhacker Neo erhält eine rätselhafte Nachricht auf dem Computer. Sie sagt, dass er „dem weißen Kaninchen folgen“ soll. Die Drehbuchautoren benutzen hier das Zitat aus Alice im Wunderland.

Rabbit Hole Film

Es gibt auch einen Film mit dem Titel „Rabbit Hole“. Der Amerikaner John Cameron Mitchell führte Regie und in der Hauptrolle ist Nicole Kidman zu sehen. Der Film entstand 2010 und basiert auf dem gleichnamigen Theaterstück.

Die Handlung ist tragisch. Der Sohn eines glücklichen Ehepaars kommt bei einem Autounfall uns Leben. Die junge Mutter, gespielt von Nicole Kidman, versucht sich mit einer Affäre über den Tod des Kindes hinwegzutrösten. Der neue Liebhaber hat allerdings ihren Sohn überfahren. Kidman wurde für diese Rolle für den Oscar nominiert.

Yin und Yang sind zwei Symbole aus der fernöstlichen Philosophie, die davon ausgeht, dass alles auf der Welt aus zwei Gegensätzen besteht, die sich ergänzen und zusammen ein ganzes ergeben. Als Beispiele führt sie Phänome wie den Sommer im Vergleich zum Winter, die Nacht zum Tag oder die Ebbe zur Flut an. Nur wenn beide Teile zusammenwirken, ist die Welt nach dieser Lehre im Gleichgewicht und kann fehlerlos funktionieren.

Yin und Yang einfach erklärt: Bedeutung, Definition, Erklärung

Die Theorie vergleicht Ying mit dem weiblichen Teil einer Beziehung. Es steht für alles dunkele, kalte, nasse, ruhige und passive. Würde man Yin einer Jahreszeit zuordnen, so stände es für den Winter. Yang als der andere Teil steht dabei für alles helle, warme, trockene und aktive. Man ordnet es dem männlichen Teil eines Ganzen zu. Im Vergleich mit einer Jahreszeit stände Yang für den Sommer.

Die Theorie von Yin und Yang entstammt dem chinesischen „Buch der Wandlungen“. Hier taucht das Ying unter dem Begriff „Yijing“ auf.

Grundlegender religiöser beziehungsweise philosophischer Kontext ist der Taoismus/Daoismus. Die genaue Bedeutung von Yin und Yang zu definieren ist schwierig, da diese aufgrund einer langen Geschichte und unterschiedlichen Deutungskontexten unterschiedlich ausfiel. Als Grundgerüst bestehen bleibt aber die Bedeutung von Yin und Yang als zwei zusammengehörige Gegenteile eines Großen und Ganzen.

Die Symbolkraft von Yin und Yang: Bedeutung, Erklärung

Das Symbol für Yin und Yang nennt sich „Taijitu“, was wörtlich „Symbol des Höchsten, des Ultimativen“ bedeutet.
Es besteht aus einem Kreis, welchen eine S-förmige Linie in einen schwarzen (Ying) und einen weißen Teil (Yang) trennt. Beide Seiten enthalten zusätzlich einen Punkt in der Farbe des jeweils anderen Feldes, der für den im jeweiligen Bereich immer enthaltenen Gegenpol steht. Die beiden Hälften verdeutlichen die beiden Gegensätze, die zusammen unsere Welt ergeben. Das Zeichen verkörpert zudem eine immerwährende Bewegung und verdeutlicht damit die Wahrheit, dass es keinen Anfang und kein Ende gibt, sondern sich alles in einem immerwährenden Fluss befindet. Ähnliche Zeichen benutzten bereits die Kelten, Römer und Etrusker.

So kann man das Zeichen in der keltischen Kunst als Motiv zweier verschränkter Kommata, welche um die eigene Achse kreisen, bis ins späte fünfte Jahrhundert vor Christus zurückverfolgen. Jedoch tritt das Zeichen in der keltischen Kunst meist nicht alleine auf. Vielmehr ist es Teil größerer Blumen- oder Tiermuster, in denen Yin und Yang als wirbelnde Blätter auftreten. Der abstraktere Stil des Zeichens entwickelte sich erst im dritten Jahrhundert nach Christus und tritt dann auch als Einzelmotiv auf den verschiedensten Gegenständen des täglichen Bedarfs auf. Bei den Etruskern tritt das Zeichen ab dem vierten Jahrhundert nach Christus auf und zierte später bei den Römern zahlreiche Wappen und andere Kriegsgegenstände.

Die Menschen der heutigen Zeit benutzen das Zeichen von Yin und Yang gerne als Tattoo sowie an Armbändern und Ketten. Sie drucken es auf T-Shirts und auf Wandgemälde. Liebespaare gebrauchen es als Zeichen der Liebe, mit dem sie verdeutlichen, dass sie beide unterschiedliche Teile ihrer Beziehung miteinander sind und sie damit untrennbar zusammengehören. Damit ist es zu einem Modeartikel geworden, bei dem die Verwender über die ursprüngliche Bedeutung des Zeichens oft nicht mehr Bescheid wissen.

Ying und Yang im Ungleichgewicht und ihre Bedeutung für das persönliche Leben

Stehen Yin und Yang nicht im Gleichgewicht zueinander, resultieren daraus Probleme, welche sich auf persönlicher Ebene durch Krankheiten und innerer Unzufriedenheit sowie auf gesamtgesellschaftlicher Ebene durch wirtschaftliche Misserfolge, Kriege und andere Katastrophen äußern können. Erst wenn die richtige Beziehung zwischen Yin und Yang wieder hergestellt ist, ist die Grundlage für das innerliche Wohlbefinden und das reibungslose Funktionieren der Gesellschaft gegeben.

Überwiegt der Anteil von Yin in unserem Leben, führt dieser Zustand zu einer vermehrten Ansammlung von Feuchtigkeit im Körper, die sich nach der Theorie durch Verschleimungen und Erschöpfungszustände äußert. Ebenso treten Hitzewallungen, Unruhe und Schlafstörungen auf. Zu viel Yang dagegen erzeugt psychische Aggressivität und führt zu unkontrollierten Gefühlsausbrüchen, die sich auf körperlicher Ebene durch großen Durst, eine rote Gesichtshaut sowie Entzündungen manifestieren. Und die Folgen gehen weit über die Gesundheit hinaus. So sind nach der altchinesischen Lehre missglückte Liebesbeziehungen, gescheiterte Karrieren, Geldknappheit und vieles mehr Folgen eines Ungleichgewichts der sich ausgleichenden Kräfte.

Was für den einzelnen Menschen gilt, gilt in der Theorie ebenso bezogen auf die gesamte Gesellschaft. Die Beziehung der beiden Kräfte in der heutigen Zeit entspricht dabei einem starken Überschuss an Yang-Kräften. Alles ist laut, schnell und auf Effektivität ausgelegt. Es fehlt der ruhige, besonnene und weibliche Ausgleich als Yin. Nachweislich resultieren daraus ein stressiger Lebensstil und eine ungesunde Ernährung, die wiederum zu Unwohlsein und verschiedenen Krankheiten führen.

Yin und Yang angewandt in der Medizin

Die traditionelle chinesische Medizin wendet das Prinzip von Yin und Yang praktisch unter dem Begriff „TCM“ an. Dabei ordnet sie die Organe nach ihren Funktionen in aktive und passive Teile des Körpers ein. Yin steht für das Herz, die Leber und die Lunge.
Magen, Darm und Blase entsprechen Yang. Durch das Prinzip der Abwechslung und gegenseitigen Bestärkung sieht sie ihr Ziel darin, die Aktivitäten der einzelnen Organe bestmöglich aufeinander abzustimmen.

Ein bekanntes und effektives, in der westlichen Welt angewandtes Mittel, um Gleichgewicht im eigenen Leben herzustellen, ist Yoga. Beim Yin Yoga geht es dabei darum, loszulassen und zu entspannen. Mithilfe von Decken, Kissen und dem Herbeiführen einer körperlichen Ruheposition helfen Therapeuten den Anwendern eine entspannte Lage herbeizuführen, in der diese dann bis zu 20 Minuten verharren. Das Prinzip wird bei vielen verschiedenen und akzeptierten Behandlungseinrichtungen angewandt und soll zu einer Verbesserung des körperlichen Wohlbefindens führen. Auch in die Ernährung wird der Grundsatz von Yin und Yang einbezogen, indem beispielsweise im Sommer oder bei Fieber eine hohe Körpertemperatur durch kühlende Nahrungsmittel ausgeglichen wird.

Im persönlichen Leben trägt nach der Lehre ein ausgeglichenes Verhältnis zwischen Yin und Yang in vielfacher Hinsicht zum persönlichen Erfolg bei. Damit dieser sich entfalten kann, ist es wichtig, das Prinzip der Ausgewogenheit ins persönliche Leben einzubeziehen. Dies kann geschehen, indem für einen optimalen Ausgleich zwischen Ruhe und Anstrengung, Sitzen und Stehen, Bewegung und körperlicher Entspannung gesorgt wird. Eine wichtige Rolle spielen außerdem eine ausgewogene Ernährung und auch die Einrichtung der eigenen Wohnung kann nach der altchinesischen Weisheit zum Wohlbefinden beitragen. Mit der allgemeinen Harmonielehre und damit, wie man die Prinzipien der persönlich am effektivsten umsetzen kann, beschäftigen sich die Lehren des Feng Shui.

Therian ist ein Kurzwort und steht für Therianthropos. Um zu verstehen, was sich hinter diesen Begriffen verbirgt, muss zunächst ihre sprachliche Herkunft betrachtet werden.

Was ist Therian? Bedeutung, Definition, Erklärung

Die Bezeichnung stammt aus dem Altgriechischen. Der Plural Theria bedeutet ins Deutsche übersetzt „Tiere“ und Therion ist das „(wilde) Tier“. Anthropos ist der aufrecht schreitende Mensch und das Wort Therianthropos ist dann also die Bezeichnung für ein Mischwesen, für einen Tiermenschen. Aus der griechischen Mythologie sind der Zentaur (der Pferdemensch) oder auch der Satyr bekannt, ein Mischwesen aus Mensch und Pferd oder Esel.

„Therian“ ist der englische Ausdruck. Der deutsche Ausdruck ist „Therianer“.

Ein Therianer (Therian) ist ein Mensch, der sich mit einem Tier identifiziert. Diese Identifizierung findet entweder spirituell oder psychologisch statt. Oftmals glauben Therianer (Therian), dass ihre Seelen die eines bestimmten Tieres sind. Ein Therianer (Therian) weiß, dass er körperlich gesehen ein Mensch ist und sich nicht physisch in ein Tier verwandeln kann, außer vielleicht in einen Werwolf. Im Englischen gibt es den Begriff „Otherkin“. Er steht für die „verwandtschaftliche Verbundenheit mit dem Anderen oder etwas anderem“, mit einem nicht-menschlichen Wesen. Im Fall der Therianer (Therian) handelt es sich um Tiere und die Rede ist dann beispielsweise von einer Werwolfkin.

Therianer (Therian) fühlen sich einem Theriotypen verbunden. Ein Theriotyp wiederum ist ein bestimmtes Tier, mit dem sich ein Therianer (Therian) identifiziert. Sehr häufig ist es ein Wolf. Es kann aber auch ein Falke, eine bestimmte Dinosaurierart oder ein beliebiges anderes Tier sein. Ein Paläotherianer sieht das Heute mit den Augen eines Dinos, vielleicht eines Tyrannosaurus Rex. Viele erleben eine Verwandlung („Shifting“). Es gibt die Phantom-Verwandlung („Phantom Shifting“), bei der der Therianer (Therian) die Empfindung von (Phantom-) Körperteilen seines Theriotypen erlebt. Die mentale Verwandlung („Mental Shifting“) kann zur Folge haben, dass der Therianer (Therian) die Denkweise seines Theriotypen übernimmt und sich wie dieses Tier verhält.

Wer wissen möchte, welches sein Theriotyp ist, muss in sich gehen, meditieren und auf die Suche gehen, bis er es herausgefunden hat. Um die Mitwelt über sein Gefühlsleben nicht im Unklaren zu lassen, gibt es T-Shirts mit Aufdrucken wie „Proud Otherkin“ (dt.: „Stolz darauf, Otherkin zu sein“) oder „They can’t see what you can see through your animal eyes (dt.: „Sie können nicht sehen, was du durch deine Tieraugen sehen kannst“).

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Die Therianthropie: Was ist das? Bedeutung, Definition, Erklärung

Therianthropie bezeichnet die Fähigkeit des Menschen, sich in Tiere zu verwandeln, wie es in den Mythen beschrieben wird. Es handelt sich dabei um kein psychiatrisches Problem, sondern um ein spirituelles, allenfalls psychologisches Phänomen. Moderne Therianer (Therian) wissen, dass sie sich nicht mittels Gestaltumwandlung in ihr Seelentier verwandeln können. Aber sie fühlen eine tiefe innere Verwandtschaft mit ihrem Theriotypen, die bis zur Identifikation mit ihm reicht.

Mythologische Therianthropie gibt es in allen Kulturen, weltweit und zu allen Zeiten. Die berühmtesten Vertreter dieser besonderen Spezies Mensch sind die Schamanen. Schon frühzeitliche Höhlenmalereien zeigen Schamanen als Mischwesen mit menschlichen und Tiermerkmalen. Schamanen hatten immer soziale Funktionen innerhalb ihrer Gesellschaft. Sie sind noch heute Heiler und Mittler zwischen der diesseitigen und der jenseitigen Welt.

Therianer (Therian) haben keine solche Aufgabe. Ihre Art der Therianthropie dreht sich um sie selbst. Sie wissen, weil sie es entweder glauben oder fühlen, dass sie Tiere sind – im spirituellen oder psychologischen Sinne. Diese Empfindung wird individuell unterschiedlich stark wahrgenommen. Es gibt verschiedene Grade der Identifikation und Verwandlung. Im Englischen gibt es mindestens fünf verschiedene Varianten von modernen Therianern:

• „Shifter Therian“: Sie sind die am häufigsten vorkommenden Therianer. Sie identifizieren sich mit einem Tier und erleben verschiedene Grade der Verwandlung in dieses Tier
• „Contherian“: Diese Therianer erleben keine Verwandlung, sondern befinden sich permanent in dem Zustand halb Mensch und halb Tier zu sein.
• „Vacillant Therian“: Sie erleben eine begrenzte Form der Verwandlung, haben aber die grundlegenden Instinkte ihres Theriotypen, ihres bestimmten Tieres, in ihre Persönlichkeit integriert.
• „Cladotherian“: Das sind Therianer, deren Identität eine ganze Tierfamilie umfasst und nicht eine einzelne Spezies, beispielsweise die Familie der Vögel und nicht speziell die Adler.
• „Polytherian“: Diese Therianer identifizieren sich mit mehr als nur einem Tier.

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Viele Dinge begegnen uns im Alltag, wir haben aber keine Ahnung, wozu sie eigentlich gut sind. Dazu gehört auch die Delle, die sich im Boden von Weinflaschen befindet. Dabei weisen einige Flaschen diese Dellen auf, andere Flaschen allerdings nicht.

Im Internet findet man die wildesten Theorien zu der Delle im Boden der Flaschen. Einige vermute sogar, dass es sich bei Weinflaschen mit Dellen im Mogelpackungen handelt. Denn durch die Wölbung, die nach innen geht, passt ja weniger Inhalt in die Flasche. Die Delle ist aber nicht sofort sichtbar, so dass es von außen den Anschein hat, dass tatsächlich mehr in die Flasche hineinpasst.

Das ist allerdings Unsinn. In der Flasche ist genauso viel drin, wie außen draufsteht. Also keine Mogelpackung.

Andere Vermutungen gehen dahin, dass die Mulde vorhanden ist, damit der Kellner den Weg eleganter einschenken kann. Auch diese Vermutung trifft allerdings nicht zu.

Darum ist die Delle im Boden der Weinflasche: Gründe, Erklärung

Die Delle wird im Fachjargon als „culot de bouteille“ bezeichnet. Auf Deutsch bedeutet dies einfach Flaschenboden. Die Delle geht auf die Zeit zurück, als Weinflaschen nicht industriell hergestellt wurden. Damals wurden sie in mühevoller und langwieriger Handarbeit hergestellt und mit dem Mund „geblasen“. Bei dieser Vorgehensweise war der Boden der Falschen allerdings nicht flach. Er war auch nicht nach innen, sondern nach außen gewölbt. So konnte die Weinflasche allerdings nicht auf einem Tisch abgestellt werden. Daher wurde der Boden anschließend nach innen gedrückt. Das Problem war somit gelöst, die Delle in der Flasche ist entstanden. Sie diente anfangs der Standfestigkeit der Flasche.

Heutzutage werden die Flaschen außer in wenigen Ausnahmefällen natürlich industriell angefertigt. Somit ergibt sich das Problem der Delle am Flaschenboden nicht mehr. Trotzdem haben immer noch die meisten Weinflaschen die charakteristische Delle im Boden.

Dies hat mehrere Gründe. Bei Champagner, Sekt und anderen Schaumwein liegt dies am Druck. Nach Abfüllung der Flasche wird oben ein Korken in den Flaschenhals gegeben. Dieser wird hereingedrückt und dann mittels Draht befestigt. In der Flasche herrscht dann ein großer Druck (bis zu acht Bar). Wenn die Flasche nun flach sein würde, so würde der Druck nur auf den unteren Boden wirken. Der Boden könnte somit einfach herausbrechen und die Flasche wäre kaputt. Durch die Wölbung auf der Flaschenunterseite kann der Druck besser verteilt werden. Er wird dadurch auch auf die Wände der Flasche übertragen. Die Gefahr des Brechens ist somit gebannt.

Dellen auch bei Rotwein

Auch andere Weinflaschen, wie etwa bei trockenen Rotweinen, haben allerdings noch die Dellen im Boden, auch wenn ihn diesen Flaschen kein hoher Druck herrscht. Der Grund hierfür liegt nicht mehr nur in der besseren Standfähigkeit der Flasche bei der manuellen Herstellung, sondern auch beim Geschmack.
Wein steht oftmals lange, bevor er getrunken wird. Je länger er steht, desto besser wird er meistens. Leider lassen sich Ablagerungen durch das lange Stehen nicht immer ganz vermeiden. Die Ablagerungen sammeln sich immer unten in einer Flasche. Da sich unten allerdings die Wölbung befindet, sammeln sich die Ablagerungen in der Rille der Flasche. Beim Einschenken werden die Ablagerungen durch die Rille nicht aufgewühlt und verbleiben unten in der Flasche. Sie gelangen so nicht in das Glas und der Wein kann ablagerungsfrei genossen werden.

Rotwein wird oft liegend gelagert. Bevor er getrunken wird, sollte die Flasche daher rechtzeitig aufgestellt werden. So haben die Ablagerungen ausreichend Zeit, um in die Rille am Boden zu sinken.

Mehrere Gründe für die Dellen im Boden von Weinflaschen

Es gibt also nicht einen bestimmten Grund, warum sich die Dellen im Boden der Weinflaschen befinden. Auch wenn der Ursprung sicherlich auf die damalige Herstellung zurückgeht, hat die Delle auch noch andere Vorteile. Diese wurden sicherlich erst nach und nach entdeckt, sorgen allerdings dafür, dass die Dellen in den Böden von Weinflaschen uns bis heute erhalten geblieben sind.

Beim Schaumwein besteht der Vorteil in der besseren Druckverteilung, beim Wein in der Absenkung der Ablagerungen in der Rille.
Außerdem sieht die Delle in der Weinflasche auch einfach gut aus und gehört einfach zur Weinflasche. Und auch der Kellner kann mit ihr den Wein sehr viel kunstvoller einschenken.

Der Neologismus „Mikroabenteuer“ bezeichnet eine Art der Freizeitgestaltung, bei der es dem Wortsinn entsprechend erlebnisbetont und aktiv zugeht.

Was sind Mikroabenteuer (Micro-Adventures)? Bedeutung, Definition, Erklärung

Im Vergleich zu als Gegenkategorie „Makroabenteuer“ benennbaren, extremen Erlebnisaktivitäten wie z. B. Weltumsegelungen, Mount-Everest-Besteigungen, Tauchgängen im Nordmeer oder Survival-Monate im Amazonas-Gebiet sind Mikroabenteuer kaum risikobehaftet, vom Organisations-, Kosten- und Zeitaufwand minimal sowie in der Regel in unmittelbarer Nähe zum eigenen Wohnsitz verortet. Gemeinsam mit Makroabenteuern ist den Mikroabenteuern, dass sie Outdoor-Aktivitäten sind und einen außergewöhnlichen, spannenden Kontrast zum Alltagsleben darstellen.

Als Erfinder des Mikroabenteuers wird oft der Brite Alastair Humphreys (geb. 1976) genannt. Der expeditionsbegeisterte Zoologe Humphreys hat von 2001 bis 2005 per Fahrrad eine Weltreise gemacht und dabei rund 75.000 km zurückgelegt. Seine Erfahrungen und Erlebnisse auf dieser Reise und folgenden ähnlich spektakulären Fahrten hat Humphreys als Buchautor und Motivationstrainer einem breitem Publikum nahegebracht. Er schlug als Konzept für Jedermann-Abenteuer vor, doch einmal im eigenen Garten zu übernachten oder nachts durch den schlafende Wohnort zu streifen. Diese Art von ungewöhnlichen, den Alltag unterbrechenden Kurzaktionen bezeichnete Humphreys als „Microadventures“. Für seine Idee wurde Humphreys 2012 vom Magazin „National Geographic“ zum „Abenteurer des Jahres“ gekürt.

Micro-Adventures / Mikro-Abenteuer: Erklärung

Humphreys´ Kampagne für die Popularisierung des „Winzigen Abenteuers“ stieß in den Medien auf großes Interesse und motivierte viele Menschen sich auf Klein-Abenteuer einzulassen. Es entwickelten sich je nach Zielgruppe unterschiedliche Umsetzungen des Humphreys-Konzepts. Im deutschsprachigen Raum machte sich u. a. der Berliner Sportjournalist Christo Foerster (geb. 1977) einen Namen in der neuen Bewegung. So hatte er 2017 mit seinem Mikroabenteuer-Projekt „Raus und machen“ eine Plattform geschaffen, bis dahin träge Wohlstandsbürger zu Abenteuern vor der eigenen Haustür zu ermuntern.

Beispiele für Mikroabenteuer (Micro-Adventures)

Die Bandbreite der Möglichkeiten, Kleinsabenteuer zu erleben, ist enorm. So war für den durchtrainierten Christo Foerster das Schlüsselerlebnis, sich intensiv für die Verbreitung des Mikroabenteuer-Gedankens einzusetzen, eine spontane Nachtfahrt auf dem Rad von Hamburg nach Berlin. Für Normalmenschen bieten sich je nach Neigung und Kondition aber natürlich auch sportlich wesentlich weniger anspruchsvolle Optionen an.

Für nicht wenige Menschen stellt es bereits ein Mikroabenteuer dar, jenseits der immer gleichen im Alltag genutzten Wege auch einmal systematisch jede bis dahin noch nie besuchte Straße und jeden Weg in der Nachbarschaft im Umkreis von einem Kilometer abzugehen. Oder bei Nacht durch die Parks der Umgebung zu schlendern. Abenteuerlich ist es auch, eine Nacht auf dem Balkon zu verbringen. Aufregend merkwürdig aus der Zeit gefallen kann das Gefühl sein, bei Sonnenaufgang mit dem Rad am Sonntagmorgen durch werktags dicht bevölkerte und jetzt aber vollkommen menschenleere Innenstädte zu gehen. Mutige können auch eine Hängematte in einem nahen Wald aufhängen, um darin die Nacht unterm Sternenhimmel zu erleben

Mikroabenteuerlich kann aber auch die Erfüllung der Vorgabe sein, zu einer bis dahin noch nie besuchten Endstation einer Bus- oder Bahnlinie zu fahren, dort auszusteigen und dann den Rückweg zu Fuß und ohne Ortsplan zu finden; oder auch frühmorgens allein oder mit Familie mit dem Paddelboot oder einem selbst gezimmerten Floß über einen bis dahin noch nie besuchten See zu fahren. Oder abseits der Wege einen – nicht allzu großen – Wald zu queren. Und dort im Wald Blätter und Nadeln möglichst vieler Pflanzenarten sammeln.

„Phubbing“ bedeutet, dass eine Person ein Gespräch abbricht oder einen Gesprächspartner ignoriert, um mit dem Smartphone interagieren zu können. Die Person interessiert sich also mehr für das Smartphone, als für das Gegenüber. Damit signalisiert die Smartphone-nutzende Person, dass ihr das Handy wichtiger ist.

Was ist Phubbing? Bedeutung, Definition, Erklärung

Das Phänomen „Phubbing“ mag als relativ harmloser, wenn auch ärgerlicher Teil des modernen Lebens erscheinen. Experten haben herausgefunden, dass es eine Beziehungen schädigen kann. Phubbing kann persönliche und gegenwärtige Beziehungen ernsthaft stören.

Smartphones können so viel zu unserem Leben und unseren Beziehungen beitragen. Wir haben die Möglichkeit, rund um die Uhr mit unseren Freunden und der Familie in Kontakt zu bleiben. Aber Technologie kann auch negative Auswirkungen auf die Verbindung zwischen Paaren haben. Wer zu „Phubbing“ neigt, sendet (unbewusst) Signale der Ablehnung und Respektlosigkeit.

Was ist Phubbing / Phone Snubbing? Folgen

„Phubbing“ hat folgende individuelle Auswirkungen:

• Durch Phubbing fühlst du dich weniger verbunden mit deinen direkten Mitmenschen:
  Phubbing macht die Interaktion von Angesicht zu Angesicht weniger aussagekräftig und schwächt das Selbstbewusstsein. Das Absenden von Nachrichten während eines Gesprächs beeinträchtigt die Kommunikationsfähigkeiten und wirft ein negatives Bild auf dich ab. Manchmal reicht sogar die bloße Anwesenheit eines Mobiltelefons während eines Gesprächs aus, auch wenn niemand es benutzt, um den Menschen das Gefühl zu geben, weniger miteinander verbunden zu sein.
• Phubbing kann deine geistige Gesundheit beeinträchtigen:
  Phubbing bedroht vier Grundbedürfnisse: Zugehörigkeit, Selbstwertgefühl, sinnvolle Existenz und Kontrolle, indem Phubbed-Menschen sich ausgeschlossen fühlen. Das kann besonders schädlich sein.
  Phubbing kann sogar Beziehungen beeinflussen. Ehepartner, die sich gegenseitig phubben, leiden mit größerer Wahrscheinlichkeit an Depressionen und einer geringeren Zufriedenheit in der Ehe. Wenn dein Lebenspartner telefoniert, bedeutet dies, dass er in diesen Momenten der Zweisamkeit etwas anderes vor dir priorisiert und das tut weh.
• Phubbing ist für niemanden gut:
  Natürlich ist die Person, die Phubbing erleidet, diejenige, die am meisten durch Phubbing verletzt wird. Aber auch der Phubber ist betroffen. Menschen, die ihre Telefone beim Essen mit Freunden oder der Familie benutzten, können das Essen weniger genießen und fühlen sich abgelenkter und weniger engagiert als diejenigen, die am Tisch keine Technik verwendeten.
• Phubbing kann auch deinen Ruf schädigen. Telefonbenutzer werden im Allgemeinen als weniger höflich undaufmerksam und als ärmere Gesprächspartner angesehen. Am wichtigsten ist vielleicht, dass Phubbing ein Zeichen für einen problematischen Technologieeinsatz sein kann. Viele Experten halten eine Gerätegewohnheit für besorgniserregend, wenn sie den Alltag beeinträchtigt.

Maßnahmen gegen Phubbing: Gewohnheiten überdenken

Phubbing ist häufig eine Gewohnheit, die man im Alltag in bestimmten Situationen lebt und diese dann auf weitere Bereiche des Lebens ausweitet.

Wer viel Phubbing betreibt, kann durch das Erstellen und Befolgen strenger Technologieregeln, z. B. das Weglegen des Telefons beim Abendessen, neue Gewohnheiten entwickeln. Andere auf Aufmerksamkeit basierende Praktiken wie Meditation und Achtsamkeit können ebenfalls dazu beitragen, Aufmerksamkeitsfähigkeit neu zu trainieren. Auf jeden Fall sollte man sich die Zeit nehmen, um zu erkennen, wie man sich beim Phubbing fühlt.

Die Absicht von Phubbern ist nicht, andere Menschen auszuschließen. Sie versuchen sich an eine bestimmte Situation anzupassen, indem sie auf das Smartphone schauen.

Phubbing: Smartphone in bestimmten Situationen weglegen

Wer ausgeht, sollte das Handy ausschalten oder in den Flugmodus versetzen. Am besten bleibt es gleich zu Hause, um nicht in Versuchung geführt zu werden.

Durch den digitalen Fortschritt werden Smartphones immer wichtiger im Alltag. Es ist fast unmöglich, dass Phubbing komplett zu vermeiden. Daher kann man etwas „phubbing“ akzeptieren.

Grundsätzlich gilt, dass man Phubbing nie persönlich nehmen sollte.

Tubeless Reifen sind Fahrradreifen ohne Schlauch. Sie sollen ein Ärgernis vieler Fahrradfahrer beenden, platte Reifen (Schläuche) und das Flicken von Fahrradschläuchen. Eine Fahrt über Waldwege oder spitze Gegenstände sorgt schnell für das Ende einer Radtour. Die Reparatur eines Lochs im Schlauches ist unterwegs schwierig. Oft hilft nur, das Fahrrad nach Hause zu schieben. Das Flicken des Schlauches erfordert die Demontage des betroffenen Rades, was mit einigem Aufwand verbunden ist.

Was sind tubeless Reifen? Wie funktionieren tubeless Reifen? Erklärung

Im Vergleich zu anderen Fahrzeugen ist das Fahrrad ein Nachzügler, denn Autos und Motorräder rollen seit mehreren Jahrzehnten auf Rädern mit schlauchlosen Reifen. Autoreifen haben schon seit 60 Jahren keinen Schlauch mehr. Nun versucht diese Technologie, bei den Fahrrädern ihren Siegeszug fortzusetzen.

Verbreitet ist der schlauchlose Reifen schon bei Mountainbikes, was mit dem anspruchsvollen Gelände zu tun hat. Stock und Stein sorgen häufiger für ein Durchschlagen, wenn der Luftdruck zu niedrig ist. Häufig endete dies mit einem Plattfuß. Diese Gefahr ist bei Tubeless Reifen nicht mehr vorhanden, selbst wenn der Luftdruck niedrig sein sollte.

Gerade Mountainbiker mögen geringen Luftdruck, weil dies beim Fahren mehr Komfort bietet und die Traktion erhöht. Die geringe Pannengefahr ist der größte Vorteil der Tubeless-Lösung. Zwar können auch diese innovativen Reifen beschädigt werden, doch eine Latex-Flüssigkeit dichtet die Löcher innerhalb von Zehntelsekunden wieder ab. Entweicht doch einmal Luft, geschieht dies nicht wie beim Schlauchreichen auf einen Schlag. Der Luftdruck verringert sich langsam. Nur bei einem größeren Riss muss das Rad ausgebaut werden und der Reifen ähnlich einem Schlauchreifen gewechselt werden.

Funktionsweise: So funktionieren Tubeless Reifen

Die Reifen müssen mit den Felgen luftdicht abschließen. Dafür sorgt eine spezielle Wulst, die den Raum im Innern nach außen abdichtet. Eine einfache Umrüstung des Reifens auf einer herkömmlichen Felge ist nicht einfach, denn die Tubeless Felgen müssen luftdicht sein. Außerdem müssen sie den direkten Druck aushalten, dem sie sich bei einem System mit Schlauch nicht ausgesetzt sind.

Besser eignen sich spezielle Felgen. Anders als die herkömmlichen haben diese keine Löcher, welche die Speichennippel aufnehmen. Die neuen Räder haben eine größere Schulter, die gemeinsam mit der Wulst der Pneus das luftdichte System gewährleistet. Außerdem verhindert sie, dass der Gummi von der Felge rutschen kann. Als zusätzliche Komponente dient Dichtmilch, die in den Reifen gefüllt wird und so das System von innen abdichtet. Es gibt allerdings auch schon Kits, mit denen herkömmliche Felgen Tubeless-ready aufgerüstet werden können.

Die Dichtmilch hat noch eine zweite wichtige Funktion, denn sie ist ein wichtiger Pannenhelfer. Kommt es zu einem Einstich in den Reifen, verschließt sie das Loch im Handumdrehen. Dieses System macht den Tubeless Reifen pannensicher und verhindert den Abbruch einer Radtour infolge eines Plattfußes. Damit dies funktioniert, muss die Dichtmilch regelmäßig nachgefüllt werden. Grund ist, dass die Flüssigkeit nach einiger Zeit eintrocknet.

So funktioniert die Umrüstung auf tubeless Reifen

Während sich Tubeless bei den Mountainbiker schon durchgesetzt hat, greifen inzwischen auch Rennfahrer und Genussfahrer zum schlauchlosen Reifen. Besonders in Städten, wo Reifen beispielsweise von Glassplittern malträtiert werden, sorgen sie für weniger Pannen. Am einfachsten sind Felgen, die schlauchlos konzipiert wurden. Sie sind an entsprechenden Markierungen wie „Tubelass ready“ oder „geeignet für Tubeless“ erkennbar. Ähnliche Markierungen sollten an den Reifen zu finden sein. Die Hersteller bieten zwei verschiedene Typen Laufräder an. In der ersten Variante wird innen ein Felgenband verklebt, das die Nippellöcher für die Speichen versiegelt. Es entsteht ein luftdichtes System. Alternativ lässt sich auch eine herkömmliche Felge verwenden. Dafür gibt es Sets für das Umrüsten, welche ein Felgenband beinhalten. Das saubere, glatte Aufkleben auf die Felge ist allerdings eine Herausforderung, die sich zu zweit besser erledigen lässt. Außerdem produzieren die Hersteller Räder ohne Nippellöcher.

Die Ventile werden in die Felge eingeschraubt. Wer das Felgenband selbst eingeklebt hat, sticht mit einer Nadel ein Loch in das Band. Es sollte nicht zu groß sein, damit alles dicht bleibt. Danach wird der Reifen aufgezogen und Luft gepumpt. Dies ist wichtig, denn erst die Kompression sorgt dafür, dass der Reifen korrekt gegen die Felge gedrückt wird. Dazu ist es sinnvoll, einen Druckluftkompressor zu verwenden. Alternativ bietet der Handel Tubeless-Pumpen an. Wenn es „plopp“ macht, ist dies ein Zeichen, dass der Gummi seinen Platz gefunden hat. Es sollte dann noch der maximale Reifendruck eingefüllt werden, um dem Reifen die Gelegenheit zu geben, sich richtig zu platzieren. Mountainbiker fahren ihre Fahrräder normalerweise mit 1,8 bis 1,9 Bar, die Reifen vertragen aber einen Luftdruck von bis zu vier Bar.

Tubeless Reifen: Dichtmilch

Nun muss noch die Dichtmilch eingefüllt werden. Bei der Verwendung von Tubeless-Systemen ist sie nicht unbedingt nötig, ohne ihren Einsatz geht allerdings ein wesentlicher Vorteil verloren. Durch den Einsatz der Dichtmilch lassen sich Pannen während der Fahrt weitgehend ausschließen. Der Reifen repariert sich „von selbst“. Bei der Dichtmilch handelt es sich um flüssiges Latex, das Löcher schließt. Die Milch trocknet mit der Zeit ein und muss deshalb nach etwa drei Monaten nachgefüllt werden. Das Einfüllen erfolgt über die Ventilöffnung. Dazu lässt sich der Ventilkern herausdrehen. Es bleibt ein Loch, in das die Einfüllspitze der Flasche passt. Nach dem Einfüllen der Milch wird der Reifen wieder aufgepumpt und die Latexflüssigkeit durch Schütteln verteilt.

Der Herausforderung bei der Montage stehen einige Vorteile der Tubeless Reifen entgegen. Neben der geringeren Pannenanfälligkeit überzeugt das System durch gute Traktion. Der fehlende Schlauch sorgt für ein geringeres Gewicht des Fahrrades.

Die Qualität der Rohstoffe und die Zeit sind die Grundlage für Slow Brewing.
Slow Brewing ist eine unabhängige Bewegung, die aus der Idee einer Gruppe von Freunden hervorgegangen ist, die ihr Studium an der Technischen Universität München und die Leidenschaft für gutes Bier teilen.
Seit 2011 gibt es Slow Brewing. Hierbei wird viel Wert auf Qualität während des gesamten Brauprozesses und hochwertige Rohstoffe bis zu den einzelnen Schritten der Bierherstellung gelegt.

Was ist „Slow-Brewing“? Bedeutung, Definition, Erklärung

Slow Brewing hat sich zu einem eigenständigen Label entwickelt. Über 25 unabhängige Brauereien zählen zu diesem Trend dazu. Um das Siegel für ein Bier mit Slow Brewing zu erhalten, müssen strenge Anforderungen erfüllt und die Herstellung genauestens überprüft werden. Hierzu gibt es eine Checkliste, die die Grundlage für dieses Siegel darstellt, damit andere Brauereien die genauen Kriterien kennen.

Bei der Prüfung wird jedes einzelne Bier geprüft. Um eine Konstanz in der Qualität der Biere und des Slow Brewings zu gewährleisten, werden die Brauereien unangekündigt mehrere Male im Jahr überprüft. Auf diese Weise kann der Verband sowohl wissenschaftlich als auch technisch modernste Verfahren sicherstellen.

Ein Teil der Slow Brewing-Familie zu sein, ist jedoch mehr als nur ein Siegel auf dem Etikett: Es bedeutet, eine Philosophie anzunehmen, die die Bedeutung von Zeit und Exzellenz der Rohstoffe in den Mittelpunkt stellt und dabei stets die Qualität der organoleptischen Eigenschaften der Rohstoffe berücksichtigt.Es bedeutet, in Synergien zu arbeiten, um ein perfektes Bier zu erzielen.

Slow Brewing: Details, Fakten und Infos

Es gibt bereits eine Menge Produkte, die unter dem Namen Slow Food hergestellt und produziert wurden. Wenn Sie auf einer Verpackung eines Produkts das Wort Slow Food finden, können Sie sich sicher sein, dass es sich bei dem Produkt um hochwertige Lebensmittel handelt. Doch ist das beim Slow Brewing genauso wie beim Slow Food?

Zu der Vereinigung Slow Brewing gehören, wie bereits erwähnt, über 25 Brauereien aus ganz Europa, haupstächlich Deutschland, Italien, Österreich und Schweiz. Slow Brewing ist ein Gütesiegel, das für folgende Punkte steht:

• Der Genuss des Bieres steht im Vordergrund
• Es werden bei der Herstellung der Biere nur natürliche und unbehandelte Rohstoffe verwendet.
• Die Biere werden schonend und vor allem langsam (“Slow“) gebraut. Dadurch entsteht ein einzigartiger, runder und ausgereifter Biergeschmack.
• Ein wesentlicher Punkt beim Slow Brewing ist der Reifeprozess, der bei jeder Brauereie variiert.
• Es wird bewusst auf Verdünnung nach dem Reifeprozess verzichtet, um den reinen und natürlichen Geschmack des Bieres nicht zu verfälschen. Dadurch sind die Biere durch Slow Brewing etwas stärker und es entsteht ein anderes Aroma.
• Durch Slow Brewing entstehen Fuselalkohole, die uns das Bier schlechter vertragen lassen. Der “Schädel“ oder der Kater nach mehreren Bieren, die durch Slow Brewing hergestellt wurden, wird also stärker werden.
• Eine Brauerei erhält nur das Gütesiegel Slow Brewing, wenn alle Aspekte bei der Produktion, der Herstellung und der Rohstoffe nachhaltig sind.
• Nicht umsonst wird Slow Brewing als strengstes Gütesiegel für Biere auf dem Markt gesehen.

Das Besondere an Slow Brewing ist, dass nicht nur die Produktion, sondern auch das Verhalten der Brauerei gegenüber den Mitarbeitern und Lieferanten gehört zum Gütesiegel dazu.

Prüfung vom Gütesiegel Slow Brewing

In der Regel erfolgt eine Qualitätsprüfung monatlich oder einmal im Quartal. Die Ergebnisse werden für zwölf Monate dokumentiert, um mögliche Abweichungen in der Qualität in der Herstellung oder bei den Rohstoffen zu ermitteln. Durch diese regelmäßigen Prüfungen steht Slow Brewing für eine hohe Qualitätskonstanz beim Geschmack des Bieres.

Das Fahrrad eine „einspurige Laufmaschine“ nur für Männer?

Im Jahr 1817 meldete der badischen Erfinder Karl von Drais ein neues Patent an. Nachdem er 1813 schon den „Wagen ohne Pferde“ erfunden hat, war dieses Laufrad sein neuester Genie-Streich.

Die „Draisine“ sollte damals die Fortbewegung für einfache Menschen revolutionieren. Wer keine Pferde oder eine Kutsche besaß, musste laufen oder blieb zu Hause. Weite Sprünge waren nicht so einfach machbar – oder sie brauchten Zeit.

Das Urmodell des Fahrrades bestand aus einem durchgehenden Gestänge, das über zwei Rädern angebracht war. Auf dem Gestänge befand sich ein Sitz. Die Draisine funktionierte noch ohne Pedale oder Kettenantrieb. Man schubste das Laufrad mit den Füßen an.

Obwohl uns das heute umständlich erscheint, war die Draisine für damaligen Menschen ein Riesenspaß. Manche begeisterten Laufradfahrer fetzten so schnell mit ihren Draisinen durchs Gelände, dass es immer öfter zu schlimmen Unfällen kam. Über Bremsen verfügte das Modell nämlich nicht. Daraufhin wurden Draisinen regional verboten und gerieten in Vergessenheit.

Selbstverständlich war dieses Vehikel noch ausschließlich der Männerwelt vorbehalten. Anfang des 19. Jahrhunderts gehörten Frauen noch ins Haus und hinter den Herd. Körperliche Ertüchtigung galt als äußerst unanständig.

Kurz nach Drais’ vermeintlicher Pleite kaufte der englische Erfinder Dennis Johnson 1818 das Laufrad-Patent und entwickelte es weiter. Er nannte seine Erfindung „Johnson-Velocipede“. Anders als Drais hatte er auch gleich ein Modell für die Damenwelt entwickelt. Offenbar war man auf der britischen Insel da schon etwas weltoffener. Ob Damen das Fahrzeug tatsächlich benutzten und wie häufig ist leider nicht überliefert.

Da es selbst für modernste Frauen niemals infrage gekommen wäre, ein Bein über die Velocipede-Stange zu schwingen, konstruierte Johnson ein Modell „ohne Stange“. Die Johnson-Velocipede für Frauen erlaubte den sittengerechten Einstieg von der Seite. Die Stange verlief dazu entlang des Vorderrades Richtung Boden, dann parallel zum Boden und stieg zum Hinterrad wieder an.

Warum haben Herrenfahrräder eine Stange? Erklärung, Geschichte

Die Frage „Warum haben Herrenfahrräder eine Stange?“, müsste also besser zu „Warum haben Frauenfahrräder keine Stange?“ umformuliert werden.

Die Weiterentwicklung des Fahrrades

Die Erfindung des Tretkurbelfahrrads wird heute dem Orgelbauer Philipp Moritz Fischer zugeschrieben. Der meldete seinen neuesten Entwurf des Fahrrades mit Pedal-Antrieb 1853 in Schweinfurt zum Patent an. Ob er ein Frauen-Modell konstruierte ist nicht bekannt.

Bevor es zu den heute gängigen Fahrradmodellen kam, war das Hochrad eine weitere Zwischenstation. Hier gab es nur eine Variante: Der Sitz war direkt über dem überdimensionierten Vorderrad abgebracht. Das zweite, hintere Rad, war beim Hochrad vergleichsweise klein.
Für die Damen gab es das Otto Dicycle. Bei dieser Konstruktion war ein Sitz zwischen zwei großen Rädern angebracht. Bewegt wurden beide Modelle mit Tretkurbeln. Hochräder waren eine Modeerscheinung, die aufgrund der hohen Sturzgefahr bald wieder verschwanden. Auch das recht sperrige Otto Dicycle konnte sich langfristig nicht durchsetzen.

Die dann aufkommenden alltagstauglichen Fahrräder nannte man zunächst Niederrad oder sogar Sicherheitsniederrad. Ab 1885 entstanden eine ganze Reihe neue Fahrräder. Zu dieser Zeit arbeiteten mehrere Erfinder und Techniker an der Verbesserung der Idee.

Als der englische Tierarzt John Boyd Dunlop 1888 dann noch den luftgefüllten Reifen erfand, war der Siegeszug des Fahrrades nicht mehr aufzuhalten.

Fahrräder für Damen und Herren (mit und ohne Stange)

Schon bei den ersten Sicherheitsniederrädern wurden die alten Entwürfe von Dennis Johnson wieder aufgegriffen. Er hatte im Grunde schon zu Beginn des 19. Jahrhunderts das perfekte Damenrad entworfen, nur fehlte der Antrieb und bequeme Reifen.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts und bis weit ins 20. Jahrhundert hinein wäre es für Damen immer noch unschicklich gewesen, sich über eine Fahrradstange zu schwingen. Die wenigsten Frauen trugen damals Hosen.

Übrigens schreibt man heute dem Voranschreiten des Reitsports, dem Fahrradfahren und dem Turnen zu, dass sich das Hosentragen bei Frauen schneller etablieren konnte. Röcke waren einfach zu unsicher. Das Verletzungsrisiko beim Reiten und Fahrradfahren wesentlich höher.

Trotz Emanzipation blieben die Fahrräder ohne Stange bis in die Neuzeit. Viele Frauen finden die Modelle einfach bequemer. Daneben werden die Fahrräder ohne Stange gerne von Senioren genutzt. Für Kinder ist die Handhabung meistens auch einfacher.

Natürlich können Frauen heutzutage auch Herrenräder nutzen. Professionelle Rennräder gibt es grundsätzlich nur mit Stange.

In Südkorea leben über 50 Millionen Menschen. Von diesen 50 Millionen haben rund 10 Millionen den Nachnamen Kim. Tatsächlich sind die beliebtesten Nachnamen in Südkorea Kim, Lee und Park, die die Nachnamen der Hälfte der Bevölkerung ausmachen. Als Kultur oder Nation ist es ziemlich ungewöhnlich, dass sich ein so großer Teil der Bevölkerung auf wenige Nachnamen konzentriert. Warum gibt es in Korea so wenige Nachnamen?

Warum heißen in Korea so viele Menschen „Kim“? Erklärung, Geschichte

Familiennamen spielten bis zur Joseon-Dynastie zwischen 1392 und 1910 in der koreanischen Gesellschaft eine große Rolle. Danach waren Familiennamen eine Funktion von Macht und Klasse, die den Königen und dem Adel in Korea zugeschrieben wurden und als „Yanban“ bekannt waren. Namen wie Kim, Lee und Park haben königlichen Ursprung. Kim hat zwei Wurzeln; eines stammt aus der königlichen Familie der Silla-Dynastie (57 v. Chr. – 935 n. Chr.) und das andere aus der königlichen Familie der Gaya-Konföderation (42 n. Chr. – 562 n. Chr.). Als die beiden Länder fusionierten, wurde der Familienname Kim zu einem der bevölkerungsreichsten Namen.

Insbesondere Lee und Kim stehen für eine königliche Atmosphäre. Niedrigere sozioökonomische Gemeinschaften wie Sklaven und Arbeiter hatten zur damaligen Zeit keine Nachnamen. Es gibt natürlich Ausnahmen. Wang Geon aus der vorangegangenen Goryeo-Dynastie (918-1392) gab königlichen Untertanen Nachnamen, die er als loyaler und treuer empfand, unabhängig von ihrer ursprünglichen sozialen Stellung.

Die koreanische Halbinsel hatte eine lange Zeit von drei Königreichen: Goguryeo, Baekje und Silla. Nach Jahrhunderten des Konflikts vereinigte Silla 668 die Halbinsel, bis sie von einer neuen Dynastie namens Goryeo (918–1392) überholt wurde. Die Kim-Familien von Silla wurden in die Monarchie aufgenommen und erhielten von der regierenden Wang-Familie den Adelsstatus.

Korea, Kims und die Rolle der Sklaven

Während der Joseon-Dynastie machten Sklaven auf ihrem Höhepunkt 50–60% der Bevölkerung aus. Nur Adlige hatten Familiennamen, während Sklaven keine legalen Namen erhielten – was bedeutet, dass mehr als die Hälfte des Landes namenlos war. Der Status der Sklaven verschob sich im 17. Jahrhundert nach zwei Kriegen gegen Japan und die Qing-Dynastie Chinas drastisch.

Als zwei aufeinanderfolgende Kriege Joseon Steuergelder entzogen, erlaubte die Monarchie den Sklaven, Namen zu kaufen und ihren sozialen Status zu erhöhen. Dies sollte Einnahmen durch den Verkauf königlicher und edler Namen bringen und mehr Steuerzahler gewinnen, da Sklaven keine Steuern zahlen konnten.

Die meisten Sklaven kauften beliebte und mächtige Familiennamen, um ihren neuen Status zu festigen. Namen wie Kim, Lee und Park gehörten entweder königlichen oder mächtigen Adelsfamilien. Einige Sklaven entschieden sich auch dafür, dem Familiennamen ihres früheren Herrn zu folgen. Daher verzeichneten mächtige Familien, die viele Sklaven besaßen, eine Zunahme der Familiengröße.

Die Rolle des wachsenden Handels

Es gab mit der Zeit in Korea immer mehr Händler, die versuchten auf dem Markt Fuß zu fassen. Viele arbeiteten allerdings vorher als Sklaven und nur wenige besaßen einen Namen. Nachnamen wurden zu einem Luxus, den sie sich buchstäblich leisten konnten. Erfolgreiche Händler nahmen zunehmend auch einen Nachnamen an. Sie könnten eine Elite-Genealogie kaufen, indem sie physisch ein genealogisches Buch kaufen und einen Nachnamen verwenden. Viele nahmen Nachnamen von bankrotten Händlern an.

Im 18. Jahrhundert war die Fälschung von Familiennamen weit verbreitet. Es war an der Tagesordnung, Familienunterlagen zu verfälschen, um einen Nicht-Verwandten aus einer sterbenden edlen Blutlinie „einzuschreiben“, und es den Bürgern zu ermöglichen, einen neuen glänzenden edlen Nachnamen anzunehmen.

1894 wurde das koreanische Klassensystem abgeschafft und 1904 wurden alle Koreaner durch eine neue Volkszählungsverordnung verpflichtet, einen Nachnamen zu registrieren. Tatsächlich ist es bis heute bei eingebürgerten südkoreanischen Bürgern beliebt, einen koreanischen Nachnamen anzunehmen. Beliebte Optionen sind Kim, Lee, Park und Choi.

Fazit: Warum heißen in Korea so viele Menschen „Kim“? Erklärung

Die einzigartige Geschichte Koreas ermöglichte die mangelnde Vielfalt der Nachnamen. Die lange Geschichte der Dynastienfolgen festigte den Status der königlichen und adeligen Familien. Sklaven kauften später ihr Recht, Adlige zu werden, indem sie das Recht erwarben, einen populären Familiennamen zu besitzen, und die japanische Kolonialherrschaft schloss den gegenwärtigen Konzentrationszustand auf einige populäre Familiennamen ab.

Wenn Automobilhersteller einen neuen Prototypen testen, verpassen sie ihm als sogenanntem „Erlkönig“ eine Folie mit einem Tarnmuster. Dieses verbirgt nicht nur die Farbe, sondern verschleiert auch die tatsächliche Form. Vor allem kleinere Details des Designs, auf die es bei einer Neuentwicklung ankommt, sind durch die optische Täuschung nicht mehr zu identifizieren. Damit schützen sich die Entwickler vor der Veröffentlichung durch Journalisten, die regelmäßig mit der Kamera auf Jagd nach Schnappschüssen sind. Sie würden gern von den Innovationen berichten, bevor sie der Hersteller offiziell vorstellt.

Natürlich schafft es immer wieder ein Fotoreporter, so ein „Erlkönig“-Auto abzulichten. Doch als Meister der Tarnung bewahren die Prototypen in der Regel ihr Geheimnis trotz Foto. Die Berichterstattung kann daher nur spekulieren, wie das Fahrzeug in Wahrheit aussieht.

Warum werden Auto-Prototypen „Erlkönig“ genannt? Erklärung, Bedeutung

Die Idee der Tarnung mit einem Dazzle-Muster (to dazzle = blenden) ist inzwischen über 100 Jahre alt. Sie stammt aus dem Ersten Weltkrieg. Damals wurde Norman Wilkinson, ein britischer Künstler, zur Marine eingezogen. Auf dem Kriegsschiff machte er sich Sorgen, dass dieses vom Gegner aufgespürt und versenkt werden könnte. Also überlegte er sich im Jahr 1918 ein Tarnmuster für das Schiff, das dieses vor gegnerischen Angriffen schützen und damit ihn und seine Kameraden retten sollte. Seine Idee nahm die Marineführung auf, sie ließ die Schiffe tatsächlich so anstreichen. Wilkinsons Muster bestand aus einem Wechsel von größeren schwarzen und weißen Rhomben. Es erschwerte in der Tat die optische Identifzierung des Schiffes aus der Ferne, konnte aber natürlich nicht das Schiff komplett verstecken. Doch es täuschte zumindest die Gegner über dessen Größe, die genauen Aufbauten (welche die Bewaffnung verraten konnten) und die Fahrtrichtung.

Offenkundig fühlten sich die britischen Seeleute durchaus sicherer durch diese Tarnung. Bis zum Kriegsende, das ja 1918 immerhin kurz bevorstand, wurden noch über 4.000 auf diese Weise getarnt Schiffe in den Einsatz geschickt. Man feierte Wilkinson dafür, obwohl ein echter Beweis für den Vorteil des Dazzle-Musters nie erbracht werden konnte. Das Prinzip dieser Tarnung wurde für die Erlkönige der Autoindustrie übernommen – und nicht nur für sie.

Woher stammt nun der Name „Erlkönig“ für die Prototypen / Testfahrzeuge?

Als nach dem Zweiten Weltkrieg die deutsche Autoindustrie aufblühte, veröffentlichten ab den 1950er-Jahren die beiden Autojournalisten Werner Oswald und Heinz-Ulrich Wieselmann ungefragt Schnappschüsse von Testfahrzeugen im schon damals renommierten Fachmagazin „auto, motor, sport“. Das galt nicht nur als Sensation für das Publikum, sondern auch als Affront gegen die Fahrzeugentwickler. Immerhin konnte nicht nur ein Riesenpublikum, sondern auch die Konkurrenz schon vor der offiziellen Vorstellung eines neuen Wagens sehen, welche Entwicklungen der Hersteller in der Pipeline hat.

Die Rubrik mit den Fotos der bisher unveröffentlichten Fahrzeuge nannten die beiden Journalisten „Erlkönig“. Das war natürlich eine Anspielung auf Goethes gleichnamige Ballade, deren erste Zeile vom „Reiten durch Nacht und Wind“ durch die Reporter zum „Fahren durch Regen und Wind“ umgedichtet wurde – in Anspielung auf die heimliche Erprobung der Testwagen. Mit diesem Sprachwitz hatte sich der Begriff „Erlkönig“ als Synonym für die Erprobungsfahrzeuge etabliert. Die Hersteller wiederum tarnten alsbald ihre „Erlkönige“ mit einem Dazzle-Muster, um den Journalisten keine Vorlage des wirklichen Fahrzeugs zu präsentieren und ihre Konkurrenz eher zu irritieren.

Die Testfahrten führen sie bis heute eher an geheimen Orten durch, die Aktion wird stets so gut wie möglich verschleiert. Dennoch gelingen den Reportern immer wieder Schnappschüsse, weil sie sehr eifrig den Entwicklungen nachrecherchieren (und möglicherweise Insiderinformationen zu den Testfahrten bekommen?). Jedoch dringt durch die Tarnung der Erlkönige relativ wenig zum neuen Design und der Technik nach außen.

Wie sehen Dazzle-Muster heute aus?

In den Anfangsjahren der Erlkönige hatte die Automobilindustrie noch das Dazzle-Muster von Wilkinson (die schwarz-weißen Rhomben) für die Tarnung übernommen. Inzwischen gibt es typischerweise für die Erlkönige Dazzle-Muster in allen erdenklichen Facetten, so hieroglyphenähnlich, als schwarz-weiße Halbkreise oder Würmer, als Wechsel zwischen kantigen und runden Formen und in vielen weiteren Ausführungen. Die Muster werden auch immer wieder neu erfunden. Das hat zwei Gründe:

• #1: Bis heute ist unklar, was ein Dazzle-Muster wirklich verbergen kann. Es basiert auf dem Prinzip der optischen Täuschung, doch dieses ist nicht vollständig erforscht. Also probieren die Autohersteller immer neue Muster aus.
• #2: Es gibt inzwischen immer mehr heimliche Fotos von Erlkönigen, die auch von Smartphonekameras mit ultrahoher Auflösung stammen. Man fragt sich, wer sie produziert und möglicherweise gegen Bezahlung an die Zeitungsredaktionen weitergibt. Einige Hersteller verdächtigen sogar Mitarbeiter der Testmannschaften.

Wie dem auch sei: Die Hersteller entwickeln immer wieder neue und immer ausgefeiltere Tarnfolien, um ihre Erlkönige vor der verfrühten Veröffentlichung zu schützen.

Wo kommen Dazzle-Muster noch zum Einsatz?

Es gibt noch zwei wesentliche Einsatzgebiete für diese Tarnung. Das erste entspricht dem der Autoindustrie: Auch andere Produkthersteller tarnen Prototypen mit solchen Mustern, um deren Design vor der verfrühten Enttarnung zu schützen. Das ist in wirtschaftlicher Hinsicht durchaus bedeutsam. Jedes Produkt mit einem innovativen, bahnbrechenden Design wird für einige Zeit deutlich besser verkauft, bis schließlich die Konkurrenz die Idee kopiert oder eine noch bessere Idee hat. So testen heute unter anderem Modeschöpfer neue Kollektionen mit einem Dazzle-Muster. Ein anderes Einsatzgebiet hat mit Wirtschaft rein gar nichts zu tun: Surfer verwenden Surfboards und Neoprenanzüge mit Dazzle-Muster (oft in der Art der schwarz-weißen Rhomben von Wilkinson), um sich vor Angriffen von Haien zu schützen.

Diese Frage ist eine sehr häufig in alltäglichen Konversationen aufkommende: Wieso haben Indianer keinen oder fast keinen Bartwuchs? Die grundlegende Antwort darauf ist: Diese Legende stimmt gar nicht. Denn viele der etlichen verschiedenen Indianerstämme haben sehr wohl ganz „normalen“, also dem mit Europiden vergleichbaren Bartwuchs. Nur ganz männliche Mitglieder von ganz bestimmten Indianerstämmen weisen stark verminderten oder gar keinen Bartwuchs auf. Hat man diese anfängliche Fehleinschätzung korrigiert, dass „Indianer“ keine Bärte hätten, bleibt dennoch die Frage übrig: Wieso verfügen denn diese bestimmten Stämme der Indianer über keinerlei Bartwuchs? Dieser Frage wird in den folgenden Absätzen nachgegangen, bis man schließlich auch zu einer erhellenden Antwort auf diese Frage gelangt.

Warum haben Indianer keinen Bart? Erklärung

Eine Legende kursiert als Begründung für die fehlende Gesichtsbehaarung der Indianer, die wohl auf den deutschen Autor Karl May zurückgeht. Dieser behauptete in seinen – fiktionalen – Romanen über die Indianer, dass sie sich die Barthaare ausreißen würden. Dies kam zwar durchaus vor, da in manchen Indianerstämmen jegliche Gesichtsbehaarung als unmännlich galt. Weshalb sich viele von ihnen sogar die Augenbrauen komplett ausrupften.

Der tatsächliche Grund für den fehlenden Bartwuchs ist jedoch ein im Vergleich zu Europiden anderer Hormonhaushalt sowie eine andere Wärmeregulierung des Körpers. Wissenschaftler teilen die Menschheit in drei große Gruppen ein: die Europiden, die Negriden und die Mongoliden. Zu letzteren zählen neben Japanern und Eskimos auch die Indianer. Bei allen Mitgliedern dieser Gruppe ist ein im Vergleich zu den anderen beiden Gruppen generell ein geringerer Bartwuchs typisch. Und bei manchen Indianerstämmen hat sich dieses Phänomen eben so weit ausgedehnt, dass quasi gar kein Bartwuchs mehr vorhanden ist.

Weshalb es auch nur möglich war und ist, dass sich Indianer die wenigen verbliebenen Barthaare oft – auch vor Jahrhunderten schon – mit einer Pinzette ausrupften. Im Falle einer vollen Bartbehaarung, wie sie die meisten Europiden aufweisen, wäre das ein viel zu zeitaufwendiger und auch schmerzhafter Prozess gewesen.

Ein Bart ist bei Kälte ein Nachteil

Übrigens existiert in diesem Zusammenhang ein weiteres interessantes Phänomen. Wenn man Europide längere Zeit in sehr kalte Regionen wie zum Beispiel Alaska schickt, reduziert sich auch ihr Bartwuchs. Was kontra-intuitiv wirkt, wäre ein Bart doch ein guter Schutz gegen Kälte. Tatsächlich ändert sich aber auch hier dann der Hormonhaushalt und die gesamte Wärmeregulierung des Körpers, was sich eben auch auf die Intensität des Bartwuchses auswirkt. Der Grund für den Verzicht auf Bartbehaarung ist auch damit zu erklären, dass sich das Kondenswasser der Atemluft bei sehr niedrigen Temperaturen leicht in den Barthaaren verfangen kann – und auf diese Weise Erfrierungen am Körper versuchen könnte.

Der umgekehrte Effekt, dass Mongolide größeren Bartwuchs entwickeln, wenn sie sich länger in wärmeren Regionen aufhalten, tritt allerdings nicht auf. Keine Chance also für Indianer und andere Mongolide mit wenig Bartwuchs, da ein wenig nachzuhelfen.

Bartwuchs: Vorteile für die Indianer

Falls es der eine oder andere aus den Stämmen mit wenig bis gar keinem Bartwuchs bedauern sollte, dass er sich keinen Rauschebart wachsen lassen kann, gibt es allerdings auch einen ziemlich überzeugenden Trost für ihn. Haarausfall des Kopfhaares, wie es bei den Europiden bis zu 50 Prozent der Männer erlebe, gibt es bei den Indianern auch im hohen Alter überhaupt nicht. Bis ans Lebensende volles Kopfhaar ist für alle Indianer also garantiert. Hinzu kommt, dass ihre Kopfhaare, wenn überhaupt, erst sehr spät im Leben ergrauen.

Mehr als 40% der vietnamesischen Bevölkerung haben Nguyen als Familiennamen, was bedeutet, dass jeder Dritte in Vietnam Nguyen als Nachnamen hat. Es gibt weltweit rund 38 Millionen Menschen, deren Nachname Nguyen ist.

Ein vietnamesischer vollständiger Name unterscheidet sich geringfügig in seiner Struktur von koreanischen und chinesischen Namen, da er drei Hauptteile umfasst: Nachname, zweiter Vorname, Vorname in dieser Reihenfolge, wobei die häufigste Länge drei oder vier Wörter beträgt. Einige haben sogar sechs oder sieben Wörter in ihrem Namen. Aber warum ist Nguyen der beliebteste Nachname in Vietnam? Dafür gibt es ein paar Erklärungen.

Warum heißen in Vietnam so viele Menschen „Nguyen“? Erklärung

In den Jahren von 420 bis 528 befand sich Chinas Regierungszeit auf einem chaotischen Höhepunkt. Um zu überleben, zog ein großer Teil der Familie Nguyen aus Anhui, Guangzhou und Zhejiang in den Süden und wanderte nach Vietnam aus. Ihre Gemeinde begann, die vietnamesische Kultur zu übernehmen und die Hauptgrundlage für das Wachstum des Nachnamens Nguyen zu schaffen. Bis zum Ende des ersten Jahrhunderts war die Einwanderungswelle der Nguyen-Familien aus China immer noch stark und erhöhte seitdem die Zahl der Menschen mit Nguyen-Nachnamen in Vietnam weiter.

Der größte Meilenstein in der Entwicklung des Familiennamens Nguyen ereignete sich jedoch während der Tran-Regierungszeit. Nach der Übernahme des Landes aus der Ly-Dynastie traf Tran Thu Do eine Entscheidung, die sich enorm auf die gesamte Gemeinschaft der Menschen auswirkte, deren Nachnamen Ly waren. Er verlangte von allen Mitgliedern der königlichen Familie Ly, die versteckt lebten, ihren Nachnamen in Nguyen zu ändern. Der Zweck dahinter war, Ly als Nachnamen zu entfernen, damit niemand etwas über seine Existenz erfahren würde. Aber die Frage, warum Tran Thu Do Nguyen als Nachnamen gewählt hat, um Ly zu ersetzen, ist nicht zu klären. Wahrscheinlich war es nur eine zufällige Wahl. Alle Bürger mit Ly als Nachnamen mussten diesen in Nguyen ändern.

Überraschenderweise gibt es dieses Ereignis der Änderung von Nachnamen tatsächlich seit der Antike. Wann immer das Land von einem neuen Reich übernommen wurde, war es eine ungeschriebene Regel, dass alle Menschen, die den Familiennamen der vorherigen königlichen Familie hatten, ihren Namen in Nguyen ändern müssen.

Die Geschichte wiederholte sich, als die Familie Ho die Tran-Monarchie besiegte und das Land übernahm. Die königliche Familie wollte alle Mitglieder der Tran-Familie finden und töten. Am Ende der Ho-Ära änderten Mitglieder der Ho-Familie aus Angst vor der Rache der nächsten Regierungszeit ihren Nachnamen in Nguyen, sodass der Feind sie nicht finden konnte.

In ähnlicher Weise änderten im 16. Jahrhundert, als Mac regierte, alle Mac-Mitglieder aus Sicherheitsgründen ihren Nachnamen in Nguyen. In den frühen Jahren des 19. Jahrhunderts regierte die Regierung von Nguyen das Land. Die Menschen von Trinh (die frühere königliche Familie) änderten auch ihren Nachnamen in Nguyen, um nicht getötet zu werden. Während der Regierungszeit von Nguyen erhielten Personen, die denselben Nachnamen wie der König hatten, mit größerer Wahrscheinlichkeit mehr Vorteile. Viele Menschen und Gefangene nutzten die Vorteile, indem sie ihren Nachnamen in Nguyen änderten.

Infolge dieser vielen historischen Ereignisse, die zur Gründung von Nguyen, der letzten königlichen Familie in der Geschichte Vietnams, führten, war die Zahl der Nguyen-Familien im ganzen Land größer als je zuvor.

Moderne Zeiten und der Familienname „Nguyen“

Bevor Sie über die Ereignisse in der Moderne sprechen, beachten Sie, dass Menschen aus der Unterschicht im Mittelalter überhaupt keinen Familiennamen hatten. Es ist eine Ehre, die nur adligen Menschen in der Gesellschaft gewidmet war. Im 19. Jahrhundert war Vietnam unter französischer Führung. Die Franzosen führten in dieser Zeit eine groß angelegte Bevölkerungsuntersuchung durch und standen vor der großen Herausforderung, dass viele Vietnamesen keinen korrekten Nachnamen hatten. Also beschlossen die Franzosen, diesen Leuten einen Nachnamen zu geben und sie entschieden sich für Nguyen. Sie wählten diesen Namen, weil es die letzte Monarchie in Vietnam war.

Trotz der Entscheidung der Franzosen war Nguyen immer noch der häufigste Nachname unter den Vietnamesen. Die Zahl des Namens Nguyen stieg also weiter an.Wenn Sie jetzt einen Vietnamesen mit der Familie Nguyen treffen, können Sie nicht nur sicher sein, aus welchem Herkunftsland er stammt, sondern auch über die besondere Geschichte seines Nachnamens Bescheid wissen.

Die 369 Methode ist eine Methode bei der Ziele durch ständiges Wiederholen und immer wieder üben erreicht werden. (Mehr dazu weiter unten)

Es gibt drei Varianten der 369-Methode. Diese werden weiter unten erklärt.

Angeblich soll die 369 Methode vom serbisch-kroatischen Erfinder Nikola Tesla (1856 – 1943) stammen, der bahnbrechende Entwicklungen der elektrischen Energietechnik vorantrieb. Der US-Unternehmer Elon Musk benannte sein Unternehmen Tesla nach diesem Vorbild und verschaffte sich hierfür extra die Namensrechte.

Wie funktioniert die 369 Methode? Erklärung

Hierzu kursieren mehrere Varianten. Die Nummer 1 erscheint am glaubwürdigsten:

369 Methode #1: Bei dieser Variante geht es nur darum, sich ein klares Ziel zu setzen und dieses am Morgen 3 Mal, am Mittag 6 Mal und am Abend 9 Mal laut zu sprechen, aufzuschreiben oder beides. Die Methode dient damit der festen Verankerung dieses Ziels, wobei im Tagesverlauf durch die nachlassende Konzentration die Wiederholung eindrücklicher und damit häufiger erfolgen muss. Dass dies in einer durch 3 teilbaren Häufigkeit geschieht, schiebt man wiederum auf Nikola Tesla, der von der Zahl 3 und ihren Vielfachen geradezu besessen war (siehe weiter unten). Vielleicht wären auch 2, 4 und 6 Mal oder 4, 8 und 12 Mal hilfreich. Auf jeden Fall kann so eine hartnäckige Wiederholung natürlich das Ziel im Unterbewusstsein sehr fest verankern.

369 Methode #2: Die zweite Interpretation der Methode läuft darauf hinaus, dass man mit dieser andere Menschen „manipulieren“ kann – zum Beispiel dazu, mit einem selbst Kontakt aufzunehmen. Das soll über explizite Messenger oder Social-Media-Portale funktionieren. Wiederum ist aber die eigene Vorstellungskraft gefragt: Wer mit der 369 Methode jemanden zur Kontaktaufnahme verleiten möchte, muss sich wohl zunächst 3 Mal vorstellen, wer diese Person sein soll, sich dann 6 Mal hierfür einen Grund überlegen und am Ende sogar 9 Mal den Inhalt der Kontaktaufnahme formulieren. Einige Verbreiter dieser Variante #2 behaupten, dass das funktioniert.

369 Methode #3: Als wäre die Variante #2 nicht schon esoterisch genug, gibt es auch noch eine dritte Version: Wir befinden uns alle in einer „Matrix“ und brauchen die 369 Methode, um diese zu verlassen. Komisch: Kenner des gleichnamigen Films glaubten immer, hierfür genügt die rote Pille. Wie dem auch sei: Da die rote Pille nicht zur Hand ist, müssen wir uns also wie gehabt am Morgen, Mittag und Abend erst 3, dann 6 und dann 9 Mal vorstellen, dass unsere Umgebung nicht real ist. Dann schaffen wir den Ausbruch. Wenn das geklappt hat, können wir allerdings nicht wieder zurück. Daher können diejenigen, denen die 369 Methode #3 geglückt ist, uns nichts davon berichten. Wir können aber auch nicht widerlegen, dass es noch niemand geschafft hätte. Ist das nicht eine clevere Theorie?

Dann gibt es noch Warnungen vor der Methode 369: Angeblich lassen sich damit „schlimme Dinge“ heraufbeschwören. Die Warner behaupten, man könne damit jemanden ernsthaft erkranken und sogar sterben lassen.

Interpretation der 369 Methode: Bedeutung, Definition

Die Variante #1 klingt halbwegs vernünftig. Ob sie zielführend ist, mag jedermann für sich ausprobieren. Schaden kann es keinesfalls, sich ein wichtiges Ziel immer wieder auf diese Weise in Erinnerung zu rufen. Es gibt natürlich auch angebliche Beweise für das Funktionieren der Variante #2 und noch einige Protagonisten, die auf die Variante #3 schwören. Das darf niemanden verwundern: Es gibt auch sehr viele Menschen, die an UFOs glauben. Zu diesen gibt es Beweisvideos in Hülle und Fülle. Gehen wir also davon aus, dass entweder Nikola Tesla oder eine andere Person irgendwann auf die Idee dieser Art von Wiederholung für das Formulieren von wichtigen Zielen kam und dann feststellte, dass das in psychologischer Hinsicht tatsächlich wirken kann. Die beiden Varianten #2 und #3 dürfen wir als Humbug abtun. Insgesamt scheint die ganze Diskussion um die 369 Methode ein kurzer Hype des Jahres 2020 sein, der wohl in den englischsprachigen Netzwerken schon Mitte 2019 aufgekommen war und dann Anfang 2020 in die deutschsprachigen Netze gelangt ist.

369 Methode: Warum Nikola Tesla?

Zunächst einmal: Jemand kann im Verlaufe der viralen Verbreitung von 369 diese Methode dem Erfinder Nikola Tesla angedichtet haben. Das ist sogar die wahrscheinlichere Variante. Dass man ihn als Bezugsperson hierfür auswählt, hat aber einen wichtigen Grund: Tesla war von der 3 und ihren Vielfachen wohl geradezu besessen. Er hielt die 3er-Zahlenreihe für ein „neues Naturgesetz“, das dem Kosmos und allen anderen Gesetzen zugrunde liege. Diese Überzeugung verknüpfte er wohl mit einem handfesten Aberglauben: Er wählte nur Hotelzimmer mit einer durch 3 teilbaren Zahl, er reinigte sein Geschirr mit 18 Servietten und ging um ein Haus, das er betreten wollte, zunächst 3 Mal herum. Diese Art von Exzentrik ist auch von anderen Genies bekannt und gilt als verzeihlich. Sie allerdings nun für einen neuen Hype heranzuziehen ist zumindest fragwürdig. Da wir schon postulierten, dass allein der psychologische Effekt der mehrmaligen Wiederholung plausibel erscheint, ist die Verknüpfung eines echten Wissenschaftlers mit esoterischem Hokuspokus nun wirklich nicht mehr seriös.

Ist die „369 Methode“ gefährlich?

Natürlich nicht. Die Variante #1 ist bestimmt sogar nützlich, die anderen beiden Varianten verwerfen wir achselzuckend, einen Schaden können wir in diesem Aberglauben nicht erkennen. Wer ein wenig Unterhaltung braucht, schaut sich auf YouTube oder TikTok 369-Videos an.

Der Beiname „Goldene Stadt“ für die tschechische Hauptstadt Prag existiert schon sehr lange. Woher er stammt, ist nicht eindeutig zu beantworten. Es gibt gleich mehrere einleuchtende Begründungen.

1. Prag – die Stadt der goldenen Türme

Prag ist eine der größten und ältesten Städte Mitteleuropas. Ihre romanische, gotische und barocke Bausubstanz hat zum Glück die Zeit überdauert und selbst der 2. Weltkrieg hat zum Glück nur wenige Schäden an den prächtigen alten Bauten hinterlassen. Deshalb gibt es in der Stadt besonders viele Kirchtürme, viele Palais und jede Menge reich geschmückte Kaufmannshäuser.

Da ist zum einen die gewaltige Prager Burg auf dem Hradschin, mit den Türmen des Veitsdomes und der St.-Georgs-Basilika und zum anderen die Burg Vyšehrad mit der Sankt Peter-und Pauls Kirche, die über der Stadt thronen. Aber auch in der Altstadt selbst gibt es unendlich viele Kirchen und Paläste mit Kuppeln und Turmverzierungen. Oft sind die Turmspitzen vergoldet und die Türme und Hausfassaden aus dem hellen Sandstein der Umgebung erbaut. Besonders bei Sonnenuntergang legt sich ein golden glänzender Schein über die Stadt, der den Begriff „Goldene Stadt“ erklären könnte.

2. Prag und Kaiser Karl IV. König von Böhmen und römisch deutscher Kaiser

Kaiser Karl VI. war einer der bedeutendsten Kaiser des Mittelalters und einer der herausragendsten Herrscher seiner Zeit. Er wurde anno 1316 als Wenzel in Prag geboren und starb hier auch anno 1378. Während seiner Regierungszeit wurde Prag zu einer reichen, schönen und bedeutenden, zu einer „Goldenen Stadt“, wie der Herrscher selbst sie nannte. Eine rege Bautätigkeit setzte ein. Karl ließ den Dom Sankt Veit auf dem Hradschin und die Karlsbrücke bauen, eine große Synagoge, ein neues Rathaus und einige Paläste und gründete die Carolina, die älteste Universität Mitteleuropas.

3. Das Goldene Gässchen in Prag

Wer den Prager Burgberg (Hradschin) besteigt, kommt im Inneren der Burganlage am Goldenen Gässchen vorbei. Die kleine Gasse mit ihren 11 kleinen Häusern zwischen 2 Türmen liegt direkt an der Burgmauer und ist einer der Touristenmagnete Prags. Heute sind die Häuser nicht mehr bewohnt, sie beherbergen Souvenirläden und historische Sammlungen.

Zu dieser Gasse gibt es eine Geschichte, die auch mit dem Begriff „Goldene Stadt Prag “ zusammenhängen könnte. Seit 1575 war Rudolf der II. König von Böhmen und König von Ungarn, seit 1576 Kaiser des hl. Römischen Reiches. Er verlegte im Jahr 1583 seine Residenz nach Prag und hielt in der Prager Burg Hof. Sein Hofstaat war sehr groß und kostspielig, außerdem war Rudolf ein Gönner und Förderer der Kunst und der Wissenschaften. Für das alles brauchte er natürlich gewaltige finanzielle Mittel, die er nicht hatte. Vielleicht auch deshalb interessierte sich der Kaiser sehr für Okkultismus und für Alchemie, also die Kunst des Goldmachens.

Im sogenannten Goldenen Gässchen waren seinerzeit neben der Burgwache auch einige Alchimisten untergebracht, die der Herrscher nach Prag eingeladen hatte. Sie sollten für ihn mit Hilfe des „Steines der Weisen“ aus unedlen Metallen Gold herstellen. Keinen von ihnen gelang es jedoch, Gold zu machen. Später gab es mehrere Goldschmiede-Werkstätten in der Gasse. Vielleicht rührt der Beiname „Goldene Stadt“ auch daher.

Wer sich häufig US-Serien anschaut, wird sich sicherlich schon gefragt haben, weshalb die erste Episode einer Serie stets auf den Namen „Pilot“ hört. Klar, der Name an sich dürfte den meisten Serien-Liebhabern bekannt sein. Doch kennen Sie auch die Bedeutung hinter dieser recht seltsam anmutenden Bezeichnung? Wir verraten sie Ihnen.

Warum heißt die erste Folge einer Serie „Pilot“? Bedeutung, Wortherkunft, Erklärung

Wie bereits bekannt ist, bezeichnen Serienmacher aus den USA die erste Episode einer neuen Serie stets als „Pilot“. Hinter einem Piloten verbirgt sich eine Art Test-Episode, die anschließend dem Sender vorgelegt wird, der sie in Auftrag gegeben hat. Die Verantwortlichen des Senders begutachten den Pilot und entscheiden sich hierbei, ob es sich als lohnenswert erweisen würde, weitere Episoden in Auftrag zu geben.
Nun muss man wissen, dass die großen US-Fernsehsender wie NBC, ABC oder FOX Jahr für Jahr zahlreiche Piloten in Auftrag geben und es längst nicht alle davon auch tatsächlich auf den Fernsehbildschirm schaffen. Zahlreiche Piloten werden von den verantwortlichen Senderbossen abgelehnt und landen anschließend im hauseigenen Giftschrank. Es kann aber auch vorkommen, dass nur grundlegende Merkmale eines bestimmten Charakters bemängelt oder direkt dessen Darsteller ausgetauscht wird. So kommt es auch nicht selten vor, dass ab der zweiten Episode einer Serie plötzlich einige neue Darsteller mit an Bord sind, die im Piloten noch von anderen Schauspielern verkörpert wurden.

Ein gutes Beispiel hierfür ist die Serie „New Girl“: Hier war in der Pilot-Episode noch Damon Waynes Jr. in der Rolle des Winston Bishop zu sehen, ehe dieser ab der zweiten Episode durch Lamorne Morris ersetzt wurde. Auch in der Serie „Monk“ wurde für die Rolle von Sharonas Sohn zuerst Kane Ritchotte verpflichtet, ehe dieser im weiteren Verlauf der Serie durch Max Morrow ersetzt wurde. Ironischerweise kehrte Kane Ritchotte in der 2. und 3. Staffel jedoch wieder als Benji zurück, da sich das Produktionsteam kurzfristig für einen Wechsel des Drehorts entschied.

„Pilot“: Im US-Fernsehen gang und gäbe, im deutschen TV kaum bekannt

Entscheidet sich ein TV-Sender letztendlich für einen Piloten, wird dieser als Anfang der darauffolgenden Serie auch im Fernsehen ausgestrahlt. Einen eigenen Titel erhält er hierbei nur recht selten – in den meisten Fällen hört diese erste Episode dann einfach auf den Namen „Pilot“. Auf die Ausstrahlung im deutschen Fernsehen trifft dies hingegen nicht zu: Da der Begriff Pilot für eine Serienepisode hier nicht allzu bekannt ist, erhält diese einen eigenen Namen.

Serien-Pilot weist offenbar Bezüge zu einem echten Piloten auf

Doch warum heißt die erste Episode einer TV-Serie bzw. deren vorab produzierter Pilotfilm nun eigentlich Pilot? Eine klare Antwort auf diese Frage gibt es leider nicht, dafür aber die ein oder andere Herleitung. Ein Pilot, in diesem Fall der Pilot eines Flugzeugs, wurde früher auch als Steuermann bezeichnet. Eine Pilot-Episode tut im Grunde dasselbe: Sie führt das Konzept einer Serie und deren Darsteller ein und steuert somit im übertragenen Sinne ihre Richtung. Ähnliche Begriffe, die sich in der englischen Sprache mit „pilot“ bezeichnen lassen, sind unter anderem lotsen, führen und leiten. Seit den 1920er Jahren ist das Wort „Pilot“ zudem auch als „Prototyp“ bekannt.

All diese Bezeichnungen haben letztendlich also offenbar dazu geführt, dass die Pilot-Episode, die den Zuschauer im Grunde genommen durch das Geschehen leitet und bei positivem Feedback des Senders auf dem selbigen „startet“, ihren heutigen Namen erhielt.

Einsamkeit im Alter hat sich in den letzten Jahrzehnten zu einer Volkskrankheit entwickelt. Jeder fünfte Deutsche gibt an, sich einsam zu fühlen. Von den über 65-jährigen Frauen leben rund die Hälfte alleine, bei Männern sind es nur rund 20 Prozent. Dennoch fühlen sich genauso viele Frauen wie Männer einsam. Es scheint als ob die weibliche Bevölkerung bessere Kompensationsmechanismus besitzt um mit diesem Phänomen fertig zu werden. Oft entsteht ein Gefühl der Einsamkeit wenn die Zeit der Rente gekommen ist. Viele ältere Menschen freuen sich schon Jahre davor auf den letzten Arbeitstag. Danach fühlen sie sich für einige Wochen wie im Urlaub, bevor das Bewusstsein einsetzt niemals wieder zur Arbeit zu gehen. Dann kommt es bei zu manchem zum Pensionsschock: Das Gefühl des Nicht-Gebraucht-Werdens macht der älteren Generation mitunter schwer zu schaffen.

Alte Menschen: Oft führt Einsamkeit zur Verbitterung

Vor allem Senioren die ihre Tätigkeit gerne ausgeübt haben, fallen nach dem Rentenantritt in ein tiefes Loch. Ihnen fehlen zum einen die sozialen Kontakte, zum anderen die Bestätigung etwas zu leisten. Nicht selten zeigen sich Betroffene über einen längeren Zeitraum hinweg schlecht gelaunt und verbittert. Wer sein soziales Umfeld vorwiegend rund um den Job aufgebaut hat, bemerkt langsam wie einsam sie ohne ihren Beruf sind. Vielen fehlen die Kollegen und auch die Langeweile trägt dazu bei, dass ältere Menschen verbittert werden. Während früher der Beruf eine gewisse Tagesstruktur vorgab, müssen Seniren dafür selbst sorgen.

Verbitterung entsteht oft wenn sich eine Lebenssituation plötzlich ändert. Der Tod des Partners, von Freunden oder geliebten Haustieren sind mögliche Auslöser. In diesem Zustand sind ältere Menschen von Grund auf unglücklich, oft begeben sie sich in eine Opferrolle und sehen keinen Ausweg. Manchmal haben Betroffene das Gefühl, vom Leben nicht fair behandelt worden zu sein und trauern verpassten Chancen nach. Ihre innere Leere lassen sie ihrem Umfeld unter anderem mit sarkastischen Kommentaren, Bösartigkeit oder Aggression spüren.

Alte Menschen: Körperliche Beschwerden können zu Verbitterung führen

Wenn sich ältere Menschen immer mehr zurückziehen, können Schmerzen der Auslöser sein. Sie führen über einen längeren Zeitraum hinweg bei vielen zu psychischen Problemen. Das hat unter anderem organische Ursachen: Während Schmerzen vom Gehirn verarbeitet werden, werden ähnliche Hirnareale aktiviert wie bei großer Furcht oder Trauer. So entsteht ein Teufelskreis. Einerseits verstärken Schmerzen Depressionen, andererseits verstärkt eine permanente Niedergeschlagenheit das Schmerzempfinden. Betroffene zeigen sich zunehmend desinteressiert und ziehen sich aus dem gesellschaftlichen Leben zurück. So rutschen sie in die Einsamkeit und konzentrieren sich noch mehr auf ihre körperlichen Probleme.

Manchmal werden Schmerzpatienten auch verbittert, weil sie sich von ihrer Umwelt nicht Ernst genommen fühlen. Nicht immer haben Angehörige ein offenes Ohr für die Beschwerden. Durch die Frustration werden manche Senioren regelrecht bösartig. Auch das Gefühl, jemandem zur Last zu fallen führt zu Verbitterung.

Demenz als Grund für eine Verhaltensänderung

Das Bundesforschungsinstitut in Deutschland schlägt Alarm: Aktuell leiden bereits 1,6 Millionen Bundesbürger an der schwerwiegenden Krankheit. Aufgrund der langen Leidensdauer übersteigt die Anzahl der Neuerkrankungen jene der Sterbefälle, was zu einem jährlichen Zuwachs von 40.000 Betroffenen führt. Experten schätzen, dass im Jahr 2050 3 Millionen Menschen von Demenz betroffen sein könnten. Somit könnte sich die Zahl im Vergleich zu 2010 in den nächsten drei Jahrzehnten verdoppeln.

Als eines der ersten Symptome für eine beginnenden Demenzerkrankung bemerken Angehörige oft ein verändertes Verhalten. Vermehrte Reizbarkeit zählen zu den ersten Symptomen, die auf eine Demenzerkrankung hindeuten. Doch auch andere Verhaltensauffälligkeiten machen Patienten und Angehörigen zu schaffen. Dazu zählen auch Aggressivität und eine krankhaft wirkende Unruhe. Oft wechseln Teilnahmslosigkeit mit Hyperaktivität ab. Bei 9 von 10 an Demenz Erkrankten verändert sich der Charakter signifikant. Im ersten Stadium kommt es darüber hinaus oft zu Depressionen. Dafür gibt es verschiedene Gründe: Die Betroffen bemerken selbst, dass sie den Alltag nicht mehr so gut meistern wie früher. Anfangs haben sie Schwierigkeiten damit, die richtigen Worte für Gegenstände oder Handlungen zu finden. Auch fällt es schwer, Personen beim richtigen Namen zu nennen. Diese Schwierigkeiten kompensieren sie durch die Verwendung von oft wenig passenden Füllwörtern oder Umschreibungen. Da es immer schwerer fällt, neue Informationen im Gehirn zu speichern, werden Termine vergessen.

Einer der Gründe warum es zu Verhaltensänderungen im Zuge einer Demenzerkrankung kommt ist dass Betroffene genau merken dass mit ihnen etwas nicht stimmt. Fällt ihnen ein Name nicht ein und werden sie von anderen Personen korrigiert, reagieren sie oft aggressiv. Unter Umständen verhalten sich Patienten genau gegengesetzt zu früher: Sanfte Menschen werden aufbrausend und laut, im nächsten Moment werden sie weinerlich und unsicher, da sich Demenz ganz unterschiedlich auf jeden Betroffenen auswirkt.

Die Tradition, dass viele Comicfiguren nur vier statt wie eine menschliche Hand fünf Finger haben, geht auf die frühen Zeichentrickfilme der 1920er Jahre zurück. Während man in einem Comic-Heft zwar auch ein klein wenig mehr Zeit investieren müsste, um fünf statt vier Finger zu zeichnen, potenziert sich dieser Aufwand bei Zeichentrickfilmen um ein Vielfaches. Schließlich muss jedes einzelne Bewegtbild eines solchen Films neu gezeichnet werden – oder zumindest war das in den Anfangstagen des Zeichentrickfilms der Fall. Deshalb entschied man bei Disney, dem ersten Unternehmen, dass derartige Filme produzierte, den Aufwand zu verringern. Dem Betrachter fällt es in der Regel nicht allzu sehr auf, zumal ja ohnehin zunächst meist tierische Vertreter die Rollen in den Filmen spielten. Der Zeitgewinn und damit letztlich auch der monetäre Gewinn war aber durchaus spürbar, wenn man auf einen der fünf Finger verzichtete.

Warum haben Comic-Figuren nur vier Finger? Bedeutung, Definiton, Erklärung

Diese Vorgehensweise setzte sich dann auch bei vielen anderen Produzenten von Zeichentrickfilmen und auch Comicheften durch. Ein großer Verzicht auf Möglichkeiten der Gestik bedeutete dies ohnehin nicht. Die meisten relevanten Gesten kann man auch mit einem Daumen und nur drei Fingern verständlich darstellen. Deshalb „opferte“ man den Mittelfinger, dessen heutige Hauptgeste damals ohnehin kaum bekannt war und in Filmen sowieso nicht gezeigt worden wäre. Es ist also der Mittelfinger, der all den Comicfiguren fehlt, die nur vier Finger besitzen.

Allerdings ist es keineswegs so, dass alle Zeichner und Studios auf den fünften Finger verzichten. Dies hängt einerseits vom generellen bevorzugten Stil ab, sprich nicht zuletzt der angestrebten Detailtreue. Andererseits ist es oft auch einfach Geschmackssache. Während die frühen Zeichnungen aus dem Hause Disney oft sehr rudimentär waren, was auch für Comics wie „Hägar, der Schreckliche“ gilt, für Calvin und Hobbes ebenso.

Comic-Figuren: Fünf Finger für die Figuren sind ebenso üblich

Asterix hingegen verfügt in seiner gezeichneten Version über fünf Finger – sein Kompagnon Obelix und alle weitere Figuren im gleichnamigen Comic natürlich ebenso. Zeichner Uderzo legte eben viel mehr Wert darauf, dass die Zeichnungen realistische Details aufweisen. Dasselbe gilt analog für Lucky Luke von Morris und auch für die Figuren in „Tim und Struppi“ aus der Feder von Hergé. Ebenso reihen sich Charlie Brown und seine Freunde in die Reihe jener Figuren ein, deren Schöpfer ihnen fünf Finger gönnte.

Wer sich für vier Finger entscheidet, hat aber oftmals ebenso ästhetische Gründe dafür vorzubringen. Kleinteilige fünf Finger wirken schnell überladen in den oft ja vom Umfang her recht kleinen Zeichnungen. Und zu den vier Fingern von Mickey Mouse führte Erfinder Walt Disney aus: „Fünf Finger hätten Mickeys Hand wie ein Büschel Bananen aussehen lassen.“ Klobig würde es aussehen, eine menschen-ähnliche Hand zu zeichnen, wenn der Rest des Comics oder des Zeichentrickfilms auch nicht allzu detailreich gestaltet ist.

Bei den Simpsons besitzt nur ein Charakter fünf Finger

Auch die weltweit bekannteste und am längsten laufende Zeichentrickserie, die „Simpsons“ greift zum Stilmittel, nur vier Finger für ihre Protagonisten zu zeichnen. Hier hörte man trotz weit fortgeschrittener Technik auch immer wieder die Begründung, dass dies schlicht einfacher zu zeichnen sei. Auf wie viele Millionen „fünfte Finger“ man in den mehreren Hundert Folgen der „Simpsons“ schon verzichten konnte, sei kaum zu beziffern. Allerdings gilt in der Welt der Simpsons eine Ausnahme von der Regel, dass die Charaktere nur vier Finger besitzen: Einzig Gott wird stets mit fünf Fingern gezeichnet.

Die Lieder des österreichischen Sängers Andreas Gabalier („I sing a Liad für di“) erfreuen sich nicht nur in unserem Nachbarland hoher Beliebtheit: Auch in Deutschland hat der charmante Gabalier, der sich ganz der volkstümlichen Musik verschrieben hat, zahlreiche Fans. Eines seiner bekanntesten Lieder der letzten Jahre ist hierbei zweifelsfrei „Hulapalu“. Doch was bedeutet das Wort „Hulapula“ eigentlich? Handelt es sich dabei um einen österreichischen Begriff oder um ein reines Fantasiewort? Wir haben uns auf Spurensuche begeben.

Machen wir es kurz: „Hulapula“ ist ein andere Ausdruck für die schönste Sache der Welt. Ist Geschichte hinter dem Wort erfährst du jetzt.

Was bedeutet „Hulapalu“? Bedeutung, Definition, Erklärung

Im Jahr 2016 veröffentlichte der österreichische Sänger Andreas Gabalier ein Lied mit dem Namen „Hulapalu“, das sich 91 Wochen in den deutschen Charts hielt und es dort bis auf Platz 13 brachte – in der Schweiz war sogar der 4. Platz drin. Der Song mit dem markanten Ausruf entwickelte sich schnell zu einem beliebten Feten-Hit, der sowohl am Ballermann, als auch bei jeder Apres Ski Party nicht fehlen darf. Selbst auf Youtube können viele User offenbar gar nicht genug von „Hulapalu“ bekommen: Mittlerweile verzeichnet das dazugehörige Musikvideo dort bereits mehr als 152 Millionen Aufrufe. Nicht wenige Menschen, die sich den Clip angeschaut haben, dürften sich jedoch eine ganz bestimmte Frage gestellt haben: Was genau bedeutet eigentlich Hulapalu?

Schaut man sich den Songtext von „Hulapalu“ an, wird man das Gefühl nicht los, dass Gabalier selbst eigentlich gar nicht so genau weiß, was das Wort eigentlich bedeutet. So fragt er an einer Stelle im Lied beispielsweise „Wo’s is denn Hulapalu, wo’s ghert denn da dazu?“ und kurz darauf heißt es „Macht ma beim Hulapalu vielleicht die Augen zu?“. Doch warum verwendet der Sänger ein Wort in seinem Song, wenn er dessen Bedeutung gar nicht zu kennen scheint?

Andreas Gabalier berichtete in mehreren Interviews über die Entstehung von „Hulapalu“

Natürlich haben bereits viele Medienvertreter darüber gerätselt, was das Wort „Hulapalu“ bedeuten könnte. Diese haben den Sänger im Rahmen mehrerer Interviews auch direkt gefragt, welche Bedeutung sich hinter dem Begriff verbirgt. Gabalier erzählt als Antwort immer eine lustige Geschichte, die sich mal vor langer Zeit vor der Haustür eines Mädchens zugetragen hat. Gabalier wollte die schöne Frau damals offenbar noch in ihre Wohnung begleiten, diese aber flüsterte ihm nur ins Ohr: „So schnell geht das nicht mit dem Hulapalu“.

Verdutzt verabschiedete sich der spätere Sänger von seiner angebeteten Dame und fragte sich auf dem Heimweg selbst, was um alles in der Welt ein „Hulapalu“ ist. Schließlich kam er zu dem Schluss, dass es sich wohl um eine nette Umschreibung für den Akt handelt. Oder wie man es in Österreich nennen würde: schnackseln.

Überraschung: Das junge Mädchen von damals ist nun die feste Freundin von Gabalier

Im späteren Verlauf seines Lebens nahm diese seltsame Verabschiedung an der Tür übrigens noch eine unerwartete Wende, denn das junge Mädchen von damals ist mittlerweile Gabaliers feste Freundin Silvia Schneider. Nur sie könnte die Frage nach dem oft zitierten „Hulapalu“ lückenlos aufklären – doch ihrem Andreas hat sie die genaue Bedeutung bis zum heutigen Tag nicht verraten. Sauer dürfte er deshalb jedoch nicht sein – schließlich bescherte ihm „Hulapalu“ einen der bis dato erfolgreichsten Songs seiner Karriere.

Marienkäfer sind Nützlinge, die in der Natur und der Landwirtschaft wertvolle Dienste leisten. Über 6.000 Arten gibt es weltweit, mehr als 80 alleine in Deutschland und über 100 Bezeichnungen hat der Marienkäfer in der deutschen Sprache. Die Punkte der Marienkäfer haben nichts mit dem Alter der Marienkäfer zu tun. Stattdessen hat jede Unterart eine feste Anzahl Punkte, die über das gesamte Leben gleich bleibt.

Warum haben Marienkäfer Punkte? Erklärung, Arten und Merkmale

Die Anzahl der Punkte gibt Aufschluss über die Art des Maikäfers. Beliebte Arten sind etwa der Zweipunkt oder Adalia bipunctata und der Siebenpunkt, der auch als Coccinella septempunctata bekannt ist. Der Vierpunkt ist ebenfalls ein bekanntes Exemplar, da er die Schildlaus frisst und auf diese Weise den Landwirten einen wichtigen Dienst leistet. Auch sein häufiges Vorkommen, auch in Deutschland und ganz Europa, macht ihn zu einer beliebten Art. Der Vierzehnpunkt-Marienkäfer ist ebenfalls in ganz Deutschland weit verbreitet. Er hat vierzehn Punkte, die symmetrisch auf die Flüge verteilt sind. Die symmetrische Verteilung der Punkte ist ein wichtiges Erkennungsmerkmal, betrifft jedoch bei weitem nicht alle Maikäferarten, die es gibt.

Bis zu 24 Punkte kann ein Marienkäfer haben. Die Punkte befinden sich an unterschiedlichen Stellen auf dem Rücken beziehungsweise auf den Flügeln. Bei den über 6.000 Arten, die es weltweit gibt, kann die Verteilung der Punkte sehr verschieden ausfallen. Nicht immer sind alle Punkte sofort erkennbar. Außerdem haben nicht alle Arten Punkte. Der Kugelkäfer hat keine Punkte, wird aber dennoch zu den Marienkäfern gezählt. Er gehört mit 1 bis 1,5 Millimetern auch zu den kleinsten Marienkäfern.

Nicht alle Marienkäfer sind rot. Es gibt rote, orange, schwarze, gelbe und braune Arten. Als Faustregel sagt man, dass der Käfer giftiger ist, je greller seine Farbe ist. Keine heimische Marienkäferart ist jedoch gefährlich für den Menschen, insofern keine Allergie vorliegt.

Marienkäfer und ihre Punkte: Schutz vor Fressfeinden

Die Punkte, die fast alle Marienkäfer auf den Flügeln bzw. dem Rücken tragen, dienen der Unterscheidung der einzelnen Arten. Die Punkte auf dem Rücken der Marienkäfer erfüllen jedoch noch einen weiteren Zweck. Sie heben das farbige Äußere der Käfer von ähnlich aussehenden Beeren ab. Dadurch vermeiden Marienkäfer, von anderen Insekten oder Vögeln gefressen zu werden. Fressfeinde erkennen die Marienkäfer anhand ihrer Punkte schon von Weitem. Da die Käfer bei Gefahr ein giftiges Sekret ausstoßen, halten sich Vögel und andere Tiere fern. Dazu trägt auch der bittere Geschmack der Käfer bei.

Marienkäfer: Punkte haben keinen Zusammenhang mit dem Alter

Auch beim Menschen hat der Marienkäfer gerade wegen seiner Punkte einen guten Ruf. Kinder nehmen oft an, dass die Punkte mit dem Alter der Marienkäfer zusammenhängen. Jedoch verändert sich im Laufe des Lebens höchstens der Farbton der Punkte ein wenig, nicht aber ihre Anzahl.
Die Punkte der Marienkäfer haben keinen direkten Zusammenhang mit dem Alter. Das bedeutet jedoch nicht, dass sich das Alter nicht anhand von Größe und Farbe der Punkte herleiten lässt. Ausgewachsene Tierchen haben natürlich etwas größere Punkte als junge Marienkäfer.

Warum haben Marienkäfer Punkte? Zum einen, um Fressfeinde abzuhalten, die den Käfer ansonsten mit Beeren oder Früchten verwechseln würden. Zum anderen lassen sich anhand der Anzahl der Punkte zwischen den verschiedenen Arten der Marienkäfer unterscheiden.

Die „Falten“ eines Elefanten helfen dem Tier, die Temperatur besser zu regulieren und verhindern, dass weniger Wärme aufgenommen werden kann. Die Falten erinnern an ein brüchiges und trockenes Flussbett.

Warum haben Elefanten Falten?

Das komplizierte Netzwerk von Spalten auf der Haut des afrikanischen Elefanten hilft ihm, Feuchtigkeit zu speichern und kühl zu bleiben. Die faltige Haut der Efanten ist eines der charakteristischsten Merkmale. Der Zweck dieses Musters – es hilft dem Tier, kühl zu bleiben, indem es Feuchtigkeit besser speichert als glatte Haut. Dieses Gittermuster bricht und biegt sich, wenn die Elefanten wachsen, und erzeugt Millionen von Kanälen über ihre Haut.

Die Haut dieser Tiere ist von einem komplizierten Netzwerk winziger, mikrometerweiter Spalten bedeckt, die Wasser und Schlamm zurückhalten. Dies schützt die Haut vor Parasiten und Sonneneinstrahlung und spielt eine wichtige Rolle bei der Regulierung der Körpertemperatur des Elefanten und der Verhinderung von Austrocknung.

Afrikanischen Elefanten fehlen die Schweiß- und Talgdrüsen, die es vielen anderen Säugetieren ermöglichen, kühl zu bleiben und die Körpertemperatur perfekt zu regulieren. Die einzige Möglichkeit für Elefanten, die Körpertemperatur zu regulieren, besteht in der Verdunstung von Wasser. Aus diesem Grund baden die Elefanten an Wasserstellen, besprühen sich mit ihrem Rüssel und nehmen ein Schlammbad.

Dank ihrer kompliziert rissigen Haut behalten sie fünf- bis zehnmal mehr Feuchtigkeit als eine glatte Oberfläche. Wenn diese eingeschlossene Flüssigkeit verdunstet, können Elefanten ihre Körpertemperatur regulieren und Austrocknung verhindern. Auf der Haut haftender Schlamm hilft den Tieren auch, Parasiten abzuwehren.

Die Haut der Elefanten verdickt sich mit der Zeit, wobei neue Hautschichten Druck auf die äußerste Schicht ausüben und ein Netz von Rissen und Spalten auf der Oberfläche entstehen, die für uns wie Falten aussehen.

Diese Rissmuster auf der Haut der Elefanten haben eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit Rissen im Asphalt durch zu starke Sonneneinstrahlung oder ein trockenes Flussbett.

Elefanten: Funktion der „Falten“

Viele verschiedene kleine Rissmuster schmücken die faltige, graue Haut der afrikanischen Elefanten. Diese Falten können mehr Wasser aufnehmen, das dann verdunstet und die Haut des Elefanten abkühlt. Weitere Falten können sich bilden, wenn die äußerste Hautschicht immer dicker wird und irgendwann weiter bricht. Es werden hierbei physische Risse in der Epidermis des Elefanten erzeugt, wodurch sich weitere Falten bilden.

Eigentlich sind der Aufbau und die Struktur der Haut eines Elefanten identisch mit der Haut eines Menschen. Der einzige Unterschied besteht darin, dass sich abgestorbene Hautpartikel bei einem Elefanten nicht ablösen. Es werden einfach neue Hautzellen gebildet. Dies ist für afrikanische Elefanten von großem Nutzen. Wenn sich Hautzellen häufen, üben sie genug Druck aus, um die äußere Schicht zu biegen, wodurch ein Netzwerk von kleinen Falten entsteht, wodurch die Tiere ihre Körpertemperatur noch besser regulieren können.

Nicht umsonst werden Elefanten als Dickhäuter bezeichnet. Wenn sich die Haut ablösen würde, würde sie niemals dick genug werden und es entstünden nicht so viele Falten. Ein ausgewachsenes Tier benötigt zum optimalen Regulieren der Körpertemperatur aber genug kleine Falten in der Haut.

Afrikanische Elefanten haben keine Schweiß- und Talgdrüsen, um ihre Haut in ihrer warmen, trockenen Umgebung feucht zu halten. Um mit der Hitze in Afrika fertig zu werden, baden Elefanten, sprühen Wasser und suhlen sich im Schlamm, insbesondere aufgrund ihrer Größe. Der Schlamm hilft ihnen, ihre Körpertemperatur zu regulieren, Parasiten zu vermeiden und vor Sonneneinstrahlung zu schützen.

Der Schlamm, kombiniert mit den Rissen / Falten in ihrer Haut, ermöglicht es den Elefanten, fünf- bis zehnmal mehr Wasser zurückzuhalten, als eine Haut mit glatter Oberfläche. Die Falten entstehen also wirklich durch kleine physische Risse. Je mehr Falten der Elefant hat, desto älter ist das Tier.

Die Ohren eines Kaninchens erfüllen zwei Schlüsselfunktionen. Als erstes helfen sie dem Tier, seine Umgebung zu überwachen und Raubtiere zu erkennen. Kaninchen können Geräusche über beträchtliche Entfernungen, bis zu drei km, aufnehmen. Ihre Ohren können um 270 Grad gedreht werden, um die Schallquelle zu erkennen und sie können sich unabhängig drehen, um verschiedene Geräusche zu überwachen.

Zweitens unterstützen sie die Wärmeregulierung. Die Ohren eines Kaninchens enthalten ein ausgedehntes Netzwerk von Blutgefäßen, die eine große Oberfläche für den Wärmeaustausch bieten. Diese Gefäße schwellen an, wenn das Kaninchen heiß ist, und ziehen sich zusammen, wenn es kühl ist, so dass sie bei kaltem Wetter kaum sichtbar sind, dazu später mehr.

Warum haben Hasen so große Ohren?

Kaninchen sind fast überall für ihre langen, ikonischen Ohren bekannt. Wie zu erwarten ist, tragen die langen Ohren eines Kaninchens viel dazu bei, sein Gehör zu verbessern. Ihre Ohren spielen auch eine wichtige Rolle bei der Regulierung der Körpertemperatur des Kaninchens und verhindern so Hitzschlag und Unterkühlung.

Viele Aspekte des Körpers eines Kaninchens sind perfekt an das Überleben in der Wildnis angepasst. Als Beutetiere haben sie Möglichkeiten, Raubtiere aus einiger Entfernung zu erkennen, und sie haben gelernt, sich an viele verschiedene Lebensräume anzupassen. Ihre Ohren sind unglaublich wichtig für ihre Anpassung und ihr Überleben als Spezies.

Hasenohren: Regulierung der Körpertemperatur

Eine der beiden Hauptfunktionen von Hasenohren besteht darin, ihnen bei der Regulierung ihrer Körpertemperatur zu helfen. Die Ohren eines Kaninchens haben im Allgemeinen ein dünneres Fell und ein Netzwerk kleiner Blutgefäße, die das Außenohr hinauflaufen. Dies bedeutet, dass Hasenohren einen Großteil des notwendigen Wärmeaustauschs mit ihrem Körper ermöglichen können. Die Blutgefäße dehnen sich an heißen Tagen aus, um Wärme abzugeben, und ziehen sich an kalten Tagen zusammen, um ihre Körpertemperatur aufrechtzuerhalten.

Kaninchen, die in trockeneren und heißeren Temperaturen leben, neigen dazu, größere Ohren zu haben. Sie benötigen eine größere Oberfläche an ihren Ohren, um mehr Wärme abzugeben und einen Hitzschlag zu vermeiden.

Was bedeutet es, wenn die Ohren eines Kaninchens heiß oder kalt sind?

Da Hasenohren in der Lage sind, ihre Körpertemperatur zu regulieren, schwanken sie häufig in der Temperatur und fühlen sich heiß oder kalt an. Wenn ein Kaninchen heiß ist, werden seine Ohren warm, wenn sie Wärme abgeben. Wenn ein Kaninchen kalt ist, fühlen sich seine Ohren spürbar kühl an.

Zum größten Teil sind Änderungen der Ohrtemperatur normal und kein Grund zur Sorge. Sehr heiße oder sehr kalte Ohren können jedoch auch ein Hinweis darauf sein, dass das Kaninchen Schwierigkeiten hat, seine Körpertemperatur aufrechtzuerhalten. Wenn sich die Ohren eines Kaninchens heiß anfühlen und rot werden, bedeutet dies, dass sie sich zu überhitzen beginnen und die Gefahr eines Hitzschlags besteht. Wenn die Ohren eines Kaninchens eiskalt sind und eine blasse Farbe annehmen, besteht ebenfalls das Risiko einer Unterkühlung.

Hasenohren: Sehr gutes Gehör

Hasenohren sind auch für ausgezeichnetes Hören ausgelegt. Interessanterweise ist die Entfernung, die Kaninchen hören können, nicht viel besser als die Fähigkeit eines Menschen innerhalb der niedrigeren Schallfrequenzen. Kaninchen können jedoch hohe Geräusche in einer Entfernung von bis zu drei km erkennen. Dies sind Schallfrequenzen, die für das menschliche Ohr völlig unhörbar wären.
Der wahre Vorteil, den Hasenohren bieten, ist das gerichtete Hören. Hasenohren können sich völlig unabhängig voneinander bewegen und schwenken. Wie bereits erwähnt kann jedes Ohr bis zu 270 ° gedreht werden. Dies gibt Kaninchen die Möglichkeit, genau zu bestimmen, woher ein Geräusch kommt. Ohne einen anderen Körperteil zu bewegen, können die Ohren eines Kaninchens aus jeder Richtung hören. Sie werden immer wissen, wann und von wo ein Räuber sich nähert.

Hängeohren

Die Mutation für Kaninchen mit Hängeohren wurde aufgezeichnet und tritt gelegentlich in freier Wildbahn auf, ist jedoch unglaublich selten. Stattdessen wurden diese Kaninchen hauptsächlich von Menschen wegen ihres niedlichen Aussehens gezüchtet. Es gibt nur eine Handvoll anerkannter Kaninchenrassen mit Hängeohren. Allerdings handelt es sich bei diesen Tieren um domestizierte Kaninchenrassen.

Aufbau des Ohres

Das Ohr eines Kaninchens besteht aus drei Teilen: dem ikonischen Außenohr, dem Innenohr mit dem Trommelfell und dem empfindlichen Innenohr, das den Schall an das Gehirn überträgt.

• Außenohr: Das Außenohr, auch als Ohrmuschel bekannt, stellen wir uns normalerweise vor, wenn wir an ein Hasenohr denken. Dieser Abschnitt des Ohrs ist für die Regulierung der Körpertemperatur und des Schwenkens des Kaninchens verantwortlich, um die Richtung der Geräusche zu erkennen und zu lokalisieren.
• Mittelohr (Innenohr mit Trommelfell): Im Mittelohr befindet sich das Trommelfell. Hier werden vom Außenohr gesammelte Geräusche auf das Innenohr und letztendlich auf das Gehirn übertragen. Dieser Abschnitt des Ohrs kann sogar die Lautstärke zu lauter Geräusche verringern, damit das empfindliche Innenohr nicht beschädigt wird.
• Innenohr: Das Innenohr hat Membranabschnitte mit haarartigen Strukturen, die mit den vielen verschiedenen Schallfrequenzen korrelieren, die Kaninchen hören können. Es ist in der Lage, diese Informationen an das Gehirn weiterzugeben. Das Innenohr ist auch für das Gleichgewicht des Kaninchens und die Ausrichtung seines Körpers verantwortlich.

Der rote Punkt, den vielen Frauen in Indien auf der Stirn tragen, heißt Bindi. Dieses Hindi Wort leitet sich aus dem Sanskritwort Bindu ab. Auf Deutsch bedeutet es Punkt oder Tropfen.

Dabei muss das Bindi nicht unbedingt immer ein tatsächlicher Punkt sein. Senkrechte, waagerechte und u-förmige Striche sind ebenfalls möglich. In manchen Fällen werden die Varianten kombiniert.

Das Bindi wird häufig als weibliche Form des Tilaka gesehen. Dieses Segenszeichen, auch unter dem Namen Tika geläufig, erhalten hinduistische Männer während oder nach einer religiösen Zeremonie.

Die Beschaffenheit des roten Punktes „Bindi“ bei indischen Frauen

Das Bindi lässt sich aus verschiedenen Zutaten herstellen. Meist besteht es aus Kurkumapulver und ein paar Tropfen Rosenwasser. Auch Sandelholzpaste oder heiliger Asche aus verbranntem Holz (Vibhuti) werden verwendet.

Da sich das Bindi immer mehr als modisches Accessoire etabliert, wird es häufig nicht mehr in Form einer Paste aufgetragen. Stattdessen benutzen die Frauen kleine Sticker, die in allen möglichen Formen und Farben erhältlich sind. Einige besitzen Perlen oder Glitzersteinchen.

Die Bedeutung des roten Punktes (Bindi) bei indischen Frauen

Ursprünglich war das Bindi einer Frau ein Zeichen dafür, dass sie verheiratet ist. Es sollte beiden Ehepartnern Glück und Wohlstand bescheren und sie vor allem Bösen schützen. Traditionell gesehen ist das Bindi rot, was Stärke und Mut symbolisiert.

Eine weitere Bedeutung des roten Punktes bezieht sich auf die Stärkung des sechsten Chakras. Vor circa 3000 Jahren verfassten erleuchtete Personen (Rishis) die heiligen hinduistischen Schriften (Veden). Darin beschrieben sie sieben Energiezentren, die sogenannten Hauptchakren. Dort wo sich das Bindi befindet, liegt das sechste Chakra. Es wird als Stirn- oder auch Ajna-Chakra bezeichnet. An dieser Stelle, dem dritten Auge, fließt besonders viel Energie.

Im Hinduismus besitzt jeder Mensch drei Augen. Zwei Augen sind für das Sehen und somit optische Eindrücke verantwortlich. Das dazwischen liegende dritte Auge richtet seine Wahrnehmung jedoch nach Innen und auf das Göttliche im Menschen. Ein Bindi erinnert den Träger, dass Gott die Mitte des Lebens ist und stets im Zentrum der Gedanken sein soll. Oberstes Ziel ist dabei das Erlangen der inneren Weisheit.

Die verschiedene Arten des roten Punktes (Bindi)

Einige Bindis geben Hinweise auf die Religionszugehörigkeit der Trägerin. Glaubt sie an Shakti, die göttliche Mutter, trägt sie Kurkuma in Form einer senkrechten Linie auf der Stirn oder als einzelnen Punkt zwischen den Augenbrauen auf.

Frauen, die Lord Vishnu anbeten, schmücken sich mit drei senkrechte Linie aus Sandelholzpaste. Drei horizontale Striche (Tripundra) stehen hingegen für den Glauben an Lord Shiva.

Die Stelle des roten Punktes

Für ein Bindi wird die Paste in die Mitte der beiden Augenbrauen, teilweise etwas höher auf der Stirn, angebracht beziehungsweise der Sticker dort aufgeklebt.

Personen, die den roten Punkt tragen

Traditionell gesehen, ist der rote Punkt verheirateten Hindu-Frauen vorbehalten. Sie erhalten ihn morgens nach dem Besuch eines Tempels oder geben ihn selbst zuhause auf ihre Stirn.

Am Hochzeitstag selbst schmückt sich die Braut mit vielen kleinen Bindis, die oberhalb ihrer Augenbrauen aufgetragen werden.

Heutzutage sind Bindis jedoch auch bei unverheiratete Frauen als Segenszeichen oder als modischer Schmuck beliebt. Selbst kleinen Kinder wird zu besonderen Anlässen ein Bindi aufgeklebt.

Witwen verzichten in aller Regel auf den roten Punkt. Alternativ können sie ein schwarzes Bindi tragen.

Der rote Punkt als Zugehörigkeitsmerkmal einer Kaste

Häufig wird angenommen, dass der rote Punkt Ausdruck einer gewissen Kaste ist. Dies wurde jedoch mehrfach widerlegt und steht nicht in Verbindung miteinander.

Zweifelhafter Modetrend: Bindi / roter Punkt

Bindis kommen mittlerweile immer mehr in Mode. Frauen anderer Religionen oder aus der westlichen Welt tragen sie als Fashion Statement.
Diese kulturelle Aneignung kritisieren gläubige, traditionsbewusste Frauen scharf, da das Bindi nicht zu Modezwecken angewendet werden soll. Jede Trägerin müsse sich vielmehr der religiösen Bedeutung bewusst sein.

Wenn uns heiß ist, dann fangen wir an zu schwitzen, um die Körpertemperatur besser regulieren zu können. Elefanten können dies jedoch nicht. Wie regulieren sie ihre Körpertemperatur?

Elefanten sind riesig, was bedeutet, dass sie viel Körperwärme produzieren. Da Elefanten normalerweise auch in sehr heißen Klimazonen leben, ist es wichtig, dass sie auf sehr effiziente Weise ihre zusätzliche Körperwärme abführen können. Glücklicherweise haben Elefanten eine eingebaute Lösung: große Ohren.

Warum sind die Ohren von Elefanten so groß / riesig? Erklärung

Auf der Innenseite der Ohren eines Elefanten befindet sich ein Netz winziger Blutgefäße. Die Haut des Ohrs ist sehr dünn und die Blutgefäße befinden sich sehr nahe an der Oberfläche. Wenn die Temperatur des Elefantenblutes höher ist als die Temperatur seiner Umgebung, wird Wärme von den Ohren abgegeben.

Das gleiche passiert, wenn Sie einen Eiswürfel in der Hand halten. Die Wärme fließt von einem Bereich mit hoher Wärme zu einem Bereich mit niedriger Wärme. Ihnen kommt es zwar so vor, als würde der Eiswürfel die Hand kühler machen, allerdings macht die Hitze Ihrer Hand den Eiswürfel in Wirklichkeit wärmer. Elefantenohren haben oft im Vergleich zu Heizkörpern große Blutgefäße, die von der Rückseite des Ohrs aus sichtbar sind. Blut zirkuliert durch diese Gefäße und kühlt sich ab, dann zirkuliert es weiter durch den Rest ihres Körpers, um den Rest von ihnen abzukühlen.

Wärme freisetzende Blutgefäße sind nicht die einzige nützliche Funktion der Ohren eines Elefanten. Sie verhalten sich auch wie große Fahnen. Wenn Elefanten mit den Ohren hin und her schlagen, erzeugen sie eine leichte Brise, die den Abkühlungsprozess beschleunigen kann. Es ist ein bisschen so, als würde man aus einer kühlen Dusche treten und vor einem Ventilator stehen. Die Ohren eines Elefanten können seinen Körper um bis zu 5 ° C kühlen.

Das Flattern hilft, die Durchblutung der Ohren zu fördern, was wiederum dazu beiträgt, dass sich der gesamte Körper abkühlt, wie oben beschrieben. Zweitens hilft es ihnen, Fliegen und Insekten in der Nähe dieses Körperteils wegzuschlagen.

An heißen Tagen können Sie sogar Elefanten sehen, die im Schlamm herumrollen, sich in einem Teich erfrischen oder ihre Rüssel wie Schläuche verwenden, um ihre Körper abzusprühen. Die Wärme verlässt dann ihren Körper, indem sie in den kühleren Schlamm oder das kühlere Wasser fließt.

Elefanten haben nur wenige Schweißdrüsen

Elefanten haben nicht sehr viele Schweißdrüsen. Elefanten haben keine Schweißdrüsen außer knapp über den Zehennägeln an den Füßen. Daher sind die großen Ohren eine Anpassung, um ihre Körpertemperatur zu regulieren. Da Elefanten in der Regel in ziemlich heißen Klimazonen leben, kann das Schwitzen zum Abkühlen zu Dehydration führen, sodass diese Anpassung als Vorteil angesehen werden kann.

Verschiedene Elefantenarten haben unterschiedlich große Ohren

Nicht alle Elefanten haben gleich große Ohren. Die Ohren eines Afrikanischen Elefanten können sehr groß werden. Asiatische Elefanten leben in der Regel in schattigen Wäldern und müssen nicht die gleichen extremen Temperaturen wie ihre afrikanischen Artgenossen aushalten. Infolgedessen haben asiatische Elefanten kleinere Ohren als afrikanische Elefanten. Naturschützer und Forscher verwenden Elefantenohren auch zur Identifizierung von Elefanten. Die Muster der Kerben, Risse und Kanten sind für jeden Elefanten einzigartig und helfen, sie voneinander zu unterscheiden. Eine einfache Möglichkeit, asiatische Elefanten von afrikanischen Elefanten zu unterscheiden, besteht darin, dass afrikanische Elefantenohren wie der Kontinent Afrikas geformt sind.

Elefanten nutzen Ohren zur Kommunikation

Eine Möglichkeit, wie Elefanten kommunizieren, ist über ihre Ohren. In freier Wildbahn können sie als Warnung für Herausforderer Ohren aufflammen lassen, potenzielle Bedrohungen abschrecken oder Aufregung zeigen. Sie können auch die Ohren ausstrecken, um anzuzeigen, dass sie sich konzentrieren oder etwas hören. Elefanten in der menschlichen Obhut tun dies ebenfalls, was ihren Trainern / Tierpflegern / Mahouts hilft, sie zu verstehen und mit ihnen zu kommunizieren.

Elefanten haben ein gutes Gehör

Elefantenohren wirken nicht nur zur Regulierung der Körpertemperatur, sondern tragen auch zu ihrem hervorragenden Gehör bei. Aufgrund ihrer Größe haben Elefanten ein ausgezeichnetes Gehör. Ihre größeren Ohren können dabei helfen, Geräusche perfekt zu orten und einen möglichen Räuber zu lokalisieren. Normalerweise haben Elefanten keine natürlichen Feinde. Neugeborene Tiere sind allerdings leichte Beute für Raubtiere, wenn es nicht von der Herde beschützt wird.

Auf Geburtstagsfeiern, zu besonderen Anlässen oder einfach beim Nachmittagskaffee zu einer leckeren Tasse Tee – der Marmorkuchen ist zu fast allen Anlässen ein gern gesehener und gegessener Kuchen. Neben seiner einfachen Zubereitungsweise ist er nicht nur auch für Backanfänger das ideale Werk, er sieht auch einfach toll aus. Aber woher kommt der Name Marmorkuchen eigentlich?

Warum heißt der Marmorkuchen „Marmorkuchen“? Erklärung, Bedeutung

Den Marmorkuchen in seiner klassischen Erscheinung gibt es schon seit der Mitte des 19. Jahrhunderts. Die ersten vollständigen Rezepte stammen hierbei aus England und den Vereinigten Staaten von Amerika. Über die Jahre hinweg ist sein Rezept auf der ganzen Welt berühmt geworden und wird inzwischen statt mit Molasse und Gewürzen in der Regel mit Kakao eingefärbt. Erwähnt wurden marmorierte Kuchen in ihrer Form allerdings schon im frühen 18. Jahrhundert. So finden sich einige Rezepte, in der von der Marmorierung unterschiedlicher Rührkuchen durch verschiedene Einfärbemittel gesprochen wird. Nach dem Rezept handelt es sich hier nicht eins zu eins um den Marmorkuchen, wie er heute in den meisten Kochbüchern oder auf den meisten Onlineportalen zu finden ist, weshalb er in seiner aktuellen Form auch auf die Mitte des 19. Jahrhunderts datiert wird. Nichtsdestotrotz ist es unumstritten, dass frühere Vorläufer des Marmorkuchens schon weitaus früher in Kochbüchern zu finden waren und ihren Teil zu vielen Feierlichkeiten beigetragen haben.

Wortherkunft Marmorkuchen: Was hat er mit Marmor zu tun?

Der Marmorkuchen hat geschmacklich selbstverständlich nichts mit der Gesteinsart Marmor zu tun, ist allerdings aufgrund seiner Optik daran angelehnt. Bei der Betrachtung von Marmorsteinen oder Marmorsteinplatten, wie sie gerne als Bodenfliesen verwendet werden, ist vor allem die Maserung dieser auffällig. Sie sind marmoriert, das heißt durch ihre Verbindung aus Marmor und Kalkstein bilden sich charakteristische Muster, wobei in der Regel die dunkleren Kalksteinbestandteile das hellere Marmor durchziehen und so einen edel wirkenden Kontrast bilden.
Diese Durchwebung des hellen durch die dunklen Bestandteile erinnert daher direkt an Marmor und ist deswegen auch Ursprung des Namens für den Marmorkuchen. Auch hier ist nach dem Anscheinen des Kuchens der hellere Teig von einem dunkleren Teig durchzogen und das somit charakteristische Marmormuster ist zu erkennen.

Herstellung: Marmorkuchen

Hierfür wird der Teig mit meist recht einfachen Zutaten angerührt und nach dem Anrühren in zwei etwa gleich große Hälften geteilt. Während eine der beiden Hälften in ihrem ursprünglichen Zustand belassen wird, wird eine der beiden Teighälften mithilfe von Kakao dunkel eingefärbt. Nach dem Einfärben der einen Teighälfte werden beide Teige in die Backform gegeben und mit einem Holzstab oder einer Gabel gut verrührt, sodass ein Muster entsteht. Dadurch mixen sich die helle Hälfte des Teigs und die mit Kakao dunkler gefärbte Hälfte ineinander und eine Mischung aus beiden Farben entsteht. Nach dem Backen wird der Kuchen aus dem Ofen geholt und kann angeschnitten werden. Durch das vorherige Untermischen der dunklen Farbe in den hellen Teig erscheint der Marmorkuchen nun in seiner ganz besonderen Optik – dem Marmormuster. In Rezepten für Marmorkuchen wird daher auch immer davon geredet, dass der Kuchen „marmoriert“ aussieht.

Marmorkuchen: Neue Rezeptideen

Inzwischen gibt es immer neue Rezeptideen, wie der Marmorkuchen zubereitet werden kann. So sind vor allem buntere Farben anstelle der Kakaofärbung aktuell im Kommen. Aber ganz egal, welche Farbe am Ende verwendet wird – bei richtiger Backweise steht am Ende immer das ganz besondere Marmormuster!

In den USA und auf der ganzen Welt lieben große und kleine Disney-Fans die Südsee-Abenteuer von Moana – doch in Deutschland und weiteren europäischen Ländern wurde die Titelheldin umbenannt. Das hatte überraschende Gründe.

Der Disney-Film „Vaiana – Das Paradies hat einen Haken“, der kurz vor Weihnachten 2016 in die Kinos kam, begeisterte das Publikum in Deutschland ebenso wie im Rest der Welt und lockte hierzulande über zwei Millionen Zuschauer in die Kinos. Weltweit spielte der Film 643,3 Millionen Dollar ein, das sind umgerechnet knapp 550 Millionen Euro. Damit war „Vaiana“ laut ‚Box Office Mojo‘ der zwölfterfolgreichste Film des Jahres 2016 – und übrigens der erste, der auf Tahitianisch synchronisiert wurde. Bis heute erfreut der Animationsfilm sich großer Beliebtheit im TV, auf DVD und bei Streamingdiensten. Doch auf dem Weg zum Erfolg galt es einige Hindernisse zu überwinden, denn nicht nur im deutschen Filmtitel gab es einen Haken: Disney musste den Originaltitel „Moana“ in mehreren Ländern ändern, bevor der Film in die Kinos kommen konnte. Doch worin bestand das Problem mit dem ursprünglich gewählten Namen für den Film und seine Heldin?

„Moana“: Eintauchen in die Welt der polynesischen Mythen

Die Walt Disney Animation Studios hatten den Namen für die Heldin ihres 56. Animationsfilmes mit Bedacht gewählt: Moana ist auf Hawaii und im gesamten polynesischen Raum ein beliebter Name, der soviel wie Meer oder Ozean bedeutet. Somit passte der Name perfekt zu einer Geschichte, die die Zuschauer in die exotische Traumwelt der Südsee entführt. Der Film erzählt von der (von Disney erfundenen) Insel Moto Nui, auf der die Familien unter Hunger leiden, seit die Fischer immer bescheidenere Fänge in ihren Netzen haben. Moana, die in der deutschen Fassung Vaiana heißt, ist die Tochter des Häuptlings und wird eines Tages die Führung ihres Stammes übernehmen. Schon jetzt ist das Mädchen abenteuerlustig und mutig, und als sie durch ihre weise Großmutter Pua von einer alten Legende erfährt, die vom Fischreichtum jenseits der schützenden Riffe erzählt, will die tapfere Heldin sich auf den offenen Ozean hinauswagen, den die Fischer bislang scheuten. Doch das bleibt nicht ihr einziges Abenteuer, denn ihrem Inselparadies drohen noch größere Gefahren, die sie nur mit der Hilfe des Halbgottes Maui bannen kann.

Vaiana: Warum musste Disneys Moana ihren Namen aufgeben?

Während in den USA und vielen anderen Ländern der Welt die Kinokassen mit dem Originaltitel „Moana“ klingeln durften, stieß man in Europa auf ein Problem. Der Name Moana war hier in mehreren Staaten urheberrechtlich geschützt und gehörte ausgerechnet einer Filmschauspielerin, die in alles andere als jugendfreien Erwachsenenfilmen mitgewirkt hatte. Die freizügige Moana Pozzi sorgte in den Achtziger und Neunziger Jahren für Aufsehen, starb aber schon 1994 im Alter von nur 33 Jahren. Ihre kurze, aber intensive Schaffensperiode wurde in einem Biopic mit dem Titel „Moana“ dargestellt. Und das strikte europäische Urheberrecht untersagt es, dass ein Film denselben Titel verwendet, den schon ein anderer trägt.

Moana Pozzis Berühmtheit über die Grenzen ihrer italienischen Heimat hinaus ließ bei Disney aber auch aus weiteren Gründen die Alarmglocken läuten. Schließlich hatte Signorina Pozzi mit über 100 Erwachsenenfilmen ein unvergessliches Erbe hinterlassen, noch dazu hatten ihre Affären mit einflussreichen Männern aus Wirtschaft und Politik in Italien für einige Skandale gesorgt. Ein makelloses Image ist für die Disney Studios und ihre Filme einer der Grundpfeiler ihres Erfolges – keinesfalls wollte man riskieren, dass ein Familienfilm mit einer Schauspielerin mit zwielichtigem Ruf in Verbindung gebracht wird. Deshalb machte man sich auf die Suche nach einem unverfänglicheren Namen, der Disney außerdem den Konflikt mit dem europäischen Urheberrecht ersparen würde. Und so konnte man auch vermeiden, dass bei einer Google-Suche nach dem Film unerwünschte Treffer auf dem Computerbildschirm erscheinen, statt zu dem Animationsfilm für Kinder zu führen, und Disney so das Geschäft zu vermiesen.

Neue Namen für Moana: Als Vaiana und Oceana ebenfalls ein Hit

In Deutschland, Spanien und Frankreich erhielt die Titelheldin den Namen Vaiana. Dieser Name stammt wie Moana aus der polynesischen Sprache und beschreibt eine Höhle am Wasser oder am Meer. Damit greift der Name Vaiana sogar eine eine zentrale Szene im Film auf, in der Vaianas Großmutter ihr in einer Höhle uralte Wandmalereien zeigt, die Segelboote darstellen, mit denen die Bewohner Moto Nuis früher weit aufs Meer hinaus segelten, um zu fischen. Es handelt sich also nicht um einen Fantasienamen, sondern um einen Namen, der genauso passend für die wagemutige Filmheldin ist wie der ursprüngliche.

In Italien, dem Land, in dem die Namenskrise ihren Ursprung hat, entschied man sich für einen ganz anderen Namen, nämlich für Oceana. Dieser frei erfundene Name spielt auf die Inselheimat und die maritimen Abenteuer der Heldin an. Sowohl Vaiana als auch Oceana erwiesen sich an den Kinokassen als ebenso zugkräftige Filmtitel, und das Publikum in Deutschland, Frankreich, Spanien und Italien liebte das unerschrockene Mädchen genauso wie der Rest der Welt, wo man es weiterhin unter dem Namen Moana kennt. Aber Disney wird bei der Erschaffung neuer Filmfiguren seither sicher noch gründlicher vorgehen, um für sie Namen zu finden, die ebenso attraktiv wie mit sämtlichen Gesetzen vereinbar sind.

Olaf heißt der Schneemann aus dem bekannten Disney-Film „Die Eiskönigin – Völlig unverfroren“ (engl. Titel „Frozen“). Viele lieben den kleinen Kerl für seinen Charakter und seine Sprüche. Viele stellen sich auch die Frage: Wie groß ist Olaf eigentlich? Die Antwort verblüfft und ist einfach!

Größe Olaf: Wie groß ist der Schneemann aus „Die Eiskönigin“ (Frozen)?

Olaf ist rund 76 cm groß (ohne Zweige auf dem Kopf). In US-amerikanischen Metriken ausgedrückt: Olaf ist 2 Fuß 6 inch (2’6″) groß. Werden die Zweige auf dem Kopf miteingerechnet, so ist Olaf 94 cm groß (3 Fuß 1 inch; 3’1″)

Fans haben seine Größe anhand von Vergleichswerten berechnet. Als Ausgangspunkt wurde der Abstand der Türknaufe zum Boden genommen. Hier gingen Fans davon aus, dass der Standard-Türknauf rund 91 cm vom Boden entfernt ist.

In einer Szene steht Anna direkt vor einer Tür. Unter Annahme des Abstands des Knaufs zum Boden kann Annas Körpergröße auf 152 cm ermittelt werden. Da Anna in anderen Szenen neben anderen Charakteren steht, kann aus dem Größenverhältnis die Körpergröße der anderen Charaktere errechnet werden.

Größe: Anna, Elsa, Kristoff, Sven, Hans und Olaf

Die Körpergröße der anderen Charakter ist:

• Anna ist 152 cm groß (5 Fuß 0 inch).
• Elsa ist 162 cm groß (5 Fuß 4 inch).
• Hans ist 167 cm groß (5 Fuß 6 inch).
• Kristoff ist 177 cm groß (5 Fuß 1 inch).
• Olaf ist 76 cm groß (2 Fuß 6 inch).
• Sven ist 129 cm groß (4 Fuß 3 inch).

Ein Olaf als Kuscheltier kann aber durch aus größer sein. So gibt es einen Olaf als Kuscheltier auf Amazon, der stolze 113 cm groß ist. (Link zum Olaf Kuscheltier hier*; *Externer Link zu Amazon und Provisionslink).

Falsche Größe von Olaf, dem Schneemann (Die Eiskönigin / Frozen)

Eine andere Angabe ist, dass Olaf 1,63 Meter (163 cm) groß sein soll. (5 Fuß 4 inch; 5’4″). Wäre Olaf so groß, so hätten Anna und Elsa die unglaubliche Größe von rund 3,4 Metern. So groß werden Menschen nicht. Daher ist Behauptung, dass Olaf 1,63 Meer (5 Fuß 4 inch) groß sein soll falsch. Ursprung dieser Behauptung ist ein falscher Eintrag im Eiskönigin-Wiki. Dieser Eintrag wurde mittlerweile korrigiert.t